lunes, 9 de noviembre de 2009

David Bowie


David Robert Jones (Londres, 8 de enero de 1947), conocido artísticamente como David Bowie, es un cantante y compositor británico de música rock y pop, uno de los personajes más respetados e influyentes de la historia del rock, cuya música ha dejado huella en varias generaciones de artistas.

A lo largo de su trayectoria, la música de Bowie se ha vinculado con múltiples géneros, como el folk rock, el glam rock, el soul o la música electrónica, demostrando una gran facilidad para reinventarse y adaptarse a las nuevas tendencias musicales, incluso en algunas ocasiones inspirándolas o anticipándose a ellas, por lo que es popularmente conocido como el Camaleón del Rock. Además de demostrar su talento en su faceta musical, como cantante, compositor, multi-instrumentista y productor, también ha trabajado como actor, director de vídeos musicales y artista plástico.

Bowie estuvo casado con Angela Barnett, con quien tuvo en 1971 un hijo, Zowie (nombre completo Duncan Zowie Haywood, ahora director de cine conocido como Duncan Jones). Desde 1992 está casado con la modelo Iman, con la que tuvo a su hija Alexandria.

Inicios
David Bowie nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, un barrio de Londres, la capital del Reino Unido, y creció en el pueblo de Bromley, en el condado de Kent, que actualmente es parte del Gran Londres.

Uno de los hechos más famosos de su biografía, y que marcaría su estética futura, tuvo lugar durante una riña estudiantil en su juventud. David nació con ambos ojos azules, pero en una pelea en el patio del colegio un amigo suyo, George Underwood, le hirió en el ojo izquierdo con un puñetazo, lo que le produjo la parálisis de los músculos de la pupila, que perdiera 8 meses de clase, que perdiera un poco de percepción de la profundidad y lo más llamativo, su pupila está, a partir de entonces, permanentemente dilatada. Esto se confundió en la cultura popular con una heterocromía iridium, ya que como la pupila ocupa la mayor parte del iris, parece que tiene un ojo de otro color.[2] Sin embargo, esta característica se convertiría en una de sus señas de identidad.

La carrera musical de Bowie comenzó en la década de los 60 como saxofonista y vocalista de varios grupos de rhythm & blues. Con uno de ellos, The Manish Boys, llegó a grabar un single. Debido a la popularidad de Davy Jones, del grupo norteamericano The Monkees, se vio obligado a cambiar su apellido original, eligiendo Bowie en honor de un famoso personaje de la historia estadounidense, Jim Bowie.

Su primera grabación como solista fue el elepé David Bowie, de 1967. Este disco, con influencias de los grupos pop británicos de la época (conocidos como "la invasión británica") y de la cultura del movimiento juvenil mod, no tuvo demasiado reconocimiento en su época, aunque con el paso de los años sus fans fueron dándole mayor importancia. Posteriormente, se ha dicho que David Bowie se planteó hacer un disco en el que retomaría esas viejas canciones bajo el título Toy. Algunas de ellas fueron rescatadas en su disco doble lanzado en el año 2000 Bowie At The Beeb.

Su primer gran éxito llegó en 1969 con una canción de folk pop orquestado en la que narra la historia de un astronauta perdido en el espacio llamado Major Tom y a la que tituló Space Oddity en honor a la película 2001: A Space Odyssey (2001: Odisea del Espacio). Este tema abriría y daría nombre a su segundo L.P.(long play), en el que se aproximaba a la música psicodélica, corriente dominante en ese momento. Fue su primer disco producido por Tony Visconti y también contó con la participación de Rick Wakeman, teclista del grupo Yes.

A este disco le seguiría The Man Who Sold The World (1971), donde empezó a colaborar con el guitarrista Mick Ronson, considerado uno de los mejores guitarristas de la historia del rock y pieza esencial en el sonido de Bowie a partir de entonces. El disco estaba muy influido por el hard rock de grupos como Led Zeppelin y no obtuvo tanta repercusión como el anterior. Dos décadas después, en 1993, el grupo Nirvana haría una versión del tema que daba título al álbum, obteniendo un gran éxito en todo el mundo.

Época glam
El siguiente disco de Bowie fue Hunky Dory, en el que incluiría las canciones Changes y Life on Mars?, dos de sus grandes éxitos. También en este álbum dedicaría sendas canciones a sus admirados Bob Dylan y Andy Warhol. En esta época comenzaría a jugar con la teatralidad y la ambigüedad sexual características del glam rock, influido por sus amigos Lindsay Kemp y Marc Bolan, quien por entonces ya era una gran estrella al frente de T. Rex.

El éxito de masas le llegaría en 1972 con su siguiente elepé, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, un álbum conceptual en el que narra la historia de una estrella del rock venida de otro planeta, Ziggy Stardust, bautizando a su banda de acompañamiento como The Spiders From Mars. Este disco se convertiría en el más célebre del glam rock, y está considerado como uno de los mejores y más influyentes en la historia del rock.

En esta época Bowie era omnipresente en el pop, algo que queda patente con sus colaboraciones en otros discos importantes del género, produciendo Transformer de Lou Reed, All The Young Dudes de Mott The Hopple -donde también toca el saxo- y mezclando Raw Power de Iggy & The Stooges. Su vida privada también dio que hablar, ya que tanto él como su primera esposa, Angela Bowie, se declaraban abiertamente bisexuales. Según cuenta la leyenda del rock, su divorcio estuvo motivado porque David sorprendió a Angela en la cama con Mick Jagger, quien le dedicaría su famosa canción Angie.

En 1973 Bowie volvería a mutar en un nuevo personaje, Aladdin Sane, en el disco del mismo título, que le consolidó como uno de los artistas más populares del momento. El mismo año haría un guiño a su pasado mod publicando Pin Ups, un disco de versiones de canciones de los 60 de artistas como Pink Floyd, The Rolling Stones, The Who o The Kinks entre otros. Un año más tarde lanza Diamond Dogs, ya sin la colaboración de Mick Ronson y The Spiders From Mars, un álbum inspirado en la novela 1984 de George Orwell cuya portada fue censurada en varios países.

Aunque Bowie e Iggy Pop se desentendieron de ella, la película Velvet Goldmine - título tomado de una canción de Bowie- pretende reflejar la relación entre ambos durante los años dorados del Glam.

El Duque Blanco

David Bowie en el festival Rock in Chile, 27 de septiembre de 1990.Durante la gira de Diamond Dogs, Bowie comenzó la grabación del álbum Young Americans, orientando su sonido hacia el funk y el soul y rompiendo con la estética glam. De dicha gira se editaría un álbum en directo titulado David Live, grabado en el Philadelphia Tower Theater, en el que quedará plasmado el gran cambio estilístico del artista.

Su nuevo disco, que intentó ser una crítica al modo de vida estadounidense, incluyó su primer número uno en este país, la canción Fame , co-escrita y grabada con John Lennon. Durante 1975, Bowie se consolidó como una mega estrella en Estados Unidos. Young Americans se mantuvo en las listas de discos más vendidos durante casi un año, y actuó en los programas más famosos de la época, como Soul Train o Dick Cavett Show; incluso llegaría a grabar un programa especial con Cher. En Gran Bretaña también lograría el número 1 ese mismo año con una reedición del single Space Oddity.

Es en esta época, la adicción de Bowie a la cocaina alcanza cotas altísimas. Su extrema delgadez, su nueva imagen, con el pelo rubio rojizo engominado, y su aspecto totalmente alienígena, le sirven en bandeja su primera incursión en el mundo cinematográfico, protagonizando la película The Man Who Fell To Earth, en la que interpreta a un personaje en el que se inspiraría para crear su siguiente álter ego, The Thin White Duke (El Duque blanco), en su siguiente álbum, Station To Station.
Station To Station, editado en enero de 1976, es un disco a medio camino entre el funk y el soul de su antecesor y la experimentación electrónica que vendrá en sus obras futuras. El single Golden Years, extraído del elepé, arrasa en las pistas de baile. En estas fechas Bowie llega a su punto más álgido en el mercado estadounidense, tras su éxito en el europeo durante su etapa glam. Después de una intensa gira que le lleva a recorrer medio mundo regresa a Europa para comenzar su etapa más experimental.
[editar] Berlín
En 1977, el cansancio del éxito y su interés por el emergente krautrock alemán le lleva a trasladarse a Berlín, donde realizaría sus tres siguientes discos, conocidos como la Trilogía de Berlín. En esta ciudad comparte piso con Iggy Pop y ambos se desintoxican de su severa adicción a las drogas. Bowie ayuda a Pop produciendo sus dos primeros discos en solitario, y co-escribiendo la mayoría de las canciones, The Idiot y Lust For Life, los más aclamados de la carrea solista de Pop, quien le devuelve el favor con una pequeña colaboración en coros en el primer disco berlinés de Bowie, Low. Este disco y los dos siguientes los co-produce el propio Bowie junto a Tony Visconti, pero el factor decisivo en el característico sonido de la trilogía correría a cargo de otro superviviente del glam rock, Brian Eno, quien escribe y toca muchas de las partes instrumentales de las canciones, dotándolas de grandes influencias del krautrock y la música electrónica.

"Low" editado a comienzos de 1977 sería un éxito comercial tanto en Europa como en EEUU gracias al single "Sound And Vision" (que sería el último éxito de Bowie en América en tres años), pero sus tintes experimentales y electrónicos y sus temas instrumentales desorientaron a gran parte de sus fans, a los críticos musicales e incluso a su discográfica que se negaba a publicarlo y que ni siquiera lo promocionó; y las ventas de Bowie a partir de este trabajo bajaron considerablemente.

El siguiente elepé, Heroes (también editado en 1977 y tratando de volver al mundo del rock, aunque a traves de la experimentación), contienía la famosa canción del mismo título (inspirada en el Muro de Berlín) que se editaría como single a finales de ese año en distitos idiomas (francés y alemán). El single, a pesar de condición de "gran clásico de Bowie" hoy en día, fue un gran fracaso de ventas en su momento, y el LP funcionaría bien en paises como Inglaterra (donde se le declaró disco del año en numerosas publicaciones) o Alemania pero sería un estrepitoso fracaso en EEUU. Heroes continuaría la estética de su antecesor (aunque más guitarrero) produciendo atmósferas aún más arregladas en cuanto a sintetizadores y electrónica, pero en su conjunto se resentía de cierta falta de temas comerciales o facilmente audibles.

Si bien Low mantuvo el filón comercial del artista, Héroes y el siguiente album "Lodger" fracasaron a nivel de ventas en mayor o menor medida, aunque estos discos fueron inmensamente alabados por la crítica oficial y serían un eslabón decisivo entre la electrónica y la música pop por venir en la década de los 80. Bandas y solistas pioneros como Gary Numan, Joy Division, Bauhaus, o posteriormente Nine Inch Nails, reconocerían la directa influencia e inspiración de estos álbumes.

Bowie realizó una gran gira mundial en 1978 tratando de recuperar gran parte de sus fans perdidos y presentando sus dos últimos trabajos experimentales. La gira llenaría estadios y reportaría un disco doble grabado en directo, "Stage", que reportaría las peores ventas de un disco de Bowie en años.

En 1979 Bowie y Eno realizan su última colaboración: Lodger. El disco se aleja de la estética de Eno y trata de adentrarse en las nuevas corrientes por venir en la década de los 80. El disco funcionaría mejor comercialmente que sus antecesores, en parte gracias a unos video clips revolucionarios para la época ("Boys Keep Swinging", "DJ" y "Look Back In Anger").

Acabando la década de los 70, Bowie se había vuelto más un referente a imitar, con una gran influencia sobre nuevas bandas y artistas, que un músico super ventas; aunque esto cambiaría en los años siguientes en los que volvería a arrasar en las listas de éxitos. El sonido opaco y experimental de la llamada Trilogía de Berlín (aunque sólo "Low" y "Heroes" se grabaron en Berlín, ya que "Lodger" se hizo en Nueva York) sería determinante para varias de las nuevas corrientes musicales que se estaban originando por esas fechas, como el rock gótico, el post punk, el synth pop, el new wave o el new romantic.

Años 1980
De vuelta a EE. UU., Bowie graba Scary Monsters, su nuevo gran disco, editado en 1980, cerrando una etapa experimental en el que conecta con la furia y la fuerza de la emergente new wave y los nuevos románticos, con la destacada colaboración del guitarrista Robert Fripp. De aquí surge el single Ashes to ashes, donde retomaría las desventuras del Major Tom, el protagonista de Space Oddity. Este disco fue número uno en Gran Bretaña y supuso el reencuentro del artista con las listas de éxitos y las grandes ventas después de la bancarrota que había supuesto la trilogía berlinesa para su discográfica. Si Ashes To Ashes fue un single bombazo en Europa y Asia, Fashion (el segundo single editado de Scary Monsters) devolvería a Bowie a los charts Estadounidenses. Scary Monsters supondría uno de los mejores albums de su carrera, tanto en críticas como en ventas, y sería su último gran clásico.

