tag:blogger.com,1999:blog-42837695897851412132024-03-12T17:32:11.840-07:00Promiscuidad MusicalSoy el esclavo sometido al tormento auditivo, el que se reclina en la expansión de las ondas sonoras.Andre IvreAndre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.comBlogger24125tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-6619603555767209622009-11-09T19:56:00.000-08:002009-11-09T20:11:08.108-08:00David Bowie<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7uCYxiP6TiVBDDmrsmOpCSJN2R8w9In_aUs-7fjA5KvPOiMd9uBmVtcQECWfrtHWt_eroMBMrapEMMwSVkTnVqP0AChyphenhyphenNadtIJeID9b0CtqnyyqXSDGoBsjZKM0XYynyAXhYKUtesURKy/s1600-h/david-bowie-20080130-369721.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 296px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7uCYxiP6TiVBDDmrsmOpCSJN2R8w9In_aUs-7fjA5KvPOiMd9uBmVtcQECWfrtHWt_eroMBMrapEMMwSVkTnVqP0AChyphenhyphenNadtIJeID9b0CtqnyyqXSDGoBsjZKM0XYynyAXhYKUtesURKy/s320/david-bowie-20080130-369721.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5402321420535362210" /></a><br />David Robert Jones (Londres, 8 de enero de 1947), conocido artísticamente como David Bowie, es un cantante y compositor británico de música rock y pop, uno de los personajes más respetados e influyentes de la historia del rock, cuya música ha dejado huella en varias generaciones de artistas.<br /><br />A lo largo de su trayectoria, la música de Bowie se ha vinculado con múltiples géneros, como el folk rock, el glam rock, el soul o la música electrónica, demostrando una gran facilidad para reinventarse y adaptarse a las nuevas tendencias musicales, incluso en algunas ocasiones inspirándolas o anticipándose a ellas, por lo que es popularmente conocido como el Camaleón del Rock. Además de demostrar su talento en su faceta musical, como cantante, compositor, multi-instrumentista y productor, también ha trabajado como actor, director de vídeos musicales y artista plástico.<br /><br />Bowie estuvo casado con Angela Barnett, con quien tuvo en 1971 un hijo, Zowie (nombre completo Duncan Zowie Haywood, ahora director de cine conocido como Duncan Jones). Desde 1992 está casado con la modelo Iman, con la que tuvo a su hija Alexandria.<br /><br />Inicios<br />David Bowie nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, un barrio de Londres, la capital del Reino Unido, y creció en el pueblo de Bromley, en el condado de Kent, que actualmente es parte del Gran Londres.<br /><br />Uno de los hechos más famosos de su biografía, y que marcaría su estética futura, tuvo lugar durante una riña estudiantil en su juventud. David nació con ambos ojos azules, pero en una pelea en el patio del colegio un amigo suyo, George Underwood, le hirió en el ojo izquierdo con un puñetazo, lo que le produjo la parálisis de los músculos de la pupila, que perdiera 8 meses de clase, que perdiera un poco de percepción de la profundidad y lo más llamativo, su pupila está, a partir de entonces, permanentemente dilatada. Esto se confundió en la cultura popular con una heterocromía iridium, ya que como la pupila ocupa la mayor parte del iris, parece que tiene un ojo de otro color.[2] Sin embargo, esta característica se convertiría en una de sus señas de identidad.<br /><br />La carrera musical de Bowie comenzó en la década de los 60 como saxofonista y vocalista de varios grupos de rhythm & blues. Con uno de ellos, The Manish Boys, llegó a grabar un single. Debido a la popularidad de Davy Jones, del grupo norteamericano The Monkees, se vio obligado a cambiar su apellido original, eligiendo Bowie en honor de un famoso personaje de la historia estadounidense, Jim Bowie.<br /><br />Su primera grabación como solista fue el elepé David Bowie, de 1967. Este disco, con influencias de los grupos pop británicos de la época (conocidos como "la invasión británica") y de la cultura del movimiento juvenil mod, no tuvo demasiado reconocimiento en su época, aunque con el paso de los años sus fans fueron dándole mayor importancia. Posteriormente, se ha dicho que David Bowie se planteó hacer un disco en el que retomaría esas viejas canciones bajo el título Toy. Algunas de ellas fueron rescatadas en su disco doble lanzado en el año 2000 Bowie At The Beeb.<br /><br />Su primer gran éxito llegó en 1969 con una canción de folk pop orquestado en la que narra la historia de un astronauta perdido en el espacio llamado Major Tom y a la que tituló Space Oddity en honor a la película 2001: A Space Odyssey (2001: Odisea del Espacio). Este tema abriría y daría nombre a su segundo L.P.(long play), en el que se aproximaba a la música psicodélica, corriente dominante en ese momento. Fue su primer disco producido por Tony Visconti y también contó con la participación de Rick Wakeman, teclista del grupo Yes.<br /><br />A este disco le seguiría The Man Who Sold The World (1971), donde empezó a colaborar con el guitarrista Mick Ronson, considerado uno de los mejores guitarristas de la historia del rock y pieza esencial en el sonido de Bowie a partir de entonces. El disco estaba muy influido por el hard rock de grupos como Led Zeppelin y no obtuvo tanta repercusión como el anterior. Dos décadas después, en 1993, el grupo Nirvana haría una versión del tema que daba título al álbum, obteniendo un gran éxito en todo el mundo.<br /><br />Época glam<br />El siguiente disco de Bowie fue Hunky Dory, en el que incluiría las canciones Changes y Life on Mars?, dos de sus grandes éxitos. También en este álbum dedicaría sendas canciones a sus admirados Bob Dylan y Andy Warhol. En esta época comenzaría a jugar con la teatralidad y la ambigüedad sexual características del glam rock, influido por sus amigos Lindsay Kemp y Marc Bolan, quien por entonces ya era una gran estrella al frente de T. Rex.<br /><br />El éxito de masas le llegaría en 1972 con su siguiente elepé, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, un álbum conceptual en el que narra la historia de una estrella del rock venida de otro planeta, Ziggy Stardust, bautizando a su banda de acompañamiento como The Spiders From Mars. Este disco se convertiría en el más célebre del glam rock, y está considerado como uno de los mejores y más influyentes en la historia del rock.