Después de grabar en 1981 un tema con Queen, Under Pressure otro gran nº1, el Duque Blanco inicia su período más comercial, cambia de discográfica (hasta la fecha había sido RCA) firmando un contrato multimillonario con EMI y graba el que será su disco más vendido: Let's dance (1983), producido por Nile Rodgers. Tanto el single que da título al álbum como China girl y Modern love se convierten en grandes éxitos a ambos lados de Atlántico, y el disco logra ventas millonarias convirtiéndose en el segundo disco más vendido de 1983, tan sólo por detrás de Michael Jackson. Al año siguiente, Rodgers será elegido para producir Like a Virgin, el lanzamiento mundial de Madonna. Let´s Dance se convertiría en el disco más vendido de la carrera de Bowie y le colocaría en el nº1 de los paises de todo el mundo y en la portada de todas las revistas de moda.

Una gira mundial termina de consagrar a Bowie como un artista dinosaurio, al más puro estilo de Elton John, Cher, Tina Turner o Mick Jagger. A la par Bowie continuaría con una irregular carrera cinematográfica con trabajos como El Ansia, de Tony Scott, o Feliz Navidad Mr Lawrence, de Nagisha Oshima, que le reportarían positivas críticas como actor.

En 1984 graba Tonight intentando repetir la fórmula comercial de Lets Dance. Si bien el disco fue otro gran éxito de ventas a nivel mundial gracias al single Blue Jean, las criticas fueron muy severas con el artista, acusándole de haberse estancado y haber perdido su aura innovadora de los años 70. Bowie se refugiaría en el cine en los años siguientes trabajando en las películas Cuando llega la noche, de John Landis, Principiantes, de Julian Temple, Dentro del Laberinto, de Jim Henson y La última tentación de Cristo, de Martin Scorsese.

En 1987 graba el que para buena parte de sus seguidores es su peor disco hasta la fecha, Never Let Me Down, un disco impersonal que a pesar de funcionar comercialmente le reportaría las peores críticas hasta la fecha y junto con la tibia acogida de su gira de presentación, Glass Spider, obligarían a Bowie a buscar una nueva vía musical y romper con su etapa más comercial.

En 1989 forma un supergrupo alternativo pre-grunge llamado Tin Machine, con el que según sus propias palabras, intentaba recoger el espíritu de las bandas punteras del indie rock del momento, como Sonic Youth o The Pixies. Con este grupo graba dos discos de estudio con los que no obtiene el éxito de ventas esperado a pesar de contar con buenas canciones.

De los años 1990 a la actualidad

David Bowie en 2006.Tras dos discos de estudio fallidos con Tin Machine, Bowie retoma su carrera en solitario impulsado por las ventas mº1 de su disco de grandes éxitos Changesbowie de 1990. En 1993 Bowie graba Black Tie White Noise con el productor Nile Rodgers, con el que ya había trabajado en Let´s Dance. Este disco supondría un equilibrio para Bowie entre experimentación y comercialidad. El album contenía suficientes ritmos bailables y arreglos musicales de lo más extraños. Black Tie White Noise sería nº1 en varios paises incluido Inglaterra gracias al single Jump, they say, pero en América fracasaría estrepitosamente.

En 1995, Bowie vuelve a colaborar con Brian Eno grabando uno de los disco más experimentales de su carrera, Outside. El album cosecharía muy buenas críticas, un single de éxito en duo con Pet Shop Boys: Halo Spaceboy y un tema en la banda sonora de la película Carretera Perdida de David Lynch: I´m Deranged. Durante el año siguiente Bowie regresó a los escenarios con un look más moderno y alternativo ganandose el respeto de las nuevas generaciones y conectando con las nuevas tendencias musicales.

Fruto de la influencia de la música de ese año, Bowie graba Earthling en 1997, un disco mezcla de drum and bass y jungle al más puro estilo de bandas punteras de entoces como Prodigy. El disco logra muy buenas críticas y dos singles de éxito, Little Wonder en Europa y I´m Afraid Of Americans con Trent Reznor en EEUU (suponiendo el primer éxito en single de Bowie a las listas de EEUU desde finales de los 80. Otra gran gira y macroconcierto celebrando sus 50 años repleto de estrellas del momento acabaron de colocar a Bowie como el artista más influyente del momento.

En 1999, Bowie regresa al mundo del pop, tras más de diez años de discos experimentales, con Hours. Un trabajo maduro y agradable de oir del que se extraería un single de éxito: Thursday Child y una canción que aparecería en numerosas películas (Memento y American Psycho): Something In The Air. En 2000 Bowie aparece en numerosos programas de televisión americanos que repasan su carrera y su influencia musical, edita un disco de sus actuaciones en la cadena BBC y retoma las relaciones con Tony Visconti, el que fue el productor de muchos de sus mejores disco en los 70 y que se encargaría de producir su siguiente trabajo.

Heathen, el disco que Bowie editó en 2002, fue su mayor éxito mundial (incluido EEUU) desde mediados de los 80. Un disco oscuro y atmosférico, con cierto sonido retro, que para sus fans supondría el mejor Bowie en años. Las críticas alabaron este trabajo y allanaron el terreno para una gira de gran éxito el año posterior. En 2003 repetiría formula y éxito con el disco Reality, también producido por Visconti; realizando una de las mejores giras de su carrera que en 2004 tendría un abrupto suceso cuando Bowie sufriera un ataque al corazón que le apartaría de la música y los escenarios hasta la actualidad.

A lo largo de su carrera ha versionado canciones y ha hecho colaboraciones con grupos como The Cure, Iggy Pop,Massive Attack , Aphex Twin , Tina Turner, Pet Shop Boys, David Gilmour, Blur, Placebo, Lou Reed, Queen, Mick Jagger, Billy Corgan, Pink Floyd o recientemente The Arcade Fire, Keane y TV on The Radio. Artistas nacidos bajo su influencia son Gary Numan, Joy Division, Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Pixies, Muse y Suede, y sus discos pueden considerarse, después de los del propio Bowie, el mejor ejemplo de una rica y polifacética carrera musical.

Los géneros en los que incursionó fueron el Folk, Hard Rock, Glam, Soul, R&B, Electrónica, New Wave, Dance, Post-punk, Industrial, Drum & Bass, Pop y Art Rock.

Discografía
Artículo principal: Anexo:Discografía de David Bowie
[editar] Álbumes de estudio
1967 - David Bowie
1969 - Space Oddity
1971 - The Man Who Sold the World
1971 - Hunky Dory
1972 - The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
1973 - Aladdin Sane
1973 - Pinups
1974 - Diamond Dogs
1975 - Young Americans
1976 - Station to Station
1977 - Low
1977 - Heroes
1979 - Lodger
1980 - Scary Monsters And Super Creeps
1983 - Let's Dance
1984 - Tonight
1987 - Never Let Me Down
1989 - Tin Machine
1991 - Tin Machine II
1993 - Black tie, White noise
1993 - The Buddha of Suburbia
1995 - Outside
1997 - Earthling
1999 - Hours...
2002 - Heathen
2003 - Reality
Filmografía
2006 - The Prestige
2001 - Zoolander
2000 - Exhuming Mr. Rice
1998 - Il Mio West
1998 - Everybody Loves Sunshine - a.k.a Busted
1996 - Basquiat
1992 - Twin Peaks:Fire Walk with me
1991 - The Linguini Incident
1988 - La última tentación de Cristo
1986 - Dentro del Laberinto
1986 - Absolute Beginners
1983 - Feliz Navidad Mr. Lawrence (Furyo)
1983 - El ansia (The Hunger)
1981 - Christiane F. Wir Kinder Vom Bahnhof Zoo
1979 - Just A Gigolo
1976 - The Man Who Fell To Earth
1973 - Ziggy Stardust And The Spiders From Mars
Esta es mi canción favorita del genio y ojalá les guste a uds. también.

martes, 16 de junio de 2009

Arctic Monkeys


Arctic Monkeys es una banda inglesa de indie rock[1] proveniente de High Green, un suburbio en las afueras de Sheffield, Inglaterra. Formada en 2002, la banda actualmente está compuesta por el guitarrista principal y vocalista Alex Turner, el guitarrista Jamie Cook, el bateria Matt Helders y Nick O'Malley en el bajo, una posición anteriormente ocupada por Andy Nicholson.

Arctic Monkeys logró popularidad en las listas con su sencillo debut "I Bet You Look Good on the Dancefloor", el cual se colocó en la primera posición en el UK Singles Chart.[2] Su álbum debut, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, lanzado el 23 de enero de 2006, fue el álbum debut más vendido en la historia de la música británica hasta ése momento. El álbum recibió aclamaciones por parte de la crítica, ganando el Mercury Price y el Brit Award en 2007 como "mejor álbum británico".[3] El segundo álbum de la banda, Favourite Worst Nightmare, fue lanzado el 23 de abril de 2007, el cual vendió más de 225,000 copias en su primera semana de lanzamiento, además de ser nominado para el Mercury Prize de 2007.[4] La banda también ganó los premios a mejor banda británica y mejor álbum británico en los Brit Awards de 2008.

Arctic Monkeys son generalmente considerados parte de la escena indie rock,[5] junto a bandas como Franz Ferdinand, Kaiser Chiefs, Bloc Party y The Kooks.[6] [7] Comenzaron a ser conocidos a través de demos hechos por fans y distribución de archivos en línea.[8] Fueron anunciados como uno de los primeros actos de atención pública vía Internet, esto los catalogó como "la banda que pudo haber cambiado el mercado de la música".

En 2001, los vecinos Alex Turner y Jamie Cook pidieron algún instrumento musical como regalo de Navidad, razón por la cual ambos recibieron guitarras.[10] Después de haber aprendido a tocar por su cuenta, la pareja formó una banda con los amigos de la escuela de Turner (Stocksbridge High School), Andy Nicholson y Matt Helders.[11] Nicholson ya sabía tocar el bajo, así que Helders terminó en la batería.[10]
Eso era lo único que faltaba. Cuando empezamos la banda ninguno de nosotros sabía tocar. Simplemente lo pusimos todo. Todos ellos tenían guitarras, así que tiempo después compré una batería.
Matt Helders[10]

En un artículo de la revista Blender de mayo de 2006 se mencionó que Turner no era el vocalista original - "Cuando su primer vocalista, Glyn Jones, dejó la banda después de unos meses, Turner tomó el micrófono."[12] Este hecho fue nuevamente reportado más detalladamente en el tabloide británico The Sun, en el cual Jones cuenta que una tarde, después de unos exámenes, estaban aburridos con Alex, así que empezaron a escribir una canción sobre un geek de la clase. Glyn era el cantante principal sólo porque "Alex era muy humilde y no era consciente de su gran voz... pero estaba contento tocando su guitarra."

Glyn comentó que no tenía la dedicación de dar un paso más allá - "para mí éramos sólo una pandilla de niños causando problemas debido al aburrimiento."[13] Aunque algunos rumores cuentan que el grupo se puso el nombre de la banda del tío de Helders (o la de su padre), éste lo negó, afirmando que "lo inventamos todo porque mucha gente nos preguntaba [acerca del nombre], así que simplemente empezamos a inventar historias",[14] y que luego no tuvo el valor para reconocer de que estaba mintiendo.[10]

Sus primeros ensayos los hicieron en los Estudios Yellow Arch en Neepsend,[15] mientras que su primer concierto fue el 12 de junio de 2003 en The Grapes en Sheffield.[16] Después de unas cuantas presentaciones, empezaron a grabar demos y a grabarlos en CD para regalarlos en los conciertos. Con un número limitado de CD disponibles, los fans comenzaron a ripear la música en sus ordenadores y a compartirla entre ellos. Al grupo no le importó, diciendo que "nunca hicimos esas demos para hacer dinero ni nada. Estábamos regalándolas de todos modos, era la mejor manera de que la gente las escuchara. Eso hizo que los conciertos fuesen mejores, debido a que la gente sabía las letras y cantaba con nosotros."[14] No quisieron responsabilizarse de la difusión de su música, admitiendo que ni siquiera sabían cómo poner sus canciones en Internet.[14] Cuando un periodista de Prefix Magazine les habló sobre la popularidad de la banda en MySpace, los miembros de la banda admitieron que ni siquiera sabían qué era MySpace, y que su página oficial había sido creada por sus fans.
Cuando éramos número 1 en los charts en Inglaterra estábamos en las noticias y en la radio. Hablaban sobre cómo Myspace nos había ayudado. Ése es el ejemplo perfecto de alguien que no sabe de qué diablos le están hablando. No teníamos idea de qué se trataba.
Arctic Monkeys[14]

Comenzaron a ganar popularidad en el norte de Inglaterra,[17] recibiendo la atención de la radio BBC y de los periódicos de Gran Bretaña. Mark "The Sheriff" Bull, un fotógrafo local, grabó los conciertos de la banda e hizo el video musical de "Fake Tales of San Francisco", lanzándolo en su página web,[14] junto con Beneath the Boardwalk - una colección de canciones que recibió su título del club en el que la banda solía tocar a menudo, The Boardwalk. En mayo de 2005, la banda lanzó su primer EP, Five Minutes with Arctic Monkeys, el cual contenía las canciones "Fake Tales of San Francisco" y "From the Ritz to the Rubble". Dicho lanzamiento fue limitado a 500 CD y a 1000 LP, estuvo también disponible para su descarga en iTunes Music Store. Poco después, la banda tocó en la Carling Stage de los Festivales de Reading y Leeds, un festival reservado para bandas poco conocidas o sin disquera. Su aparición estuvo repleta de periodistas y fue recibida por una multitud, mayor a la de otro concierto anterior, además de haber sido aclamada por la crítica.[18] En el concierto el público continuamente estuvo cantando junto a la banda.

La banda se resistió a firmar con una discográfica, afirmando que se negaban a cambiar sus canciones según lo que le conviniese a la industria.
Antes de que empezara la historia, las discografías dirían, "me agradas, pero no estoy seguro de esta pequeña parte, y de que la canción pueda lidiar con las posiciones en las listas... ." Nunca los escuchamos.
Alex Turner[16]

El éxito de su estrategia fue ilustrado por series de conciertos con entradas agotadas en el Reino Unido. En octubre de 2005 agotaron las entradas en un concierto en el teatro London Astoria, y Turner vio este hecho como una confirmación de que estaban justificados para ignorar a las compañías discográficas: "una vez que todo empezó, ya nada más importó. En Londres, los niños estaban viendo a la banda, y las compañías discográficas eran testigo de ésto."[16]

Aún así, la banda firmó con Domino Records en junio de 2005. La banda estuvo a punto de firmar con otra disquera no revelada, pero finalmente fueron atraídos por la "ética" del dueño de Domino Laurence Bell, quien dirigía la discografía desde su apartamento y sólo contrataba a bandas que le gustaran personalmente.[19] El tabloide inglés Daily Star informó de que esto sucedió en octubre de 2005, después de sendas ofertas de £1,000,000 para un contrato con EMI y de £725,000 para un contrato con Epic Records en Estados Unidos.[20] La banda negó éstos rumores en su página web.

Su primer sencillo después de haber firmado con Domino Records, "I Bet You Look Good on the Dancefloor", fue lanzado el 17 de octubre de 2005 y fue directo a la primera posición en el UK Singles Chart, superando a Sugababes, McFly y Robbie Williams en el proceso. Cuatro meses y tres días después hicieron su primera aparición en el semanario New Musical Express. Su segundo sencillo, "When the Sun Goes Down" (anteriormente titulado "Scummy") fue lanzado el 16 de enero de 2006 y también fue directo a la primera posición en el UK Singles Chart, vendiendo 38.922 copias. El éxito de la banda alcanzando la posición número uno sin promoción ni marketing llevó a algunos a pensar que podría significar un cambio en cómo las nuevas bandas podrían alcanzar el reconocimiento en el futuro.[21]

Terminaron de grabar su álbum debut en los Chapel Studios en Lincolnshire en septiembre de 2005. Su nombre fue confirmado en diciembre como Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, un título tomado de la película de 1960 Saturday Night and Sunday Morning, con el lanzamiento planeado para el 30 de enero de 2006. Aunque la mayoría de los temas ya estaban disponibles en sus demos, se esperaba que fuera uno de los lanzamientos más grandes de 2006 con miles de copias pre-ordenadas. El 5 de enero de 2006, Domino anunció que el lanzamiento del álbum se iba a adelantar una semana al 23 de enero del mismo año, excusándose en "la alta demanda." Mientras lo mismo ocurría con el lanzamiento de Franz Ferdinand, hubo mucha especulación de que el movimiento se debió a que ya estaban disponibles en la red.[17]

Whatever People Say I Am, That's What I'm Not se convirtió en el álbum debut con las ventas más rápidas en la historia de la música británica, vendiendo 363.735 copias en su primera semana,[22] superando al anterior poseedor del récord de 306,631 copias vendidas de Hear’Say llamado Popstars, y vendió más copias en su primer día solo - 118,501 - que el resto del Top 20 combinado.[23]

El álbum fue lanzado un mes después en Estados Unidos, vendiendo 34.000 unidades en su primera semana, convirtiéndolo el segundo álbum de estilo indie debut con más rápidas ventas y posicionándose en el número veinticuatro en la lista Billboard.[24] Aún así, las ventas en un año en Estados Unidos no igualaron las de la primera semana en Reino Unido. Los críticos estadounidenses se mostraron más reservados que sus contrapartes británicos, tildándolos de "otro ejemplo de una banda nueva británica aclamada en demasía por la prensa."[25] Aún así, la gira de junio de 2006 en Norte América recibió buenas críticas en cada aparición[26] [27] [28] - "el sobreexceso de atención rodeándolos prueba que existen por una buena razón."[29] Mientras tanto, la revista británica NME nombró al álbum el "5to mejor álbum británico de todos los tiempos".[30] La banda igualó el récord de The Strokes y Oasis en los NME Awards de 2006, ganando tres premios: Mejor Banda Británica, Mejor Banda Nueva, y Mejor Canción para "I Bet You Look Good on the Dancefloor".

La banda no tardó en grabar nuevo material y el 24 de abril de 2006 lanzó un EP de 5 canciones titulado Who the Fuck Are Arctic Monkeys?. Fue visto por la crítica como una reacción al exceso de atención que los rodeaba. Por su duración, el EP no pudo posicionarse en las listas como sencillo o álbum. Además, su lenguaje inapropiado tuvo como consecuencia una menor cobertura radiofónica, aunque esto no preocupó a la banda - "desde que hicieron su nombre en Internet, consiguieron un sencillo y un álbum en primera posición, no les importa si no los ponen en la radio."[31]

Sin embargo, después del lanzamiento del EP en Reino Unido, la banda anunció que el bajista Andy Nicholson no formaría parte de la siguiente gira por Norte América debido a una "fatiga a causa de una gira intensa."[32] Cuando volvieron a Reino Unido, Nicholson confirmó que empezaba un nuevo proyecto en solitario, y que por ello dejaría Arctic Monkeys. Además del proyecto, dejó la banda porque no podía lidiar con la fama y el éxito que habían cosechado los últimos seis meses. Alex Turner, Jamie Cook y Matt Helders se mostraron tristes ante la situación, razón por la cual decidieron poner un comentario en su página oficial: "Lamentamos informar que Andy no forma más parte de la banda", también confirmaron que Nick O'Malley - ex bajista de la banda de rock The Dodgems, quien entró como bajista temporal para la gira norteamericana, continuaría por el resto del verano.[33] Poco después, Nick O'Malley fue confirmado como miembro de tiempo completo.

El primer lanzamiento de Arctic Monkeys sin Nicholson, el sencillo "Leave Before the Lights Come On", vio la luz el 14 de agosto de 2006. Turner comentó que la canción podría estar en el álbum, y que ésta fue una de las últimas que escribió antes de alcanzar la fama.[34] La canción se colocó en la cuarta posición en Reino Unido, convirtiéndose en la primera sin conseguir el primer lugar en las listas - haciendo que Turner se refiera a la canción como "la oveja negra de la familia" en el concierto que la banda ofreció en el festival de Leeds en 2006. La banda se volvió a reunir con Nicholson en el Festival de Reading y allí fue reemplazado de manera formal por O'Malley;[35] aún así, dos semanas después, sólo los tres restantes miembros originales estuvieron presentes en la ceremonia de premiación del Mercury Prize de 2006. Allí Whatever People Say I Am, That's What I'm Not fue premiado como mejor álbum del año.

El segundo álbum de la banda, Favourite Worst Nightmare, fue lanzado el 23 de abril de 2007, una semana después del lanzamiento del sencillo "Brianstorm". Alex Turner describió las canciones como "muy diferentes a las de la última vez", añadiendo que el sonido de algunas eran "un poco llenas, un poco de "From the Ritz to the Rubble", "The View from the Afternoon", ese tipo de cosas."[36] En un concierto secreto en Sheffield el 10 de febrero de 2007 se habían presentado 7 canciones nuevas (6 de Favourite Worst Nightmare).[37] Las primeras reseñas del álbum fueron positivas, y lo describían como "muy, muy rápido y muy, muy ruidoso."[38]

Mientras tanto, la banda siguió cosechando premios alrededor del mundo, ganando el "Mejor Artista Nuevo" en el PLUG Independent Music Awards en Estados Unidos y "álbum del año" en Japón, Irlanda y Estados Unidos. Además de los premios al "Mejor Álbum" y "Mejor DVD musical" en los NME Awards de 2007,[39] la banda tuvo el orgullo de ganar los premios a "Mejor banda británica" y "Mejor álbum británico" en los Brit Awards de 2008. Por segundo año consecutivo, la banda fue nominada para el anual Mercury Prize, aunque no pudieron igualar lo de 2006, ya que el premio a "Mejor Álbum" se lo llevó Klaxons con Myths of the Near Future.

El 29 de abril de 2007, el día en que Favourite Worst Nightmare se colocó en primera posición en el UK Albums Chart, las 12 canciones del álbum se encontraban en el Top 200 del UK Singles Chart, ranqueando desde "Brianstorm" hasta "If You Were There, Beware" en la posición ciento ochenta y nueve. El 27 de abril del mismo año tenían un total de 18 canciones en el Top 200. "Fluorescent Adolescent" y "505" se colocaron en el Top 75, en el número 60 y 64 respectivamente.

"Teddy Picker" fue el tercer sencillo del álbum, y fue lanzado el 3 de diciembre de 2007. Antes del lanzamiento, la banda sacó al mercado un número extremadamente limitado de 250 vinilos bajo el pseudónimo The Death Ramps conteniendo dos de los b-sides del sencillo de "Teddy Picker".

La banda empezó a escribir y grabar demos para el tercer álbum en enero de 2008, Turner comentó: "En las giras tocábamos siempre seis canciones nuevas, así que las grabamos. Vamos a tomarlo a la ligera, empezar a practicar en verano y hacer material nuevo".[40]

El guitarrista Jamie Cook anunció el 2 de julio de 2008 que estaban planeando empezar a escribir el tercer álbum en el transcurso del mes en la casa de Alex Turner en Sheffield. Cook dijo que estaba "emocionado" por comenzar, pero comentó que no sabía qué dirección tomaría la música.[41]

Habiendo sido previamente apoyados por Queens of the Stone Age en un concierto en Texas, la banda está grabando material para su próximo álbum con su lider Josh Homme como productor. Las sesiones serán grabadas en el estudio Rancho de la Luna en Joshua Tree, California, donde Homme graba con su proyecto paralelo The Desert Sessions.[42]

El 3 de noviembre vio la luz el DVD Arctic Monkeys at The Apollo. El mismo es un film de 76 minutos, del último concierto del tour mundial del 2007, en el Manchester Apollo. Éste cuenta con grandes tomas maestras en 35mm, como si se tratara de una película. La pieza estuvo a cargo de Richard Ayoade (director de Warped Films). La película fue estrenada en cines el 14 de noviembre

El 7 de noviembre de 2008, Matt Helders dijo en una entrevista que la grabación del álbum estaría completa para Diciembre, y que la banda estará de regreso en Inglaterra para terminar de mezclarlo.[43]

Estrenaron nuevo material en Wellington (Nueva Zelanda), en su primer concierto desde hacía más de un año, el 13 de enero de 2009. Las nuevas canciones que tocaron fueron "Crying Lightning", "Would You Like Me To Build You A Go-Kart?", "Dangerous Animals" y "Pretty Visitors". Ademas tocaron una versión de la canción "Red Right Hand" de Nick Cave. Durante su última gira, la banda tocaron también "Put Me In A Terror Pocket," "Sandtrap," y "The Fire and The Thud".