<br /><br />En esta época Bowie era omnipresente en el pop, algo que queda patente con sus colaboraciones en otros discos importantes del género, produciendo Transformer de Lou Reed, All The Young Dudes de Mott The Hopple -donde también toca el saxo- y mezclando Raw Power de Iggy & The Stooges. Su vida privada también dio que hablar, ya que tanto él como su primera esposa, Angela Bowie, se declaraban abiertamente bisexuales. Según cuenta la leyenda del rock, su divorcio estuvo motivado porque David sorprendió a Angela en la cama con Mick Jagger, quien le dedicaría su famosa canción Angie.<br /><br />En 1973 Bowie volvería a mutar en un nuevo personaje, Aladdin Sane, en el disco del mismo título, que le consolidó como uno de los artistas más populares del momento. El mismo año haría un guiño a su pasado mod publicando Pin Ups, un disco de versiones de canciones de los 60 de artistas como Pink Floyd, The Rolling Stones, The Who o The Kinks entre otros. Un año más tarde lanza Diamond Dogs, ya sin la colaboración de Mick Ronson y The Spiders From Mars, un álbum inspirado en la novela 1984 de George Orwell cuya portada fue censurada en varios países.<br /><br />Aunque Bowie e Iggy Pop se desentendieron de ella, la película Velvet Goldmine - título tomado de una canción de Bowie- pretende reflejar la relación entre ambos durante los años dorados del Glam.<br /><br />El Duque Blanco<br /> <br />David Bowie en el festival Rock in Chile, 27 de septiembre de 1990.Durante la gira de Diamond Dogs, Bowie comenzó la grabación del álbum Young Americans, orientando su sonido hacia el funk y el soul y rompiendo con la estética glam. De dicha gira se editaría un álbum en directo titulado David Live, grabado en el Philadelphia Tower Theater, en el que quedará plasmado el gran cambio estilístico del artista.<br /><br />Su nuevo disco, que intentó ser una crítica al modo de vida estadounidense, incluyó su primer número uno en este país, la canción Fame , co-escrita y grabada con John Lennon. Durante 1975, Bowie se consolidó como una mega estrella en Estados Unidos. Young Americans se mantuvo en las listas de discos más vendidos durante casi un año, y actuó en los programas más famosos de la época, como Soul Train o Dick Cavett Show; incluso llegaría a grabar un programa especial con Cher. En Gran Bretaña también lograría el número 1 ese mismo año con una reedición del single Space Oddity.<br /><br />Es en esta época, la adicción de Bowie a la cocaina alcanza cotas altísimas. Su extrema delgadez, su nueva imagen, con el pelo rubio rojizo engominado, y su aspecto totalmente alienígena, le sirven en bandeja su primera incursión en el mundo cinematográfico, protagonizando la película The Man Who Fell To Earth, en la que interpreta a un personaje en el que se inspiraría para crear su siguiente álter ego, The Thin White Duke (El Duque blanco), en su siguiente álbum, Station To Station.<br />Station To Station, editado en enero de 1976, es un disco a medio camino entre el funk y el soul de su antecesor y la experimentación electrónica que vendrá en sus obras futuras. El single Golden Years, extraído del elepé, arrasa en las pistas de baile. En estas fechas Bowie llega a su punto más álgido en el mercado estadounidense, tras su éxito en el europeo durante su etapa glam. Después de una intensa gira que le lleva a recorrer medio mundo regresa a Europa para comenzar su etapa más experimental.<br />[editar] Berlín<br />En 1977, el cansancio del éxito y su interés por el emergente krautrock alemán le lleva a trasladarse a Berlín, donde realizaría sus tres siguientes discos, conocidos como la Trilogía de Berlín. En esta ciudad comparte piso con Iggy Pop y ambos se desintoxican de su severa adicción a las drogas. Bowie ayuda a Pop produciendo sus dos primeros discos en solitario, y co-escribiendo la mayoría de las canciones, The Idiot y Lust For Life, los más aclamados de la carrea solista de Pop, quien le devuelve el favor con una pequeña colaboración en coros en el primer disco berlinés de Bowie, Low. Este disco y los dos siguientes los co-produce el propio Bowie junto a Tony Visconti, pero el factor decisivo en el característico sonido de la trilogía correría a cargo de otro superviviente del glam rock, Brian Eno, quien escribe y toca muchas de las partes instrumentales de las canciones, dotándolas de grandes influencias del krautrock y la música electrónica.<br /><br />"Low" editado a comienzos de 1977 sería un éxito comercial tanto en Europa como en EEUU gracias al single "Sound And Vision" (que sería el último éxito de Bowie en América en tres años), pero sus tintes experimentales y electrónicos y sus temas instrumentales desorientaron a gran parte de sus fans, a los críticos musicales e incluso a su discográfica que se negaba a publicarlo y que ni siquiera lo promocionó; y las ventas de Bowie a partir de este trabajo bajaron considerablemente.<br /><br />El siguiente elepé, Heroes (también editado en 1977 y tratando de volver al mundo del rock, aunque a traves de la experimentación), contienía la famosa canción del mismo título (inspirada en el Muro de Berlín) que se editaría como single a finales de ese año en distitos idiomas (francés y alemán). El single, a pesar de condición de "gran clásico de Bowie" hoy en día, fue un gran fracaso de ventas en su momento, y el LP funcionaría bien en paises como Inglaterra (donde se le declaró disco del año en numerosas publicaciones) o Alemania pero sería un estrepitoso fracaso en EEUU. Heroes continuaría la estética de su antecesor (aunque más guitarrero) produciendo atmósferas aún más arregladas en cuanto a sintetizadores y electrónica, pero en su conjunto se resentía de cierta falta de temas comerciales o facilmente audibles.<br /><br />Si bien Low mantuvo el filón comercial del artista, Héroes y el siguiente album "Lodger" fracasaron a nivel de ventas en mayor o menor medida, aunque estos discos fueron inmensamente alabados por la crítica oficial y serían un eslabón decisivo entre la electrónica y la música pop por venir en la década de los 80. Bandas y solistas pioneros como Gary Numan, Joy Division, Bauhaus, o posteriormente Nine Inch Nails, reconocerían la directa influencia e inspiración de estos álbumes.