La salida del tercer álbum Humbug ha sido anunciada para el 24 de agosto del año en curso 2009 Producido por Josh Homme en el desierto Maojave y en Los Angeles y también con James Ford en Brooklyn. El nuevo álbum contiene diez nuevas canciones de Arctic Monkeys:

1. My Propeller
2. Crying Lightning
3. Dangerous Animals
4. Secret Door
5. Potion Approaching
6. Fire and the Thud
7. Cornerstone
8. Dance Little Lier
9. Pretty Visitors
10. The Jeweller's Hand

El nuevo álbum estará disponible en CD y en vinilo.

La banda ha sido criticada principalmente por la atención que ha recibido de parte de los medios.[44] Los críticos los han descrito como "uno de los tantos en una larga lista con exceso de atención de NME". El lanzamiento del EP Who the Fuck Are Arctic Monkeys a sólo 3 meses de su álbum debut, ha sido criticado por algunos, quienes han visto esto como una muestra de "avaricia", siendo acusados de querer "sacar partido de su éxito".[45] La banda contradijo ésas críticas argumentando que lanzan nueva música regularmente, no para hacer dinero, sino para evitar el "aburrimiento de estar tres años de gira con un solo álbum."[46]

La portada de Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, mostrando a Chris McClure, un amigo de la banda, fumando un cigarro, fue criticada por el líder del NHS en Escocia por "reforzar la idea de que fumar está bien."[47] La imagen del CD es una foto llena de cigarros apagados. El representante de la banda comentó lo opuesto: "Puedes ver en la imagen que el fumar no le está haciendo para nada bien."[47]

Arctic Monkeys fue parte de una caótica y muy criticada ceremonia en los Brit Awards de 2008, mientras aceptaban su premio de "Mejor grupo británico", hicieron bromas de haber ido a la BRIT School en Croyon.[48] La banda creció en Sheffield y en realidad no asistían a dicho colegio, simplemente estaban ridiculizando a los anteriores ganadores de la noche Adele y Kate Nash, quienes habían agradecido al público y a la escuela en su discurso de aceptación. El discurso fue editado por ITV.

Octubre de 2005 fue testigo de su primera aparición en TV inglesa. Tocaron en Popworld el 15, y en E4 Music y Later with Jools Holland el 28. Desde estas apariciones, la banda sorprendió al negarse a concurrir a cualquier otro programa de TV.[50] Continuamente rechazaron ofertas para tocar en el show de BBC Top of the Pops, así como en el programa de ITV CD:UK.

La negativa de la banda para asistir a los Brit Awards de 2006 fue vista originalmente como otro rechazo a la televisión, aunque luego aclararon que la ausencia se debió a compromisos previos en el NME Awards Tour. En un discurso grabado de aceptación para el rubro "Best British Breakthrough Act", el que dio las gracias fue un "misterioso quinto miembro".[51] éste era el líder de We Are Scientists, Keith Murray, un amigo de la banda, fue reclutado por la banda para "confundir a la audiencia". A pesar de su hostilidad por aparecer en la televisión de Reino Unido, la banda lo hizo en la TV americana, cuando se presentó en Saturday Night Live el 11 de marzo de 2006 para iniciar con su gira por Estados Unidos, cuyas entradas, en ese entonces, ya estaban agostadas. La banda tocó dos temas: "I Bet You Look Good on the Dancefloor" y "A Certain Romance", y curiosamente el bombo tenía escrito la palabra "ASBO".

En febrero de 2007 la banda no concurrió a la ceremonia de Brit Awards de 2007, debido a que ese mismo día se encontraban grabando el video de su nuevo sencillo "Brianstorm". Aún así fue reportado por los medios como un segundo "rechazo" a la ceremonia. Helders le dijo a BBC 6 Music:
Vamos a filmar el video ese día, así que no estaremos en ningún lugar cerca de ahí. No lo hemos cancelado, sólo somos chicos ocupados alistándose para salir de gira otra vez.
Matt Helders[52]

Igualmente se alzaron con dos galardones: "Mejor Banda Británica" y "Mejor Disco Británico". La banda mandó un video de discurso de aceptación, vestidos como personajes de El Mago de Oz y de Village People.[53] La banda también apareció en varios shows nocturnos como Late Night with Conan O'Brien, Late Show with David Letterman, Jimmy Kimmel Live! y Later with Jools Holland.

En febrero de 2008 asistieron a la ceremonia de los Brit Awards de 2008, donde ganaron los premios "Mejor Disco Británico" para Favourite Worst Nightmare y "Mejor Banda Británica". También fueron nominados para "Mejor Performance Británica en Vivo" pero perdieron contra Take That.

Estilo musical

Las principales influencias musicales de Arctic Monkeys son The Beatles, Oasis, The Stone Roses, The Jam, The Libertines, The Smiths, Paul Weller, Ian Brown David Bowie y The Strokes.

Las letras de las canciones de Arctic Monkeys frecuentemente hablan de la realidad social, como por ejemplo "A Certain Romance", la cual describe a la cultura indie; observaciones sobre la vida de la clase obrera, como en el tema "When the Sun Goes Down", descrita como una "canción ingeniosa e intensa acerca de la prostitución en el distrito de Neepsend de Sheffield."[6] Basados en su estilo musical, Arctic Monkeys han sido comparados con músicos como el rapero Mike Skinner, Morrissey y Jarvis Cocker,[6] conocidos por sus combinaciones de letras observacionales y humor. La inspiración principal de Arctic Monkeys viene de Francisco Canton, un viejo amigo que está con ellos desde el comienzo y a su vez es quien ayuda a escribir las canciones.[7]

El vocalista principal, Alex Turner, canta con un fuerte acento Yorkshiro. Éste se caracteriza por la contracción de "something" (algo) a "summat", también el uso de "dun't" y no "don't (no), el uso de "were" en lugar de "was" (fue), el reemplazamiento de "anything" (todo) y "nothing" (nada) por "owt" y "nowt", y el uso de argot inglés como "mardy" para "malhumorado, difícil, imprevisible."[54] Sus canciones también incluyen referencias a la cultura popular oscura y común; Whatever People Say I Am, That's What I'm Not hace referencias a Romeo y Julieta, "Roxanne" de The Police, y Frank Spencer.

En los conciertos, la banda es más bien conocida por el apoyo y participación del público que por el uso excesivo de efectos de luz y fuegos artificiales. Los fans frecuentemente se unen al comienzo de "When the Sun Goes Down", cantando la introducción completa.[55] Sus conciertos en vivo han sido criticados por algunos críticos. Por ejemplo, NME comparó su concierto en el Reading Festival en 2006 desafortunadamente con el de Muse, quien tocó después de ellos, usando múltiples fuegos artificiales y efectos de luz, argumentando que "en contraste con el concierto destellante, humeante, y lleno de fuegos artificiales de Muse, Arctic Monkeys simplemente entró sin siquiera tener la cortesía de bajar el telón".[55]

Arctic Monkeys fue la banda principal en el Festival de Glastonbury el 22 de junio de 2007, durante su aparición en vivo, la banda tocó con Dizzee Rascal y versionaron la canción de Shirley Bassey "Diamonds Are Forever".[56] La banda también tocó en un largo concierto en el Castillo de Malahide en Dublín el 15 de junio de 2007, con una segunda fecha añadida al día siguiente como respuesta a la alta demanda.[57] La banda también hizo una aparición en el Austin City Limits Music Festival en septiembre de 2007. También tocaron 2 días seguidos en la Cardiff International Arena el 19 y 20 de junio de 2007 apoyados por sus amigos locales, Reverend and the Makers. La banda también tocó 2 veces en el Alexandra Palace el 8 y 9 de diciembre de 2007. Fueron apoyados por The Rascals y The Horrors, también hubo una aparición sorpresa de Dizzee Rascal.

En política

La popularidad de Arctic Monkeys en Reino Unido, especialmente entre la gente joven, ha llevado a políticos y periodistas a mencionarlos en sus discursos y textos. En mayo de 2006, el entonces Ministro de Hacienda británico Gordon Brown mencionó en una entrevista, con la revista New Woman, que los escuchaba todos los días - "realmente te despiertan en la mañana",[58] aunque en otra entrevista fue incapaz de nombrar alguna de sus canciones.[59] En posteriores entrevistas Brown aclaró que él no había dicho que le gustaba la banda - "yo simplemente dije que te despiertan en la mañana".[60] En un discurso en la Labour Party Conference de 2006 sobre el riesgo del calentamiento global, bromeando dijo que estaba "más interesado en el futuro del círculo polar ártico (Arctic Circle) que de los Arctic Monkeys."[61] El líder del Partido Liberal Demócrata de Reino Unido Menzies Campbell también mencionó a la banda en la Conferencia Liberal Demócrata de 2006, diciendo que habían vendido más discos que The Beatles,un comentario que causó mucha burla por parte de los medios.

Discografía

* Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (2006)
* Favourite Worst Nightmare (2007)

Black Sabbath


Black Sabbath es un grupo británico de heavy metal formado en 1967 en Birmingham (Inglaterra). Fue compuesto inicialmente por Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward.

El amplio legado que dejó Black Sabbath hacia la ruptura a finales de la década del 70, no ha pasado desapercibido. Tanto así que bandas de la talla de Motörhead, Judas Priest, Iron Maiden, Pantera, Megadeth, Slipknot, Slayer y Metallica, principalmente, comentan haber tomado ese heavy oscuro, opresivo, duro y que a todas luces, ya desligaba de sus contemporáneos. Sus composiciones que entornaban atmósferas siniestras y demoníacas, anuncios apocalípticos, hicieron que Black Sabbath quedara relevado a un segundo plano ante la masiva popularidad de sus contemporáneos Led Zeppelin o Deep Purple. Pero el legado del Metal Sabbath ejercieron un poderoso magisterio sobre la mayoría de artistas y grupos en las subsiguientes décadas (Iron Maiden y Judas Priest en mayor grado), al tiempo que aportaba características que se convertirían en definitorias del heavy metal. Evidencia de ello son los covers de estas últimas.

En la actualidad, Ozzy Osbourne adquirió los derechos de Black Sabbath.

Black Sabbath se formó en Aston, Birmingham, Inglaterra en 1968 bajo el nombre de Polka Tulk Blues Band, luego "Earth Blues company", y más tarde Earth.[2] [3]

Earth manejó en un ambiente oscuro con su bajista Geezer Butler, un admirador de las novelas de magia negra de Dennis Wheatley. Geezer Butler escribió la canción Black Sabbath después de conseguir un libro oculto en latín y Butler tuvo una visión de una figura negra sentada en la esquina de su cama y le dijo a Ozzy de su visión. (from VH1 Black Sabbath Documentary)". Cerca de 1969, se encontró confundida con otra banda local llamada Earth. Después de ser llamada para hacer un concierto, encontraron al manager de la errónea Earth. Tony Iommi dijo que "nosotros morimos ahí" en su entrevista con The Last Supper. Como resultado, adoptaron el nombre de la canción para su banda.[4]

El grupo encontró su asignatura en un accidente. Cuando el grupo estaba grabando en un estudio, situado detrás de un cine de películas de terror, Osbourne llamó a Tony Iommi (vídeo referente: Don't Blame Me) le dijo al resto de la banda que era raro que la gente pagara para ver algo que les asustaría. Así, la banda comenzó a escribir canciones oscuras, canciones que servirían de respuesta para las películas de terror, y en rebelión hacia el pop alegre de los sesentas. En un documental de VH1 acerca de la banda, Osbourne renombró las letras de canciones en una radio amiga de pop del momento, "si tú siempre vas a San Francisco, siempre vas a tener una flor sobre tu cabello..." (ver: Scott McKenzie) - "deja eso" dijo él, "Deja eso y poseamos a la gente."

A par con su nuevo sonido heavy y el estado anticuado de Osbourne, la banda encontró el momento para grabar su primer álbum, Black Sabbath, publicado en 1969. Ellos lo grabaron con Warner Bros. Records para Estados Unidos y Canadá, y con Vertigo Records para el resto del mundo. Ellos grabaron el álbum Paranoid, en 1970, pero siempre prestaron atención en américa y en Gran Bretaña. La canción "War Pigs" fue escrita en protesta por la Guerra de Vietnam y originalmente estaba planeado ponerle ese nombre al álbum. La banda grabó "Paranoid" a último momento sólo como agregado del disco. La canción terminó poniéndole nombre al disco y fue el primer single que salió al aire en las radios.[5]

Otra innovación fue el producto de un accidente. Tony Iommi se lastimó dos dedos en su mano cuando trabajaba en una fábrica de metales. Inicialmente, se puso prótesis de plástico de una botella de detergente. Los dedos lesionados eran inestables y no podía tocar, por lo que Iommi modificó su guitarra Gibson a un standard E a C# (iniciando en su tercer álbum, Master of Reality). La tensión reducida de las cuerdas lo ayudó a tocar con la parte lesionada de sus dedos. Butler modificó su bajo afinado para parecerlo a la guitarra de Iommi. Las modificaciones le dieron un sonido más oscuro a la música de la banda.

Black Sabbath editó otro álbum en 1971, Master of Reality. Ese fue el primer disco en mostrar más material acústico. Esa fue otra "mirada" hacia el estilo de Black Sabbath, heavy y dark. Agregaron más variaciones en el momento de lanzar Black Sabbath, Vol. 4 en 1972. Protagonizando la balada "Changes" (conteniendo solo vocal, bajo, piano y mellotron) y temas de hard rock como "Supernaut" y "Snowblind" (incluyendo cuerdas), Black Sabbath, Vol. 4 fue el disco más maduro de la banda.

Para 1973, el grupo tenía suficiente popularidad, y la banda más atractiva en los escenarios. Su nuevo álbum, Sabbath Bloody Sabbath, tuvo a la banda trabajando con el teclista de Yes, Rick Wakeman en las sesiones. Asociado con el nombre, el álbum contiene una canción de rock espacial titulado "Spiral Architect", y la canción de rock progresivo titulada "A National Acrobat".

Hacia 1974 los integrantes de la banda eran constantes consumidores de drogas, en especial Osbourne y Ward que tomaron LSD "todos los días durante dos años". El cambio de casa discográfica significó un cambio abrupto en los componentes de Black Sabbath y en el siguiente álbum que la banda grabó con Warner Bros. Sabotage fue grabado en 1975, disco que consagro a la banda con singles como "Hole In The Sky", "I'm Going Insane", "Megalomanía", estando ya hacia finales de 1976 en el topes de las listas de UK/E.E.U.U. con el Single "Symptom of the Universe". Este disco, producido por Mike Butcher, además de ser un precedente para la generación Thrash de la década del 80 (alusión hecha por James Hetfield), logra consiliar una perfecta interacción entre sus componentes, ya que por el corte medieval de "Megalomanía", "The Writ", "The Thrill Of It All" y la épica "Supertzar", anticipaban por completo el trabajo hecho por Blackmore/Dio en Rising de Rainbow. Sabotage destaca además por la fuerte presencia de Tony Iommi en la composición y también en la producción, agregando arreglos de EnglishChoirs, proporcionados por un Mellotrón (tocado por Gerald Woodruffe), Arpas y otros efectos y detalles técnicos que sin lugar a dudas, le otorgaron a Sabotage una atmósfera inigualable y constituyen otro más de sus adelantos compositivos a la época. Paralelamente a ello, comienzan a vislumbrarse conflictos al interior de la banda, principalmente por la fuerte adicción a las drogas de Ozzy Osbourne como también la excentricidad de éste hacia sus compañeros.

Technical Ecstasy (1976) fue el siguiente trabajo, el cual coincide con que el grupo había caído en una cierta autocomplacencia. El álbum fue grabado con orquestas sinfónicas, tranquilas canciones interpretadas por el batería Bill Ward en "It's Alright" siguiendo un pedido de Osbourne durante las sesiones de grabación. Este disco le brindo a la banda innumerables y despiadadas críticas en la época, pero igualmente los singles "Dirty Women", "Rock 'n' Roll Doctor" tuvieron cierto éxito en las listas americanas. Después del tour de 1977, Osbourne se desliga de la banda temporalmente, por lo cual hay varias canciones interpretatdas por el cantante Dave Walker, formado en Savoy Brown. Este disco editado y publicado en 1976 constituye uno de los más inventivos y originales álbumes de estudio de Black Sabbath, refutando la impresión de la poca creatividad en estos años. Walker formó parte de las sesiones de grabación de la banda cantando canciones largas con letras severas. Esta versión de los Sabbath se dio a conocer en la canción "Junior's Eyes" en el programa de la BBC: 'Look Here!' (mira aquí!), en enero de 1978.

Osbourne reaparece en la banda y comienza a trabajar en el próximo álbum. Never Say Die aparece en septiembre de 1978, en el cual desprende la parte más experimental de la conformación original, el álbum contenía muchos elementos de jazz, synth-pop y blues, pero comparado con el anterior disco, era de notoria menor calidad. El abandono de Ozzy Osbourne se hace efectivo tras la edición de Never Say Die, y tras la actuación en el décimo aniversario de Black Sabbath, registrado en película con el nombre de 10 Years Of.... Black Sabbath Anniversary, editado actualmente en DVD como Black Sabbath Never Say Die!.

Osbourne fue expulsado de la banda oficialmente en 1979, comentando en una entrevista en la que dio a conocer (encontrado en el tema bonus The Ozzman Cometh) que abandonó la banda por problemas de adicción. El hecho de la expulsión de cierta forma le vino a benificiar a Ozzy ya que alentado por su esposa Sharon (Hija del entonces manager de Black Sabbath Don Arden) le convence de seguir adelante como solista; su nueva banda se llamaría Blizzard of Ozz. Para ello convocaría al guitarra llamado Randy Rhoads ex-Quiet Riot.

El cantante de Rainbow, Ronnie James Dio participaría en el siguiente álbum de Black Sabbath, Heaven and Hell, fue el suceso que revitalizó la banda desde el álbum de 1975 Sabotage. Y fue en este tour que Dio popularizó el gesto mano cornuta, que se convirtió en un gesto que define al heavy metal en general. El álbum también tiene la inclusión del guitarrista y teclista de Quartz, Geoff Nicholls en sesiones musicales (Nicholls nunca fue un miembro oficial del grupo, y generalmente toca en shows en vivo como invitado, pero co-escribió muchas canciones y estuvo en la reencarnación en 2001). También durante el tour, el baterista Bill Ward se fue de la banda por problemas personales (Sus dos padres murieron dentro de un corto plazo, y Ward cayo en el alcoholismo y otras adicciones).

El baterista Vinny Appice fue elegido para terminar el tour y grabar el siguiente disco, Mob Rules, la canción a la que se debe su título apareció en la película Heavy Metal. Después, la canción aparecida en la película y en su soundtrack es una versión alternativa que apareció en Mob Rules.

Por el receso en 1980 con el álbum en vivo Live at Last (Grabado en la era de Osbourne durante 1973 en el tour Sabbath, Bloody Sabbath) pronto la banda grabó un álbum en vivo durante el tour Mob Rules, titulado Live Evil. Durante el mezclado de Live Evil, Iommi y Butler por un lado, y Dio y Appice por el otro, se acusaron mutuamente de querer llevarse el protagonismo en la banda, razón por la cual Dio renuncia a Black Sabbath llevandose a Vinnie Appice a su futura banda solista, DIO (Revista Epopeya #8, noviembre de 1997)

Black Sabbath vuelve a la escena en 1983, con el disco Born Again e Ian Gillan en las vocales. No sólo esta alineación resultó sorpresiva para muchos, también el hecho de que durante la gira se incluyera la canción Smoke on the Water. Gillan se separó amistosamente de la banda debido a la reunión de Deep Purple en 1984.

Después de la salida de Ian Gillan, Black Sabbath pasó por un periodo de dificultades y múltiples ajustes en la alineación. Particularmente, entre los vocalistas considerados pueden mencionarse David Donato y Jeff Fenholt. Este último grabó un demo para el disco Seventh Star, que no es oficialmente un disco de Black Sabbath, sino un disco solista de Tony Iommi que, debido a presiones de la disquera, fue titulado "Black Sabbath featuring Tony Iommi". El cantante oficial fue otro ex integrante de Deep Purple: Glenn Hughes. En los créditos del disco puede observarse que Iommi fue el único miembro original de Sabbath. Poco después de haber iniciado la gira, Hughes fue despedido debido a sus problemas con las drogas y Ray Gillen la concluyó.

Ray Gillen grabó el demo del que sería el próximo disco de Black Sabbath, que no vio la luz con su voz debido a diferentes discusiones con Tony Iommi, que derivaron en su salida del grupo junto con Eric Singer para formar Badlands. Fue en 1987 que Iommi consiguió reformar a Black Sabbath, con Tony Martin en las vocales. Graban por fin The Eternal Idol (1987). Posteriormente se incorpora Cozy Powell, quien participaría en Headless Cross (1989) y Tyr (1990). Después de este disco, Sabbath sufre nuevos ajustes debido a la reunión con Ronnie James Dio en 1992.

En 1992 se reúne la alineación de Heaven and Hell, Mob Rules y Live Evil: Iommi, Butler, Dio y Appice. Graban el disco Dehumanizer y realizan una gira. Sin embargo, nuevamente las diferencias son motivo de separación.

Sabbath convoca de nueva cuenta a Tony Martin, con quien graban Cross Purposes en 1994, con Bobby Rondinelli en la batería. De la gira de este disco surge Cross Purposes Live. Cabe señalar que originalmente se trataba de un proyecto de Iommi y Butler, pero de nueva cuenta las presiones de la discográfica obligaron a presentarlo como un disco de Black Sabbath. En 1995 aparece Forbidden, último disco en estudio de Black Sabbath.

En el verano del 1997, en la fiesta de rock de Ozzy Osbourne, Ozzfest, la banda se reunió oficialmente; Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward volvieron a tocar juntos como Black Sabbath (Si bien ya habían habido algunas reuniones, como la de Geezer Bulter junto a Ozzy, para discos en solitario, como ser el disco Ozzmosis, por ejemplo). Lo que parecía una gira de reunión se convirtió en casi 10 años de giras juntos. La banda no solo grabó discos compilados en esa época, por su vuelta a escena, tal como es el caso de "Sympton of the universe: the original Black Sabbath", sino que, en 1998 grabaron, el famoso disco que se titularía simplemente Reunion, el cual es un disco doble en vivo, tocando sus mayores éxitos; pero que, aparte tendría 2 novedades: "Psycho Man" y "Selling My Soul", dos canciones que marcarían la vuelta a estudio de la banda. Estas dos canciones (al igual que el disco completo) fueron un éxito, no solo comercial, sino entre los fans. Pero la exitosa reunión no terminaría ahí, casi como si fuera a propósito, aprovechando la reunión, el Salón de la Fama del Rock, en el 2006, junto a otras bandas como Sex Pistols ingresa a Black Sabbath, con su formación original, obligando una nueva unión de los metaleros.

n el 2006 Ozzy y Bill se separarían nuevamente de la banda, tras su exitosa reunión, para trabajar en solitario. Esto marcaría el regreso de Dio a la banda, pero no sería tan sencillo. Tony Iommi, tras la junta de la formación original, y la entrada de la banda al Salón de la Fama del Rock, decidiría no seguir con el nombre de Black Sabbath en su gira con Dio, y mientras Ozzy no participara de la banda, sorteándose así también, unos cuantos posibles problemas legales con el cantante. El nuevo nombre para la nueva banda sería Heaven and Hell, del cual solo Iommi y Geezer serían integrantes originales de Black sabbath, ocupando Dio las vocales y Vinny Appice la batería y percusiones. El nombre de la banda se debe al álbum "Heaven and Hell", el cual fue el primero de Black Sabbath con Ronnie James Dio. La banda hizo una gira y posteriormente saco un disco en vivo titulado Live from Radio City Music Hall que se compondría totalmente de canciones de la época de Black Sabbath junto a Dio.

Discografía
Álbumes de estudio

* Black Sabbath (1970)
* Paranoid (1970)
* Master of Reality (1971)
* Black Sabbath Vol. 4 (1972)
* Sabbath Bloody Sabbath (1973)
* Sabotage (1975)
* Technical Ecstasy (1976)
* Never Say Die! (1978)
* Heaven and Hell (1980)
* Mob Rules (1981)
* Born Again (1983)
* Seventh Star (1986)
* The Eternal Idol (1987)
* Headless Cross (1989)
* Tyr (1990)
* Dehumanizer (1992)
* Cross Purposes (1994)
* Forbidden (1995)

domingo, 14 de junio de 2009

The Killers


The Killers es un grupo musical estadounidense formado en Las Vegas, Nevada. El grupo se formó en 2002 y consta de cuatro miembros: Brandon Flowers (voz y teclado), Dave Keuning (guitarra y voz), Mark Stoermer (bajo y voz) y Ronnie Vannucci Jr. (batería y percusión) con Ray Suen proporcionando ayuda ocasional en eventos en vivo.