<br /><br />Bowie realizó una gran gira mundial en 1978 tratando de recuperar gran parte de sus fans perdidos y presentando sus dos últimos trabajos experimentales. La gira llenaría estadios y reportaría un disco doble grabado en directo, "Stage", que reportaría las peores ventas de un disco de Bowie en años.<br /><br />En 1979 Bowie y Eno realizan su última colaboración: Lodger. El disco se aleja de la estética de Eno y trata de adentrarse en las nuevas corrientes por venir en la década de los 80. El disco funcionaría mejor comercialmente que sus antecesores, en parte gracias a unos video clips revolucionarios para la época ("Boys Keep Swinging", "DJ" y "Look Back In Anger").<br /><br />Acabando la década de los 70, Bowie se había vuelto más un referente a imitar, con una gran influencia sobre nuevas bandas y artistas, que un músico super ventas; aunque esto cambiaría en los años siguientes en los que volvería a arrasar en las listas de éxitos. El sonido opaco y experimental de la llamada Trilogía de Berlín (aunque sólo "Low" y "Heroes" se grabaron en Berlín, ya que "Lodger" se hizo en Nueva York) sería determinante para varias de las nuevas corrientes musicales que se estaban originando por esas fechas, como el rock gótico, el post punk, el synth pop, el new wave o el new romantic.<br /><br />Años 1980<br />De vuelta a EE. UU., Bowie graba Scary Monsters, su nuevo gran disco, editado en 1980, cerrando una etapa experimental en el que conecta con la furia y la fuerza de la emergente new wave y los nuevos románticos, con la destacada colaboración del guitarrista Robert Fripp. De aquí surge el single Ashes to ashes, donde retomaría las desventuras del Major Tom, el protagonista de Space Oddity. Este disco fue número uno en Gran Bretaña y supuso el reencuentro del artista con las listas de éxitos y las grandes ventas después de la bancarrota que había supuesto la trilogía berlinesa para su discográfica. Si Ashes To Ashes fue un single bombazo en Europa y Asia, Fashion (el segundo single editado de Scary Monsters) devolvería a Bowie a los charts Estadounidenses. Scary Monsters supondría uno de los mejores albums de su carrera, tanto en críticas como en ventas, y sería su último gran clásico.<br /><br />Después de grabar en 1981 un tema con Queen, Under Pressure otro gran nº1, el Duque Blanco inicia su período más comercial, cambia de discográfica (hasta la fecha había sido RCA) firmando un contrato multimillonario con EMI y graba el que será su disco más vendido: Let's dance (1983), producido por Nile Rodgers. Tanto el single que da título al álbum como China girl y Modern love se convierten en grandes éxitos a ambos lados de Atlántico, y el disco logra ventas millonarias convirtiéndose en el segundo disco más vendido de 1983, tan sólo por detrás de Michael Jackson. Al año siguiente, Rodgers será elegido para producir Like a Virgin, el lanzamiento mundial de Madonna. Let´s Dance se convertiría en el disco más vendido de la carrera de Bowie y le colocaría en el nº1 de los paises de todo el mundo y en la portada de todas las revistas de moda.<br /><br />Una gira mundial termina de consagrar a Bowie como un artista dinosaurio, al más puro estilo de Elton John, Cher, Tina Turner o Mick Jagger. A la par Bowie continuaría con una irregular carrera cinematográfica con trabajos como El Ansia, de Tony Scott, o Feliz Navidad Mr Lawrence, de Nagisha Oshima, que le reportarían positivas críticas como actor.<br /><br />En 1984 graba Tonight intentando repetir la fórmula comercial de Lets Dance. Si bien el disco fue otro gran éxito de ventas a nivel mundial gracias al single Blue Jean, las criticas fueron muy severas con el artista, acusándole de haberse estancado y haber perdido su aura innovadora de los años 70. Bowie se refugiaría en el cine en los años siguientes trabajando en las películas Cuando llega la noche, de John Landis, Principiantes, de Julian Temple, Dentro del Laberinto, de Jim Henson y La última tentación de Cristo, de Martin Scorsese.<br /><br />En 1987 graba el que para buena parte de sus seguidores es su peor disco hasta la fecha, Never Let Me Down, un disco impersonal que a pesar de funcionar comercialmente le reportaría las peores críticas hasta la fecha y junto con la tibia acogida de su gira de presentación, Glass Spider, obligarían a Bowie a buscar una nueva vía musical y romper con su etapa más comercial.<br /><br />En 1989 forma un supergrupo alternativo pre-grunge llamado Tin Machine, con el que según sus propias palabras, intentaba recoger el espíritu de las bandas punteras del indie rock del momento, como Sonic Youth o The Pixies. Con este grupo graba dos discos de estudio con los que no obtiene el éxito de ventas esperado a pesar de contar con buenas canciones.<br /><br />De los años 1990 a la actualidad<br /> <br />David Bowie en 2006.Tras dos discos de estudio fallidos con Tin Machine, Bowie retoma su carrera en solitario impulsado por las ventas mº1 de su disco de grandes éxitos Changesbowie de 1990. En 1993 Bowie graba Black Tie White Noise con el productor Nile Rodgers, con el que ya había trabajado en Let´s Dance. Este disco supondría un equilibrio para Bowie entre experimentación y comercialidad. El album contenía suficientes ritmos bailables y arreglos musicales de lo más extraños. Black Tie White Noise sería nº1 en varios paises incluido Inglaterra gracias al single Jump, they say, pero en América fracasaría estrepitosamente.<br /><br />En 1995, Bowie vuelve a colaborar con Brian Eno grabando uno de los disco más experimentales de su carrera, Outside. El album cosecharía muy buenas críticas, un single de éxito en duo con Pet Shop Boys: Halo Spaceboy y un tema en la banda sonora de la película Carretera Perdida de David Lynch: I´m Deranged. Durante el año siguiente Bowie regresó a los escenarios con un look más moderno y alternativo ganandose el respeto de las nuevas generaciones y conectando con las nuevas tendencias musicales.<br /><br />Fruto de la influencia de la música de ese año, Bowie graba Earthling en 1997, un disco mezcla de drum and bass y jungle al más puro estilo de bandas punteras de entoces como Prodigy. El disco logra muy buenas críticas y dos singles de éxito, Little Wonder en Europa y I´m Afraid Of Americans con Trent Reznor en EEUU (suponiendo el primer éxito en single de Bowie a las listas de EEUU desde finales de los 80. Otra gran gira y macroconcierto celebrando sus 50 años repleto de estrellas del momento acabaron de colocar a Bowie como el artista más influyente del momento.