Caracterizados por combinar estilos de música de los años 1980 y 1990 con música contemporánea, The Killers lanzó su álbum debut, Hot Fuss, en 2004. Su segundo álbum, Sam's Town, fue lanzado en 2006 seguido al año siguiente por un álbum de recopilaciones, llamado Sawdust, el cual contiene principalmante lados-B y otros temas. Entre sus primeros dos álbumes de estudio vendieron alrededor de 12 millones de copias a nivel mundial. Su tercer disco de estudio titulado Day and Age fue lanzado en 2008 con la producción de Stuart Price.

En 2001, Brandon Flowers fue abandonado por su primer grupo, una banda de synth pop conocida como Blush Response, después de que se negó a mudarse con el resto de los integrantes a Los Ángeles, California. Entonces conoció a David Keuning al responder a una solicitud que Keuning había puesto en el periódico "The Sun". Flowers y Keuning les propusieron a Ronnie Vannucci Jr. y Mark Stoermer que se unieran a "The Killers", nombre que viene de la batería de una banda ficticia en un video de New Order, de su canción Crystal.

En un principio, The Killers se presentaban en grandes clubs de Las Vegas, Nevada. Con la alineación estable de la banda y su repertorio de canciones expandiéndose, la banda comenzó a atraer la atención de productores talentosos, gerentes locales, discográficas, — y un representante británico para la Warner Bros. Aun cuando el representante terminó sin darle importancia a la banda, se quedó con la demo, y se la mostró a un colega que trabajaba para la discográfica Lizard King. The Killers firmaron ese verano con la compañía británica.

Hot Fuss

Lanzaron su álbum debut, Hot Fuss, el 7 de junio de 2004 con la discográfica indie Lizard King situada en Londres (ahora Marrakesh Records), y el 15 de junio en los EE.UU.. Hot Fuss ha sido clasificado con 4x Platino por la BPI y 3x Platino por RIAA. La banda también tuvo éxito en las listas con sus sencillos Mr. Brightside, que alcanzó el Top 10 en el Reino Unido cuando fue lanzado, y All These Things That I've Done que fue usado para un comercial de TV de Nike basado en las olimpiadas. Sin embargo, su mayor hit vino cuando lanzaron la re-edición de Somebody Told Me el cual llegó al #3 de las listas de éxitos.

Sam's Town
The Killers en unos de los conciertos del tour Sam's Town

El segundo álbum de The Killers, Sam's Town, fue lanzado el 2 de octubre de 2006, en el Reino Unido, y el 3 de octubre en EE.UU., con la compañía Island Def Jam Music Group . Brandon Flowers dijo que Sam's Town será "uno de los mejores álbumes de los últimos 20 años" y aunque el álbum ha recibido críticas mixtas de parte de los medios y de los fans, se ha mantenido con un estátus popular. El primer sencillo de Sam's Town, When You Were Young, debutó en las estaciones de radio el 26 de julio, 2006. El sencillo entró entonces a la tabla de descargas en el #5, y la siguiente semana, en su lanzamiento oficial al #2 en la tabla de sencillos del Reino Unido. Su segundo sencillo, Bones, el siguiente video de la banda, fue dirigido por Tim Burton. Para promocionar Sam's Town, la banda regresó como invitado principal para la premiere de la temporada #32 de Saturday Night Live el 30 de septiembre, de 2006, donde tocaron When You Were Young y Bones. El álbum vendió 700,000 copias en todo el mundo en su primera semana, debutando en el #2 en Billboard. Hasta el momento, The Killers han producido 4 sencillos del álbum: When You Were Young lanzado en septiembre, Bones en noviembre, Read My Mind en febrero, y For Reasons Unknown en junio.

The Killers grabó sesiones en vivo en Abbey Road el 29 de noviembre de 2006. El resultado fue un set casi totalmente unplugged, el cual incluía una versión del hit de Dire Straits, Romeo and Juliet. En febrero de 2007, The Killers acudieron a los premios británicos, donde tocaron When You Were Young. La banda ganó dos premios - Grupo Internacional y Álbum Internacional.
Brandon Flowers en un concierto de Las Vegas

Sawdust

Sawdust es un disco de recopilaciones de caras-B, rarezas, versiones y remezclas, que fue lanzado en varios mercados entre el 9 y el 13 de noviembre de 2007. El álbum se anunció por primera vez en una entrevista con Brandon Flowers a finales de agosto de 2007, y la revista de Rolling Stone reveló el nombre del disco de recopilación en la "Sección de fumar" del 6 de septiembre de 2007.

Contiene 18 canciones, entre las cuales se encuentran 2 canciones nuevas, 1 cover de Joy Division, 2 canciones no lanzadas antes, 11 recopilaciones, 1 remix, y una canción escondida.

Day and Age

Day and Age es el cuarto álbum de estudio de la banda. El título fue confirmado en una entrevista con NME en el festival de Reading and Leeds con Brandon Flowers. El primer sencillo del álbum tiene como nombre "Human", y fue lanzado el 30 de septiembre de 2008. El álbum salió a la venta el 25 de noviembre del año, (24 de noviembre en el Reino Unido) de acuerdo con DirectCurrentMusic.com.

Flowers declaró sobre este disco que aún no hay un concepto claro para el cuarto álbum. Flowers también declaró que estaba emocionado por tocar su nueva canción "Tidal Wave", influenciada por Drive-In Saturday de David Bowie y I Drove All Night de Roy Orbison. El trabajo en el álbum ha sido hecho de forma internacional, con las demos mandadas desde Las Vegas a Stuart Price en el Reino Unido, quien después discute con la banda acerca de su trabajo. La canción "Human" también fue tocada en los "MTV Europe Music Awards Liverpool 2008"

Miembros

Los miembros de la banda son:

* Brandon Flowers, vocalista y teclado
* David Keuning, guitarra.
* Mark Stoermer, bajo.
* Ronald Vanucci Jr., batería.

Controversia

Desde que recibieron platino, la banda (y principalmente Brandon Flowers) ha iniciado ciertas rivalidades - más notablemente con The Bravery y Fall Out Boy, los cuales son por cierto compañeros de discográfica (Island Records). Flowers comentó que estas bandas, especialmente The Bravery, están compitiendo con la popularidad de The Killers. Adicionalmente, en un artículo de NME, Flowers declaró que Fall Out Boy estaba malgastando las ganancias de A&R (Siglas de Artist & Repertorie). Esto hizo enojar al bajista de Fall Out Boy, Pete Wentz. Sin embargo, después de que Wentz hizo varias declaraciones en su blog en septiembre de 2005, ofreció una tregua. Desde entonces, Flowers se disculpó con The Bravery, Fall Out Boy, y Panic at the Disco, diciendo "Me gustaría retirar lo que dije. Esas personas sólo están haciendo lo que les gusta hacer, como yo", y dijo que "no estaba orgulloso" de sus declaraciones anteriores.

Discografía
Artículo principal: Discografía de The Killers

* 2004: Hot Fuss.
* 2006: Sam's Town.
* 2007: Sawdust.
* 2008: Day and Age.

Videografía

* Mr. Brightside - Versión para el Reino Unido
* Somebody Told Me - Dirigido por Brett Simon
* All These Things That I've Done - Versión para el Reino Unido
* Mr. Brightside - Segunda versión; dirigido por Sophie Muller
* Smile Like You Mean It - Versión para el Reino Unido
* All These Things that I've Done - Segunda versión; dirigido por Anton Corbijn
* When You Were Young - Dirigido por Anthony Mandler
* Bones - Dirigido por Tim Burton
* A Great Big Sled
* Read my Mind - Dirigido por Diane Martel
* For Reasons Unknown
* Shadowplay
* Tranquilize (ft. Lou Reed)
* Don't Shoot Me Santa
* Human
* Spaceman
* The World We Live In

The Kinks


The Kinks fue un grupo musical británico formado en Londres en los años 60 por los hermanos Ray y Dave Davies. Desde sus primeros tiempos estaban muy influidos por el Rock and roll y el Rhythm & blues norteamericanos. En 1964 consiguieron su primer nº 1 en las listas británicas con "You Really Got Me", su canción más emblemática, dándose a conocer como parte de la Invasión Británica en Estados Unidos (nº 7 en Billboard) Esta canción ha permanecido como una de las más significativas de la década de los 60 y su sonido es considerado precursor del Hard rock.

La evolución como compositor de Ray Davies, llevó al grupo a una segunda época con un sonido mucho más "británico" y Pop, que les proporcionó éxitos como “Sunny Afternoon” o “Waterloo Sunset”. Sus trabajos en estos años han ejercido gran influencia en movimientos tan distintos como el Glam Rock, el Punk, o la New Wave , a pesar de que, en términos de popularidad y apoyo de su discográfica, siempre estuvieron a la sombra de The Beatles, The Rolling Stones o The Who.

En 1970 y tras un período de menor presencia en las listas, alcanzaron su último nº 1 en el Reino Unido con el single “Lola”. Sus problemas con la discográfica Pye les llevó a firmar por RCA, iniciando una fase caracterizada por el rock con tintes teatrales. Debido a la falta de apoyo promocional, el grupo pasó a un segundo plano, sobre todo en su país, lo que hace que se trasladen a los Estados Unidos. Allí firmaron con Arista, discográfica con la que disfrutaron de un nuevo periodo de éxito en el cambio de década y los primeros años 80, éxito que no se volvió a repetir hasta su separación en 1997.

Los hermanos Davies crecieron en el barrio de Muswell Hill, en Londres, en una familia numerosa. Ray Davies estudió en el Hornsey College of Art y adquirió experiencia musical como guitarrista en el grupo del Soho Dave Hunt Band, en 1963. El hermano de Ray, Dave, y su compañero de colegio Pete Quaife formaron un grupo y poco después propusieron a Ray que se uniera a ellos. Quaife, igual que los hermanos Davies, tocaba la guitarra, pero decidió pasarse al bajo.

En el verano boreal de 1963, el grupo formado por Ray, Dave y Pete Quaife fue bautizado "The Ravens" ("Los Cuervos") e incorporó a un nuevo miembro, el baterista Mickey Willet. Poco después, Willet sería sustituido por Mick Avory, quien había tocado anteriormente con otro grupo que estaba en sus comienzos, los futuros Rolling Stones. The Ravens alternaban sus primeras actuaciones bajo este nombre con otras en las que tocaban como banda acompañante del cantante Robert Wace, con el nombre de "Boll Weevils", inspirado en una canción del artista de Rhythm and Blues Bo Diddley.

Una maqueta con grabaciones del grupo llegó a las manos del productor estadounidense Shel Talmy, quien convenció a la compañía discográfica Pye Records para que les diese la oportunidad de grabar en un estudio. El grupo firmó un contrato para grabar tres discos sencillos, que la compañía tenía la opción de renovar si los resultados eran satisfactorios. Aunque los Kinks tenían varias canciones propias, escritas por Ray Davies (entre ellas, su futuro gran éxito You Really Got Me), la canción elegida para su primer disco fue una versión del clásico de Little Richard, Long Tall Sally, que poco después tuvo un gran éxito en la versión de los Beatles.

Con motivo de su inminente estreno discográfico, Larry Page bautizó al grupo como The Kinks (en traducción aproximada, "los raros") y proveyó a sus integrantes de un llamativo y exótico vestuario, adquirido en Carnaby Street, que el propio Ray Davies describiría después como una mezcla de trajes de Robin Hood con complementos de cuero al estilo de la serie de televisión Los vengadores.[1]

El single se publicó en febrero de 1964, acompañado de una intensa campaña publicitaria. El grupo apareció en el programa de televisión Ready Steady Go!, y fotografías de su actuación se publicaron en la influyente revista New Musical Express. No obstante, no se logró el éxito esperado, ya que la canción sólo alcanzó el número 42 en la lista de éxitos de la revista Melody Maker. Dieron varios conciertos dentro y fuera de Londres, y tuvieron un discreto éxito ante el exigente público de The Cavern, el famoso local de Liverpool desde donde los Beatles habían saltado a la fama. Sin embargo, tampoco el segundo sencillo, "You Still Want Me", editado en abril, logró el éxito deseado. Se vendieron 127 copias.[2] La discográfica advirtió al grupo que un tercer fracaso daría al traste con su incipiente carrera.

El éxito llegó de la mano del tercer single, "You Really Got Me", un "extraño pero poderoso" tema para la época, que alcanzó el número 1 en las listas en el Reino Unido y estuvo entre los diez primeros en Estados Unidos. La canción, una de las más influyentes en la historia del pop y el rock de los años 60 y 70, se basa en un riff de sólo dos acordes que Dave Davies, según la historia varias veces referida por él y por su hermano Ray, consiguió casualmente cuando conectó agujas de coser a su amplificador. La repetición del riff a intervalos le dio al Rock por primera vez un ritmo de caracter ^machacón*, que sería años después explotado por el Hard Rock, Glam Rock, Heavy Metal y el Punk Rock. Según muchos críticos, You Really Got Me puede considerarse la primera canción de hard rock de la historia. En la grabación del tema intervino también Jimmy Page, futuro guitarrista de Led Zeppelin, pero no tocó la guitarra, sino únicamente la pandereta.