<br /><br />En 1999, Bowie regresa al mundo del pop, tras más de diez años de discos experimentales, con Hours. Un trabajo maduro y agradable de oir del que se extraería un single de éxito: Thursday Child y una canción que aparecería en numerosas películas (Memento y American Psycho): Something In The Air. En 2000 Bowie aparece en numerosos programas de televisión americanos que repasan su carrera y su influencia musical, edita un disco de sus actuaciones en la cadena BBC y retoma las relaciones con Tony Visconti, el que fue el productor de muchos de sus mejores disco en los 70 y que se encargaría de producir su siguiente trabajo.<br /><br />Heathen, el disco que Bowie editó en 2002, fue su mayor éxito mundial (incluido EEUU) desde mediados de los 80. Un disco oscuro y atmosférico, con cierto sonido retro, que para sus fans supondría el mejor Bowie en años. Las críticas alabaron este trabajo y allanaron el terreno para una gira de gran éxito el año posterior. En 2003 repetiría formula y éxito con el disco Reality, también producido por Visconti; realizando una de las mejores giras de su carrera que en 2004 tendría un abrupto suceso cuando Bowie sufriera un ataque al corazón que le apartaría de la música y los escenarios hasta la actualidad.<br /><br />A lo largo de su carrera ha versionado canciones y ha hecho colaboraciones con grupos como The Cure, Iggy Pop,Massive Attack , Aphex Twin , Tina Turner, Pet Shop Boys, David Gilmour, Blur, Placebo, Lou Reed, Queen, Mick Jagger, Billy Corgan, Pink Floyd o recientemente The Arcade Fire, Keane y TV on The Radio. Artistas nacidos bajo su influencia son Gary Numan, Joy Division, Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Pixies, Muse y Suede, y sus discos pueden considerarse, después de los del propio Bowie, el mejor ejemplo de una rica y polifacética carrera musical.<br /><br />Los géneros en los que incursionó fueron el Folk, Hard Rock, Glam, Soul, R&B, Electrónica, New Wave, Dance, Post-punk, Industrial, Drum & Bass, Pop y Art Rock.<br /><br /> Discografía<br />Artículo principal: Anexo:Discografía de David Bowie<br />[editar] Álbumes de estudio<br />1967 - David Bowie <br />1969 - Space Oddity <br />1971 - The Man Who Sold the World <br />1971 - Hunky Dory <br />1972 - The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars <br />1973 - Aladdin Sane <br />1973 - Pinups <br />1974 - Diamond Dogs <br />1975 - Young Americans <br />1976 - Station to Station <br />1977 - Low <br />1977 - Heroes <br />1979 - Lodger <br />1980 - Scary Monsters And Super Creeps <br />1983 - Let's Dance <br />1984 - Tonight <br />1987 - Never Let Me Down <br />1989 - Tin Machine <br />1991 - Tin Machine II <br />1993 - Black tie, White noise <br />1993 - The Buddha of Suburbia <br />1995 - Outside <br />1997 - Earthling <br />1999 - Hours... <br />2002 - Heathen <br />2003 - Reality <br />Filmografía<br />2006 - The Prestige <br />2001 - Zoolander <br />2000 - Exhuming Mr. Rice <br />1998 - Il Mio West <br />1998 - Everybody Loves Sunshine - a.k.a Busted <br />1996 - Basquiat <br />1992 - Twin Peaks:Fire Walk with me <br />1991 - The Linguini Incident <br />1988 - La última tentación de Cristo <br />1986 - Dentro del Laberinto <br />1986 - Absolute Beginners <br />1983 - Feliz Navidad Mr. Lawrence (Furyo) <br />1983 - El ansia (The Hunger) <br />1981 - Christiane F. Wir Kinder Vom Bahnhof Zoo <br />1979 - Just A Gigolo <br />1976 - The Man Who Fell To Earth <br />1973 - Ziggy Stardust And The Spiders From Mars <br />Esta es mi canción favorita del genio y ojalá les guste a uds. también.<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/L_QE0Ooe9Oo&hl=es&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/L_QE0Ooe9Oo&hl=es&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-63914864416013581382009-06-16T20:24:00.000-07:002009-06-16T20:34:24.378-07:00Arctic Monkeys<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpp5GBS0GeLvFoA89lUsTk1Fs6yEY1E-zS_IcFtJKklgHNJmmn5spfPeTmh7ejf-CRe3N9euY7DR-PPunGnWTe5tNkw0GAcxvP2AwQtiNJqKZkdcBKsZjvA1XvMM_sM_Yihfd9xn36QvL-/s1600-h/arcticmonkeys.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 261px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpp5GBS0GeLvFoA89lUsTk1Fs6yEY1E-zS_IcFtJKklgHNJmmn5spfPeTmh7ejf-CRe3N9euY7DR-PPunGnWTe5tNkw0GAcxvP2AwQtiNJqKZkdcBKsZjvA1XvMM_sM_Yihfd9xn36QvL-/s320/arcticmonkeys.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5348133803456296370" /></a><br />Arctic Monkeys es una banda inglesa de indie rock[1] proveniente de High Green, un suburbio en las afueras de Sheffield, Inglaterra. Formada en 2002, la banda actualmente está compuesta por el guitarrista principal y vocalista Alex Turner, el guitarrista Jamie Cook, el bateria Matt Helders y Nick O'Malley en el bajo, una posición anteriormente ocupada por Andy Nicholson.<br /><br />Arctic Monkeys logró popularidad en las listas con su sencillo debut "I Bet You Look Good on the Dancefloor", el cual se colocó en la primera posición en el UK Singles Chart.[2] Su álbum debut, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, lanzado el 23 de enero de 2006, fue el álbum debut más vendido en la historia de la música británica hasta ése momento. El álbum recibió aclamaciones por parte de la crítica, ganando el Mercury Price y el Brit Award en 2007 como "mejor álbum británico".[3] El segundo álbum de la banda, Favourite Worst Nightmare, fue lanzado el 23 de abril de 2007, el cual vendió más de 225,000 copias en su primera semana de lanzamiento, además de ser nominado para el Mercury Prize de 2007.[4] La banda también ganó los premios a mejor banda británica y mejor álbum británico en los Brit Awards de 2008.<br /><br />Arctic Monkeys son generalmente considerados parte de la escena indie rock,[5] junto a bandas como Franz Ferdinand, Kaiser Chiefs, Bloc Party y The Kooks.[6] [7] Comenzaron a ser conocidos a través de demos hechos por fans y distribución de archivos en línea.[8] Fueron anunciados como uno de los primeros actos de atención pública vía Internet, esto los catalogó como "la banda que pudo haber cambiado el mercado de la música".<br /><br />En 2001, los vecinos Alex Turner y Jamie Cook pidieron algún instrumento musical como regalo de Navidad, razón por la cual ambos recibieron guitarras.[10] Después de haber aprendido a tocar por su cuenta, la pareja formó una banda con los amigos de la escuela de Turner (Stocksbridge High School), Andy Nicholson y Matt Helders.[11] Nicholson ya sabía tocar el bajo, así que Helders terminó en la batería.[10]<br />Eso era lo único que faltaba. Cuando empezamos la banda ninguno de nosotros sabía tocar. Simplemente lo pusimos todo. Todos ellos tenían guitarras, así que tiempo después compré una batería.<br />Matt Helders[10]<br /><br />En un artículo de la revista Blender de mayo de 2006 se mencionó que Turner no era el vocalista original - "Cuando su primer vocalista, Glyn Jones, dejó la banda después de unos meses, Turner tomó el micrófono."[12] Este hecho fue nuevamente reportado más detalladamente en el tabloide británico The Sun, en el cual Jones cuenta que una tarde, después de unos exámenes, estaban aburridos con Alex, así que empezaron a escribir una canción sobre un geek de la clase. Glyn era el cantante principal sólo porque "Alex era muy humilde y no era consciente de su gran voz... pero estaba contento tocando su guitarra."<br /><br />Glyn comentó que no tenía la dedicación de dar un paso más allá - "para mí éramos sólo una pandilla de niños causando problemas debido al aburrimiento."[13] Aunque algunos rumores cuentan que el grupo se puso el nombre de la banda del tío de Helders (o la de su padre), éste lo negó, afirmando que "lo inventamos todo porque mucha gente nos preguntaba [acerca del nombre], así que simplemente empezamos a inventar historias",[14] y que luego no tuvo el valor para reconocer de que estaba mintiendo.[10]<br /><br />Sus primeros ensayos los hicieron en los Estudios Yellow Arch en Neepsend,[15] mientras que su primer concierto fue el 12 de junio de 2003 en The Grapes en Sheffield.[16] Después de unas cuantas presentaciones, empezaron a grabar demos y a grabarlos en CD para regalarlos en los conciertos. Con un número limitado de CD disponibles, los fans comenzaron a ripear la música en sus ordenadores y a compartirla entre ellos. Al grupo no le importó, diciendo que "nunca hicimos esas demos para hacer dinero ni nada. Estábamos regalándolas de todos modos, era la mejor manera de que la gente las escuchara. Eso hizo que los conciertos fuesen mejores, debido a que la gente sabía las letras y cantaba con nosotros."[14] No quisieron responsabilizarse de la difusión de su música, admitiendo que ni siquiera sabían cómo poner sus canciones en Internet.[14] Cuando un periodista de Prefix Magazine les habló sobre la popularidad de la banda en MySpace, los miembros de la banda admitieron que ni siquiera sabían qué era MySpace, y que su página oficial había sido creada por sus fans.<br />Cuando éramos número 1 en los charts en Inglaterra estábamos en las noticias y en la radio. Hablaban sobre cómo Myspace nos había ayudado. Ése es el ejemplo perfecto de alguien que no sabe de qué diablos le están hablando. No teníamos idea de qué se trataba.<br />Arctic Monkeys[14]<br /><br />Comenzaron a ganar popularidad en el norte de Inglaterra,[17] recibiendo la atención de la radio BBC y de los periódicos de Gran Bretaña. Mark "The Sheriff" Bull, un fotógrafo local, grabó los conciertos de la banda e hizo el video musical de "Fake Tales of San Francisco", lanzándolo en su página web,[14] junto con Beneath the Boardwalk - una colección de canciones que recibió su título del club en el que la banda solía tocar a menudo, The Boardwalk. En mayo de 2005, la banda lanzó su primer EP, Five Minutes with Arctic Monkeys, el cual contenía las canciones "Fake Tales of San Francisco" y "From the Ritz to the Rubble". Dicho lanzamiento fue limitado a 500 CD y a 1000 LP, estuvo también disponible para su descarga en iTunes Music Store. Poco después, la banda tocó en la Carling Stage de los Festivales de Reading y Leeds, un festival reservado para bandas poco conocidas o sin disquera. Su aparición estuvo repleta de periodistas y fue recibida por una multitud, mayor a la de otro concierto anterior, además de haber sido aclamada por la crítica.[18] En el concierto el público continuamente estuvo cantando junto a la banda.<br /><br />La banda se resistió a firmar con una discográfica, afirmando que se negaban a cambiar sus canciones según lo que le conviniese a la industria.<br />Antes de que empezara la historia, las discografías dirían, "me agradas, pero no estoy seguro de esta pequeña parte, y de que la canción pueda lidiar con las posiciones en las listas... ." Nunca los escuchamos.<br />Alex Turner[16]<br /><br />El éxito de su estrategia fue ilustrado por series de conciertos con entradas agotadas en el Reino Unido. En octubre de 2005 agotaron las entradas en un concierto en el teatro London Astoria, y Turner vio este hecho como una confirmación de que estaban justificados para ignorar a las compañías discográficas: "una vez que todo empezó, ya nada más importó. En Londres, los niños estaban viendo a la banda, y las compañías discográficas eran testigo de ésto."[16]<br /><br />Aún así, la banda firmó con Domino Records en junio de 2005. La banda estuvo a punto de firmar con otra disquera no revelada, pero finalmente fueron atraídos por la "ética" del dueño de Domino Laurence Bell, quien dirigía la discografía desde su apartamento y sólo contrataba a bandas que le gustaran personalmente.[19] El tabloide inglés Daily Star informó de que esto sucedió en octubre de 2005, después de sendas ofertas de £1,000,000 para un contrato con EMI y de £725,000 para un contrato con Epic Records en Estados Unidos.[20] La banda negó éstos rumores en su página web.