El éxito de You Really Got Me convenció a los directivos de Pye Records de que valía la pena confiar en el criterio de Ray Davies. El éxito volvió a sonreír al grupo en su cuarto sencillo, "All Day and All of the Night", también basado en un efectivo riff de Dave Davies, que llegó al número 2 en las listas británicas y al 7 en las estadounidenses.

El grupo continuó su ascendente carrera, y en los dos años siguientes editó tres álbumes ("Kinks", en octubre de 1964; "Kinda Kinks" en febrero de 1965; y "The Kinks Kontroversy", en febrero de 1966) y numerosos EPs, al mismo tiempo que realizaban giras interminables, que produjeron tensión en el seno de la banda. A raíz de conflictos con los promotores de la gira por Estados Unidos que realizaron en el verano boreal de 1965, la American Federation of Musicians Union consiguió que se les prohibiese actuar en Estados Unidos durante los cuatro años siguientes, lo que apartó al grupo del mercado norteamericano, el más grande del negocio musical.

Tal vez por esto, las canciones de Ray Davies se volvieron más introspectivas, ahondando en la tradición musical inglesa, desde el folk hasta el music-hall y diferenciándose progresivamente del trabajo de los grupos británicos de la época. Estos cambios se hicieron evidentes en las canciones "A Well Respected Man" y "Dedicated Follower of Fashion", del álbum The Kinks Kontroversy, donde Ray demostraba su talento para la observación y el estudio de caracteres y el comentario social. El tema satírico "Sunny Afternoon" fue el mayor éxito del verano boreal de 1966 en el Reino Unido, alcanzando el número 1 de las listas de éxitos.

Época dorada (1966-1972)

Tras este breve período de tiempo —verano boreal de 1966— en el que The Kinks "luchó" contra The Rolling Stones por ser la segunda banda británica tras los Beatles y hasta 1972, el cuarteto publicó varios trabajos aclamados por la crítica y con una notable aceptación por parte del público: Face to Face, Something Else, Arthur, Village Green, Lola y Muswell Hillbillies.

"Sunny Afternoon" se incluyó en el primero de estos álbumes, Face To Face, un álbum repleto de canciones acerca de la gente común y de la vida cotidiana. "Dead End Street", una canción de contenido social, se editó como single por la misma época, aunque no aparece en el álbum, y alcanzó un importante éxito.

En mayo de 1967 regresaron con otra de las grandes canciones de Ray Davies, "Waterloo Sunset" ("Puesta de sol en Waterloo"), una canción sencilla y emotiva en la que el cantante observa a la multitud desde su ventana, y describe el encuentro de dos amantes, Terry y July, en la estación de Waterloo. Davies rechazó la interpretación de que los personajes de la canción fueran en realidad los actores Terence Stamp y Julie Christie. En septiembre se publicó su nuevo álbum, Something Else by The Kinks, que continuaba la línea del anterior Face To Face.

A partir de 1972
A mediados de los '70 el lanzamiento de varias óperas rock, no entendidas por buena parte del público, unido al cambio de casa discográfica, se tradujo en un bache para la banda en lo que a ventas se refiere. Se recuperaron algo de éste con una serie de trabajos menores entre 1979 y 1984, gracias a las ventas en Estados Unidos, donde estuvieron vetados hasta finales de los 60 debido a una discusión entre Ray Davies y el director de la federación de músicos americanos.

Miembros [editar]
(Feb de 1964-Junio de 1966, Nov 1966-1969)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, armónica, teclados, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* Pete Quaife - bajo, voces

(Junio-Nov 1966, 1969-1970)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, armónica, teclados, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* John Dalton - bajo, voces

(1970-1976)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, armónica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* John Dalton - bajo, voces
* John Gosling - teclados

(1976-1978)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* Andy Pyle - bajo
* John Gosling - teclados

(1978)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* John Dalton - bajo, voces
* Gordon John Edwards - teclados, voces

(1978-1979)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* Jim Rodford - bajo, voces

(1979-1984)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* Jim Rodford - bajo, voces
* Ian Gibbons - teclados, voces

(1984-1989)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Bob Henrit - batería
* Jim Rodford - bajo, voces
* Ian Gibbons - teclados, voces

(1989-1993)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición, teclados
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Jim Rodford - bajo, voces
* Bob Henrit - batería
* Mark Haley - teclados, voces

(1993-1996)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Jim Rodford - bajo, voces
* Ian Gibbons - teclados, voces
* Bob Henrit - batería

Discografía

Álbumes
En estudio (discografía británica)

* The Kinks (Pye, 1964)
* Kinda Kinks (Pye, 1965)
* The Kink Kontroversy (Pye, 1965)
* Face to Face (Pye, 1966)
* Something Else by The Kinks (Pye, 1967)
* The Kinks Are the Village Green Preservation Society (Pye, 1968)
* Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (Pye, 1969)
* Lola versus Powerman and the Moneygoround, Part One (Pye, 1970)
* Percy (Banda sonora) (Pye, 1970)
* Muswell Hillbillies (RCA, 1971)
* Everybody's in Show-Biz (RCA, 1972)
* Preservation Act 1 (RCA, 1973)
* Preservation Act 2 (RCA, 1974)
* Soap Opera (RCA, 1975)
* Schoolboys in Disgrace (RCA, 1976)
* Sleepwalker (Arista, 1977)
* Misfits (Arista, 1978)
* Low Budget (Arista, 1979)
* Give the People What They Want (Arista, 1981)
* State of Confusion (Arista, 1983)
* Word of Mouth (Arista, 1984)
* Think Visual (London, 1986)
* UK Jive (London, 1989)
* Phobia (London, 1993)

Directos

* Live at Kelvin Hall (Pye, 1968)
* One for the Road (Arista, 1980)
* The Road (London, 1988)
* To the Bone (Konk, 1994 / Guardian, 1997)

Principales Recopilatorios

* The Kinks ("The Black Album") (Pye, 1970)
* The Kink Kronikles (Reprise, 1972)
* The Great Lost Kinks Album (Reprise, 1973)
* The Kink's Greatest - Celluloid Heroes (RCA, 1976)
* Come Dancing with The Kinks - The Best of The Kinks 1977-1986 (Arista, 1986)
* The Album that Never Was (PRT, 1987)
* The EP Collection Vol. 1 & 2 (See For Miles, 1990/91)
* Fab Forty: The Singles Collection 1964-1970 (Charly, 1990)
* Lost and Found (1986-1989) (MCA, 1991)
* BBC Sessions 1964-1977 (Sanctuary, 2001)
* The Ultimate Collection (Sanctuary, 2002)

Sencillos

(discografía británica)

* "Long tall Sally"/ "I took my baby home" (Pye, 1964)
* "You still want me"/ "You do something to me" (Pye, 1964)
* "You really got me"/ "It's alright" (Pye, 1964)
* "All day and all of the night"/ "I gotta move" (Pye, 1964)
* "Tired of waiting for you"/ "Come on now" (Pye, 1965)
* "Everybody's gonna be happy"/ "Who'll be the next in line" (Pye, 1964)
* "Set me free"/ "I need you" (Pye, 1965)
* "See my friends"/ "Never met a girl like you before" (Pye, 1965)
* "Till the end of the day"/ "Where have all the good times gone" (Pye, 1965)
* "Dedicated follower of fashion"/ "Sittin' on my sofa" (Pye, 1966)
* "Sunny afternoon"/ "I'm not like everybody else" (Pye, 1966)
* "Dead end street"/ "Big black smoke" (Pye, 1966)
* "Waterloo sunset"/ "Act nice and gentle" (Pye, 1967)
* "Atumn almanac"/ "Mr. Pleasant" (Pye, 1967)
* "Wonderboy"/ "Polly" (Pye, 1968)
* "Days"/ "She's got everything" (Pye, 1968)
* "Plastic man"/ "King Kong" (Pye, 1969)
* "Drivin'"/ "Mindless child of motherhood" (Pye, 1969)
* "Shangri-la"/ "This man he weeps tonight" (Pye, 1969)
* "Victoria"/ "Mr. Churchill says" (Pye, 1969)
* "Lola"/ "Berkeley mews" (Pye, 1970)
* "Apeman"/ "Rats" (Pye, 1970)
* "God's children"/ "The way love used to be" (Pye, 1971)
* "Supersonic rocket ship"/ "You don't know my name" (RCA, 1972)
* "Celluloid heroes"/ "Hot potatoes" (RCA, 1972)
* "Sitting in the midday sun"/ "One of the survivors" (RCA, 1973)
* "Sweet lady Genevieve"/ "Sitting in my hotel" (RCA, 1973)
* "Mirror of love"/ "He's evil" (RCA, 1974)
* "Holiday romance"/ "Shepherds of the nation" (RCA, 1974)
* "Ducks on the wall"/ "Rush hour blues" (RCA, 1975)
* "You can't stop the music"/ "Have another drink" (RCA, 1975)
* "No more looking back"/ "Jack the idiot dunce"/ "The hard way" (RCA, 1976)
* "Sleepwalker"/ "Full moon" (Arista, 1977)
* "Juke box music"/ "Sleepless night" (Arista, 1977)
* "Father Christmas"/ "Prince of the punks" (Arista, 1977)
* "A Rock'n'Roll fantasy"/ "Artificial light" (Arista, 1978)
* "Live life"/ "In a foreign land" (Arista, 1978)
* "Black messiah"/ "Misfits" (Arista, 1978)
* "(Wish I could fly like) Superman"/ "Low budget" (Arista, 1979)
* "Moving pictures"/ "In a space" (Arista, 1979)
* "Pressure"/ "National health" (Arista, 1979)
* "Better things"/ "Massive reductions" (Arista, 1981)
* "Predictable"/ "Back to front" (Arista, 1981)
* "Come dancing"/ "Noise" (Arista, 1982)
* "Don't forget to dance"/ "Bernadette" (Arista, 1983)
* "Good day"/ "Too hot" (Arista, 1984)
* "Do it again"/ "Guilty" (Arista, 1985)
* "How are you"/ "Killing time" (London, 1986)
* "Lost and found"/ "Killing time" (London, 1987)
* "The road"/ "Art lover" (London, 1988)
* "Down all the days (till 1992)"/ "You really got me" live (London, 1989)
* "How do I get close"/ "War is over" (London, 1990)
* "Scattered"/ "Hatred (a duet)"/ "Days" (Columbia, 1993)
* "Only a dream"/ "Somebody stole my car" (Columbia, 1993)

EP's

(no recopilatorios)

* Kinksize Session (Pye, 1964)

1. "Louie Louie" (Richard Berry)
2. "I gotta go now"
3. "Things are getting better"
4. "I've got that feeling"

* Kwyet Kinks (Pye, 1965)

1. "Wait till the summer comes along"
2. "Such a shame"
3. "A well respected man"
4. "Don't you fret"

The Animals


The Animals fue un grupo musical británico de los años 60 que adquirió renombre internacional gracias a su estilo de blues eléctrico. Su canción más famosa es The House of the Rising Sun. El grupo estuvo inicialmente formado por Eric Burdon (líder y vocalista), Alan Price (teclados), Hilton Valentine (guitarra), John Steel (batería), y Chas Chandler (bajo).
Los integrantes del grupo "The Animals" eran originarios de la localidad portuaria de Newcastle-upon-Tyne en el noreste de Inglaterra. La creación del grupo data del 1962 cuando Eric Burdon se unió a la "Alan Price Rhythm and Blues Combo", que cambió desde entonces su nombre por el de "The Animals". Su música se basaba esencialmente en el blues y rhythm and blues y se dedicaban a hacer versiones de canciones de John Lee Hooker, Sam Cooke, Ray Charles, Nina Simone y Jimmy Reed.

Ese mismo año, el grupo gestiona su propio EP y el éxito en su localidad natal fue tan notorio que el mánager de los Yardbirds, Giorgio Gomelsky, los convenció para que se instalaran en Londres en 1964. Durante un tiempo, tocaron en el local propiedad de Gomelsky el "Crawdaddy Club". Fue allí donde conocieron al que sería su productor, Mickie Most. Con él firmaron su primer contrato de grabación, con la disquera EMI. En febrero de 1964, entraron a estudios para grabar su primer sencillo "Baby Let Me Take You Home" (adaptación de la canción de Bob Dylan "Baby Let Me Follow You Down") y que llegó al número 21 de las listas inglesas.

Siguió la adaptación de otra canción también interpretada por Dylan, "The House of the Rising Sun", que les llevaría a ser el segundo grupo inglés que consigue el número uno en las listas británicas y americanas (tan solo lo habían hecho antes "The Beatles"). A finales de 1964, se edita su primer LP "The Animals". Durante ese año y 1965, llegaron otros éxitos como "I'm Crying" (nº8 en Gran Bretaña), "Don't Let Me Be Misunderstood" (nº3 en Gran Bretaña) y "We've Gotta Get Out of This Place" (nº2 en Gran Bretaña), a la vez que editan su segundo álbum "Animal Tracks".

En mayo de 1965, el teclista Alan Price deja la banda por razones personales y de salud (sobre todo, debido a un pánico a volar) y por la lucha por el liderazgo de la banda entre él y Burdon. Dave Rowberry sería quien sustituiría a Price en los teclados.

Pero la situación del resto del grupo tampoco era mucho mejor. Los componentes de la banda empezaban a tener la sensación que su música se estaba transformando en algo demasiado comercial (debido principalmente a las exigencias de Mike Frost y de la propia EMI Music). Es por ello, que a inicios del 1966 rompen su contrato con EMI y con Frost, no sin antes dejar otro éxito como "It's my life", número 7 en las listas británicas y el 23 en las americanas.

En 1966, el grupo firma un contrato con la compañía de discos Decca/London Records. Poco antes (en marzo), el batería John Steel dejaría el grupo y sería sustutído por Barry Jenkins. De todas maneras, la salida de Steel sería un preludio de lo que pasaría poco después. Aunque era cierto que editaron su único disco con Decca "Animalism" (junio de 1966) y que paralelamente EMI había lanzado los grandes éxitos de la banda, que fue uno de los más vendidos de la época, el grupo originario tan sólo sobrevivió a la salida de Steel seis meses. "The Animals" se disolvieron en septiembre de 1966.

En 1967, Eric Burdon intenta reformar la banda bajo el nombre de “Eric Burdon and The Animals”, que tuvo canciones de éxito moderado como “When I Was Young”, "Monterey" y "San Franciscan Nights", dando un nuevo aire al grupo en plena época de la psicodelia. Este grupo lo formaban, aparte del propio Burdon, Barry Jenkins (batería), John Weider (guitarra y violín), Danny McCulloch (bajo) y Vic Briggs (guitarra). Una formación que sufriría múltiples cambios a finales de 1968, cuando Briggs y McCulloch abandonan la formación y fueron sustituidos por Zoot Money y por el guitarrista Andy Summers (integrante en años posteriores del exitoso trío "Police"). En 1969 publicarían un doble álbum llamado “Love”, con su último éxito “Sky Pilot (Primera Parte)”. Eric Burdon dio fin a esta banda a finales de 1969.

Los miembros originales de la banda se volvieron a reunir en 1977 para grabar “Before We Were So Rudely Interrupted” y en 1983 lo hicieron para los discos “Ark” y “Rip It to Shreds”.

En 1994, el grupo originario de "The Animals" entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Poco después, en julio 1996, el bajista de la primera formación, Chas Chandler, falleció.

En la década del 2000, Burdon ha dado la vuelta al mundo con un grupo de músicos bajo el nombre de "Eric Burdon and the Animals". Durante los 90, Valentine, Steel, y Dave Rowberry también hicieron giras con "(Hilton Valentine's) The Animals" y Valentine y Steel con el nombre de "Animals II".

Discografía
Edición Británica
* The Animals (Octubre de 1964)

1.Story of Bo Diddley
2.Bury My Body
3.Dimples
4.I've Been Around
5.I'm In Love Again
6.The Girl Can't Help It
7.I'm Mad Again
8.She Said Yeah
9.The Right Time
10.Memphis Tennessee
11.Boom Boom
12.Around and Around

* Animal Tracks (Mayo de 1965)

1.Mess Around
2.How You've Changed
3.Hallelujah I Love Her So
4.I Believe To My Soul
5.Worried Life Blues
6.Roberta
7.I Ain't Got You
8.Bright Lights, Big City
9.Let The Good Times Roll
10.For Miss Caulker
11.Roadrunner

* Animalisms (Junio 1966)

1.One Monkey Don't Stop No Show
2.Maudie
3.Outcast
4.Sweet Little Sixteen
5.You're On My Mind
6.Clapping
7.Gin House Blues
8.Squeeze Her, Tease Her
9.What Am I Living For
10.I Put A Spell On You
11.That's All I Am To You
12.She'll Return It

* Winds of Change (1967) (como Eric Burdon and the New Animals)

1.Winds Of Change
2.Poem By The Sea
3.Paint It Black
4.The Black Plague
5.Yes I'm Experienced
6.San Franciscan Nights
7.Man - Woman
8.Hotel Hell
9.Good Times
10.Anything
11.It's All Meat

* The Twain Shall Meet (1968)

1.Monterey
2.Just The Thought
3.Closer To The Truth
4.No Self Pity
5.Oranges And Red Beans
6.Sky Pilot
7.We Love You Lil
8.All Is One

* Love Is (1968)

1.River Deep, Mountain High
2.I'm An Animal
3.I'm Dying, Or Am I
4.Ring Of Fire
5.Colored Rain
6.To Love Somebody
7.As The Years Go Passing By
8.Gemini - The Madman

Edición Estados Unidos

* The Animals (Septiembre de 1964)

1.The House of the Rising Sun
2.Blue Feeling
3.The Girl Can't Help It
4.Baby Let Me Take You Home
5.The Right Time
6.Talkin' 'Bout You
7.Around and Around
8.I'm In Love Again
9.Gonna Send You Back To Walker
10.Memphis Tennessee
11.I'm Mad Again
12.I've Been Around

* The Animals on Tour (Marzo de 1965)

1.Boom Boom
2.How You've Changed
3.I Believe To My Soul
4.Mess Around
5.Bright Lights, Big City
6.Worried Life Blues
7.Let The Good Times Roll
8.I Ain't Got You
9.Hallelujah I Love Her So
10.I'm Crying
11.Dimples
12.She Said Yeah

* Animal Tracks (Septiembre de 1965)

1.We Gotta Get Out Of This Place
2.Take It Easy
3.Bring It On Home To Me
4.Roberta
5.Story Of Bo Diddley
6.I Can't Believe It
7.For Miss Caulker
8.Club A Go-Go
9.Don't Let Me Be Misunderstood
10.Bury My Body

* British Go Go (Enero de 1965)

* In the Beginning(Directo) (1965)

* Animalization (Agosto de 1966)

1.Don't Bring Me Down
2.One Monkey Don't Stop No Show
3.You're On My Mind
4.She'll Return It
5.Cheating
5.1 She'll Return It - This song is on the record but does not appear on the jacket listing
6.Inside Looking Out
7.See See Rider
8.Gin House Blues
9.Maudie
10.What Am I Living For
11.Sweet Little Sixteen
12.I Put A Spell On You

* Animalism (MGM 4414, Diciembre de 1966)

1.All Night Long
2.Shake
3.The Other Side Of This Life
4.Rock Me Baby
5.Lucille
6.Smoke Stack Lightning
7.Hey Gyp
8.Hit The Road Jack
9.Outcast
10.Louisiana Blues
11.That's All I Am To You
12.Going Down Slow

* Eric Is Here (1967) (ahora como Eric Burdon and the New Animals)

1.In The Night
2.Mama Told Me Not To Come
3.I Think It's Gonna Rain Today
4.On This Side Of Goodbye
5.That Ain't Where It's At
6.True Love (Comes Only Once In A Lifetime)
7.Help Me Girl
8.Wait Till Next Year
9.Losin' Control
10.It's Not Easy
11.The Biggest Bundle Of Them All
12.It's Been A Long Time Comin'

* Every One of Us (1968)

1.White House
2.Uppers And Downers
3.Serenade To A Sweet Lady
4.The Immigrant Lad
5.Year Of The Guru
6.St. James Infirmary
7.New York 1963 - America 1968

* Love Is (Octubre de 1968)

1.River Deep, Mountain High
2.I'm An Animal
3.I'm Dying, Or Am I
4.Ring Of Fire
5.Colored Rain
6.To Love Somebody
7.As The Years Go Passing By
8.Gemini - The Madman

* The Best Of Eric Burdon And The Animals Vol. II (MGM Record SE4454)

1.When I Was Young
2.A Girl Named Sandoz
3.Don't Bring Me Down
4.She'll Return It
5.See See Rider
6.The Other Side Of Life
7.Hey Gyp
8.Help Me Girl
9.That Ain't Where It's At
10 You're On My Mind
11.Inside Looking Out
12.Cheating

Reunión de los originarios "The animals"

* Before We Were So Rudely Interrupted (1977)

1.Brother Hill (The Last Clean Shirt)
2.It's All Over Now, Baby Blue
3.Fire On The Sun
4.As The Crow Flies
5.Please Send Me Someone To Love
6.Many Rivers To Cross
7.Just A Little Bit
8.Riverside County
9.Lonely Avenue
10.The Fool

* Ark (1983)

1.Loose Change
2.Love Is For All Time
3.My Favourite Enemy
4.Prisoner Of The Light
5.Being There
6.Hard Times
7.The Night
8.Trying To Get You
9.Just Can't Get Enough
10.Melt Down
11.Gotta Get Back To You
12.Crystal Nights
13.No John No

* Rip It to Shreds (Directo) (1984)

Edición en España

* The Animals. Los 60. Una Gran Década Para Recordar (1987) (EMI Records)

1.Baby Let Me Take You Home.
2.Gonna Send You Back To Walter.
3.House Of The Rising Sun.
4.Talkin' 'bout You.
5.I'm Crying.
6.Take It Easy.
7.Don't Let Me Be Misunderstood.
8.Club A Gogo.
9.Bring It On Home To Me.
10.For Miss Caulker.
11.We've Gonna Get Out Of This Place.
12.I Can't Believe It.
13.It's My Life.
14.I'm Going To Change The World.
15.Bury My Body.

Recopilación

* The Best of The Animals (1997)
* The Best of The Animals (2000)
* Interesting Life (2003)
* Complete French EP 1964/1967 (2003)
* Retrospective (Recopilatorio, 2004)

Eric Burdon

Eric Victor Burdon (nacido el 11 de mayo de 1941, en Walker, Newcastle upon Tyne) fue el cantante de The Animals y después de The War.

Fue miembro fundador y vocalista de The Animals, banda originalmente formada en Newcastle en los primeros años sesenta. Burdon cantó muchos clásicos de los Animals como "The House of the Rising Sun", "Good Times", "Don't Let Me Be Misunderstood", "Bring It On Home to Me" y "We Gotta Get Out of this Place". El teclista Alan Price y el batería John Steel, Animals originales, dejaron la banda, y fueron reemplazados por Dave Rowberry y Barry Jenkins respectivamente. En 1966, los miembros restantes Chas Chandler e Hilton Valentine se fueron del grupo, excepto Barry Jenkins y Burdon, y la banda se reformó como Eric Burdon and the Animals. A este grupo se le unieron el futuro miembro de Family John Weider y el futuro guitarrista de The Police Andy Summers. Esta nueva formación tuvo éxitos con canciones como "When I Was Young", "Sky Pilot" y "Monterey". Esta unión duró hasta 1969, pasando por grandes cambios en la formación, y cambiando el nombre de la banda de Eric Burdon and the Animals a Eric Burdon and the New Animals. Cuando los New Animals se fueron, Burdon unió fuerzas con el grupo funky de Los Ángeles War. El álbum, Eric Burdon Declares War creó clásicos como "Spill The Wine" y "Tobacco Road". En 1971 Burdon empezó su carrera en solitario.

Burdon se volvió a unir con los otros Animals originales en 1976 y 1983, pero esta unión acabó pronto, aun así en la reunión de 1983 se sacó el ignorado en las listas de ventas single "The Night". Burdon dirigió unos cuantos grupos llamados Eric Burdon Band o alguna variación parecida, con constantes cambios en la formación. Su popularidad se hizo más fuerte en la Europa Continental que en el Reino Unido o en los Estados Unidos. Hoy en día continúa grabando y dando conciertos, en solitario o al frente de otra versión de "Eric Burdon and the Animals". En 1990, un reformado "Eric Burdon and the Animals" grabó una versión del single "Sixteen Tons" de Merle Travis para la película Joe contra el Volcán, donde salía en los créditos de apertura de la película.