<br /><br />Su primer sencillo después de haber firmado con Domino Records, "I Bet You Look Good on the Dancefloor", fue lanzado el 17 de octubre de 2005 y fue directo a la primera posición en el UK Singles Chart, superando a Sugababes, McFly y Robbie Williams en el proceso. Cuatro meses y tres días después hicieron su primera aparición en el semanario New Musical Express. Su segundo sencillo, "When the Sun Goes Down" (anteriormente titulado "Scummy") fue lanzado el 16 de enero de 2006 y también fue directo a la primera posición en el UK Singles Chart, vendiendo 38.922 copias. El éxito de la banda alcanzando la posición número uno sin promoción ni marketing llevó a algunos a pensar que podría significar un cambio en cómo las nuevas bandas podrían alcanzar el reconocimiento en el futuro.[21]<br /><br />Terminaron de grabar su álbum debut en los Chapel Studios en Lincolnshire en septiembre de 2005. Su nombre fue confirmado en diciembre como Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, un título tomado de la película de 1960 Saturday Night and Sunday Morning, con el lanzamiento planeado para el 30 de enero de 2006. Aunque la mayoría de los temas ya estaban disponibles en sus demos, se esperaba que fuera uno de los lanzamientos más grandes de 2006 con miles de copias pre-ordenadas. El 5 de enero de 2006, Domino anunció que el lanzamiento del álbum se iba a adelantar una semana al 23 de enero del mismo año, excusándose en "la alta demanda." Mientras lo mismo ocurría con el lanzamiento de Franz Ferdinand, hubo mucha especulación de que el movimiento se debió a que ya estaban disponibles en la red.[17]<br /><br />Whatever People Say I Am, That's What I'm Not se convirtió en el álbum debut con las ventas más rápidas en la historia de la música británica, vendiendo 363.735 copias en su primera semana,[22] superando al anterior poseedor del récord de 306,631 copias vendidas de Hear’Say llamado Popstars, y vendió más copias en su primer día solo - 118,501 - que el resto del Top 20 combinado.[23]<br /><br />El álbum fue lanzado un mes después en Estados Unidos, vendiendo 34.000 unidades en su primera semana, convirtiéndolo el segundo álbum de estilo indie debut con más rápidas ventas y posicionándose en el número veinticuatro en la lista Billboard.[24] Aún así, las ventas en un año en Estados Unidos no igualaron las de la primera semana en Reino Unido. Los críticos estadounidenses se mostraron más reservados que sus contrapartes británicos, tildándolos de "otro ejemplo de una banda nueva británica aclamada en demasía por la prensa."[25] Aún así, la gira de junio de 2006 en Norte América recibió buenas críticas en cada aparición[26] [27] [28] - "el sobreexceso de atención rodeándolos prueba que existen por una buena razón."[29] Mientras tanto, la revista británica NME nombró al álbum el "5to mejor álbum británico de todos los tiempos".[30] La banda igualó el récord de The Strokes y Oasis en los NME Awards de 2006, ganando tres premios: Mejor Banda Británica, Mejor Banda Nueva, y Mejor Canción para "I Bet You Look Good on the Dancefloor".<br /><br />La banda no tardó en grabar nuevo material y el 24 de abril de 2006 lanzó un EP de 5 canciones titulado Who the Fuck Are Arctic Monkeys?. Fue visto por la crítica como una reacción al exceso de atención que los rodeaba. Por su duración, el EP no pudo posicionarse en las listas como sencillo o álbum. Además, su lenguaje inapropiado tuvo como consecuencia una menor cobertura radiofónica, aunque esto no preocupó a la banda - "desde que hicieron su nombre en Internet, consiguieron un sencillo y un álbum en primera posición, no les importa si no los ponen en la radio."[31]<br /><br />Sin embargo, después del lanzamiento del EP en Reino Unido, la banda anunció que el bajista Andy Nicholson no formaría parte de la siguiente gira por Norte América debido a una "fatiga a causa de una gira intensa."[32] Cuando volvieron a Reino Unido, Nicholson confirmó que empezaba un nuevo proyecto en solitario, y que por ello dejaría Arctic Monkeys. Además del proyecto, dejó la banda porque no podía lidiar con la fama y el éxito que habían cosechado los últimos seis meses. Alex Turner, Jamie Cook y Matt Helders se mostraron tristes ante la situación, razón por la cual decidieron poner un comentario en su página oficial: "Lamentamos informar que Andy no forma más parte de la banda", también confirmaron que Nick O'Malley - ex bajista de la banda de rock The Dodgems, quien entró como bajista temporal para la gira norteamericana, continuaría por el resto del verano.[33] Poco después, Nick O'Malley fue confirmado como miembro de tiempo completo.<br /><br />El primer lanzamiento de Arctic Monkeys sin Nicholson, el sencillo "Leave Before the Lights Come On", vio la luz el 14 de agosto de 2006. Turner comentó que la canción podría estar en el álbum, y que ésta fue una de las últimas que escribió antes de alcanzar la fama.[34] La canción se colocó en la cuarta posición en Reino Unido, convirtiéndose en la primera sin conseguir el primer lugar en las listas - haciendo que Turner se refiera a la canción como "la oveja negra de la familia" en el concierto que la banda ofreció en el festival de Leeds en 2006. La banda se volvió a reunir con Nicholson en el Festival de Reading y allí fue reemplazado de manera formal por O'Malley;[35] aún así, dos semanas después, sólo los tres restantes miembros originales estuvieron presentes en la ceremonia de premiación del Mercury Prize de 2006. Allí Whatever People Say I Am, That's What I'm Not fue premiado como mejor álbum del año.<br /><br />El segundo álbum de la banda, Favourite Worst Nightmare, fue lanzado el 23 de abril de 2007, una semana después del lanzamiento del sencillo "Brianstorm". Alex Turner describió las canciones como "muy diferentes a las de la última vez", añadiendo que el sonido de algunas eran "un poco llenas, un poco de "From the Ritz to the Rubble", "The View from the Afternoon", ese tipo de cosas."[36] En un concierto secreto en Sheffield el 10 de febrero de 2007 se habían presentado 7 canciones nuevas (6 de Favourite Worst Nightmare).[37] Las primeras reseñas del álbum fueron positivas, y lo describían como "muy, muy rápido y muy, muy ruidoso."[38]<br /><br />Mientras tanto, la banda siguió cosechando premios alrededor del mundo, ganando el "Mejor Artista Nuevo" en el PLUG Independent Music Awards en Estados Unidos y "álbum del año" en Japón, Irlanda y Estados Unidos. Además de los premios al "Mejor Álbum" y "Mejor DVD musical" en los NME Awards de 2007,[39] la banda tuvo el orgullo de ganar los premios a "Mejor banda británica" y "Mejor álbum británico" en los Brit Awards de 2008. Por segundo año consecutivo, la banda fue nominada para el anual Mercury Prize, aunque no pudieron igualar lo de 2006, ya que el premio a "Mejor Álbum" se lo llevó Klaxons con Myths of the Near Future.<br /><br />El 29 de abril de 2007, el día en que Favourite Worst Nightmare se colocó en primera posición en el UK Albums Chart, las 12 canciones del álbum se encontraban en el Top 200 del UK Singles Chart, ranqueando desde "Brianstorm" hasta "If You Were There, Beware" en la posición ciento ochenta y nueve. El 27 de abril del mismo año tenían un total de 18 canciones en el Top 200. "Fluorescent Adolescent" y "505" se colocaron en el Top 75, en el número 60 y 64 respectivamente.<br /><br />"Teddy Picker" fue el tercer sencillo del álbum, y fue lanzado el 3 de diciembre de 2007. Antes del lanzamiento, la banda sacó al mercado un número extremadamente limitado de 250 vinilos bajo el pseudónimo The Death Ramps conteniendo dos de los b-sides del sencillo de "Teddy Picker".<br /><br />La banda empezó a escribir y grabar demos para el tercer álbum en enero de 2008, Turner comentó: "En las giras tocábamos siempre seis canciones nuevas, así que las grabamos. Vamos a tomarlo a la ligera, empezar a practicar en verano y hacer material nuevo".[40]<br /><br />El guitarrista Jamie Cook anunció el 2 de julio de 2008 que estaban planeando empezar a escribir el tercer álbum en el transcurso del mes en la casa de Alex Turner en Sheffield. Cook dijo que estaba "emocionado" por comenzar, pero comentó que no sabía qué dirección tomaría la música.[41]<br /><br />Habiendo sido previamente apoyados por Queens of the Stone Age en un concierto en Texas, la banda está grabando material para su próximo álbum con su lider Josh Homme como productor. Las sesiones serán grabadas en el estudio Rancho de la Luna en Joshua Tree, California, donde Homme graba con su proyecto paralelo The Desert Sessions.[42]<br /><br />El 3 de noviembre vio la luz el DVD Arctic Monkeys at The Apollo. El mismo es un film de 76 minutos, del último concierto del tour mundial del 2007, en el Manchester Apollo. Éste cuenta con grandes tomas maestras en 35mm, como si se tratara de una película. La pieza estuvo a cargo de Richard Ayoade (director de Warped Films). La película fue estrenada en cines el 14 de noviembre<br /><br />El 7 de noviembre de 2008, Matt Helders dijo en una entrevista que la grabación del álbum estaría completa para Diciembre, y que la banda estará de regreso en Inglaterra para terminar de mezclarlo.[43]<br /><br />Estrenaron nuevo material en Wellington (Nueva Zelanda), en su primer concierto desde hacía más de un año, el 13 de enero de 2009. Las nuevas canciones que tocaron fueron "Crying Lightning", "Would You Like Me To Build You A Go-Kart?", "Dangerous Animals" y "Pretty Visitors". Ademas tocaron una versión de la canción "Red Right Hand" de Nick Cave. Durante su última gira, la banda tocaron también "Put Me In A Terror Pocket," "Sandtrap," y "The Fire and The Thud".<br /><br />La salida del tercer álbum Humbug ha sido anunciada para el 24 de agosto del año en curso 2009 Producido por Josh Homme en el desierto Maojave y en Los Angeles y también con James Ford en Brooklyn. El nuevo álbum contiene diez nuevas canciones de Arctic Monkeys:<br /><br /> 1. My Propeller<br /> 2. Crying Lightning<br /> 3. Dangerous Animals<br /> 4. Secret Door<br /> 5. Potion Approaching<br /> 6. Fire and the Thud<br /> 7. Cornerstone<br /> 8. Dance Little Lier<br /> 9. Pretty Visitors<br /> 10. The Jeweller's Hand<br /><br />El nuevo álbum estará disponible en CD y en vinilo.<br /><br />La banda ha sido criticada principalmente por la atención que ha recibido de parte de los medios.[44] Los críticos los han descrito como "uno de los tantos en una larga lista con exceso de atención de NME". El lanzamiento del EP Who the Fuck Are Arctic Monkeys a sólo 3 meses de su álbum debut, ha sido criticado por algunos, quienes han visto esto como una muestra de "avaricia", siendo acusados de querer "sacar partido de su éxito".[45] La banda contradijo ésas críticas argumentando que lanzan nueva música regularmente, no para hacer dinero, sino para evitar el "aburrimiento de estar tres años de gira con un solo álbum."[46]<br /><br />La portada de Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, mostrando a Chris McClure, un amigo de la banda, fumando un cigarro, fue criticada por el líder del NHS en Escocia por "reforzar la idea de que fumar está bien."[47] La imagen del CD es una foto llena de cigarros apagados. El representante de la banda comentó lo opuesto: "Puedes ver en la imagen que el fumar no le está haciendo para nada bien."[47]<br /><br />Arctic Monkeys fue parte de una caótica y muy criticada ceremonia en los Brit Awards de 2008, mientras aceptaban su premio de "Mejor grupo británico", hicieron bromas de haber ido a la BRIT School en Croyon.[48] La banda creció en Sheffield y en realidad no asistían a dicho colegio, simplemente estaban ridiculizando a los anteriores ganadores de la noche Adele y Kate Nash, quienes habían agradecido al público y a la escuela en su discurso de aceptación. El discurso fue editado por ITV.<br /><br />Octubre de 2005 fue testigo de su primera aparición en TV inglesa. Tocaron en Popworld el 15, y en E4 Music y Later with Jools Holland el 28. Desde estas apariciones, la banda sorprendió al negarse a concurrir a cualquier otro programa de TV.[50] Continuamente rechazaron ofertas para tocar en el show de BBC Top of the Pops, así como en el programa de ITV CD:UK.<br /><br />La negativa de la banda para asistir a los Brit Awards de 2006 fue vista originalmente como otro rechazo a la televisión, aunque luego aclararon que la ausencia se debió a compromisos previos en el NME Awards Tour. En un discurso grabado de aceptación para el rubro "Best British Breakthrough Act", el que dio las gracias fue un "misterioso quinto miembro".[51] éste era el líder de We Are Scientists, Keith Murray, un amigo de la banda, fue reclutado por la banda para "confundir a la audiencia". A pesar de su hostilidad por aparecer en la televisión de Reino Unido, la banda lo hizo en la TV americana, cuando se presentó en Saturday Night Live el 11 de marzo de 2006 para iniciar con su gira por Estados Unidos, cuyas entradas, en ese entonces, ya estaban agostadas. La banda tocó dos temas: "I Bet You Look Good on the Dancefloor" y "A Certain Romance", y curiosamente el bombo tenía escrito la palabra "ASBO".<br /><br />En febrero de 2007 la banda no concurrió a la ceremonia de Brit Awards de 2007, debido a que ese mismo día se encontraban grabando el video de su nuevo sencillo "Brianstorm". Aún así fue reportado por los medios como un segundo "rechazo" a la ceremonia. Helders le dijo a BBC 6 Music:<br />Vamos a filmar el video ese día, así que no estaremos en ningún lugar cerca de ahí. No lo hemos cancelado, sólo somos chicos ocupados alistándose para salir de gira otra vez.<br />Matt Helders[52]<br /><br />Igualmente se alzaron con dos galardones: "Mejor Banda Británica" y "Mejor Disco Británico". La banda mandó un video de discurso de aceptación, vestidos como personajes de El Mago de Oz y de Village People.[53] La banda también apareció en varios shows nocturnos como Late Night with Conan O'Brien, Late Show with David Letterman, Jimmy Kimmel Live! y Later with Jools Holland.<br /><br />En febrero de 2008 asistieron a la ceremonia de los Brit Awards de 2008, donde ganaron los premios "Mejor Disco Británico" para Favourite Worst Nightmare y "Mejor Banda Británica". También fueron nominados para "Mejor Performance Británica en Vivo" pero perdieron contra Take That.<br /><br />Estilo musical<br /><br />Las principales influencias musicales de Arctic Monkeys son The Beatles, Oasis, The Stone Roses, The Jam, The Libertines, The Smiths, Paul Weller, Ian Brown David Bowie y The Strokes.<br /><br />Las letras de las canciones de Arctic Monkeys frecuentemente hablan de la realidad social, como por ejemplo "A Certain Romance", la cual describe a la cultura indie; observaciones sobre la vida de la clase obrera, como en el tema "When the Sun Goes Down", descrita como una "canción ingeniosa e intensa acerca de la prostitución en el distrito de Neepsend de Sheffield."[6] Basados en su estilo musical, Arctic Monkeys han sido comparados con músicos como el rapero Mike Skinner, Morrissey y Jarvis Cocker,[6] conocidos por sus combinaciones de letras observacionales y humor. La inspiración principal de Arctic Monkeys viene de Francisco Canton, un viejo amigo que está con ellos desde el comienzo y a su vez es quien ayuda a escribir las canciones.[7]<br /><br />El vocalista principal, Alex Turner, canta con un fuerte acento Yorkshiro. Éste se caracteriza por la contracción de "something" (algo) a "summat", también el uso de "dun't" y no "don't (no), el uso de "were" en lugar de "was" (fue), el reemplazamiento de "anything" (todo) y "nothing" (nada) por "owt" y "nowt", y el uso de argot inglés como "mardy" para "malhumorado, difícil, imprevisible."[54] Sus canciones también incluyen referencias a la cultura popular oscura y común; Whatever People Say I Am, That's What I'm Not hace referencias a Romeo y Julieta, "Roxanne" de The Police, y Frank Spencer.<br /><br />En los conciertos, la banda es más bien conocida por el apoyo y participación del público que por el uso excesivo de efectos de luz y fuegos artificiales. Los fans frecuentemente se unen al comienzo de "When the Sun Goes Down", cantando la introducción completa.[55] Sus conciertos en vivo han sido criticados por algunos críticos. Por ejemplo, NME comparó su concierto en el Reading Festival en 2006 desafortunadamente con el de Muse, quien tocó después de ellos, usando múltiples fuegos artificiales y efectos de luz, argumentando que "en contraste con el concierto destellante, humeante, y lleno de fuegos artificiales de Muse, Arctic Monkeys simplemente entró sin siquiera tener la cortesía de bajar el telón".[55]<br /><br />Arctic Monkeys fue la banda principal en el Festival de Glastonbury el 22 de junio de 2007, durante su aparición en vivo, la banda tocó con Dizzee Rascal y versionaron la canción de Shirley Bassey "Diamonds Are Forever".[56] La banda también tocó en un largo concierto en el Castillo de Malahide en Dublín el 15 de junio de 2007, con una segunda fecha añadida al día siguiente como respuesta a la alta demanda.[57] La banda también hizo una aparición en el Austin City Limits Music Festival en septiembre de 2007. También tocaron 2 días seguidos en la Cardiff International Arena el 19 y 20 de junio de 2007 apoyados por sus amigos locales, Reverend and the Makers. La banda también tocó 2 veces en el Alexandra Palace el 8 y 9 de diciembre de 2007. Fueron apoyados por The Rascals y The Horrors, también hubo una aparición sorpresa de Dizzee Rascal.<br /><br />En política<br /><br />La popularidad de Arctic Monkeys en Reino Unido, especialmente entre la gente joven, ha llevado a políticos y periodistas a mencionarlos en sus discursos y textos. En mayo de 2006, el entonces Ministro de Hacienda británico Gordon Brown mencionó en una entrevista, con la revista New Woman, que los escuchaba todos los días - "realmente te despiertan en la mañana",[58] aunque en otra entrevista fue incapaz de nombrar alguna de sus canciones.[59] En posteriores entrevistas Brown aclaró que él no había dicho que le gustaba la banda - "yo simplemente dije que te despiertan en la mañana".[60] En un discurso en la Labour Party Conference de 2006 sobre el riesgo del calentamiento global, bromeando dijo que estaba "más interesado en el futuro del círculo polar ártico (Arctic Circle) que de los Arctic Monkeys."[61] El líder del Partido Liberal Demócrata de Reino Unido Menzies Campbell también mencionó a la banda en la Conferencia Liberal Demócrata de 2006, diciendo que habían vendido más discos que The Beatles,un comentario que causó mucha burla por parte de los medios.<br /><br />Discografía<br /><br /> * Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (2006)<br /> * Favourite Worst Nightmare (2007)<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/hluQ9p2mcYM&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/hluQ9p2mcYM&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-7475758283217574262009-06-16T20:11:00.000-07:002009-06-16T20:21:00.194-07:00Black Sabbath<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFIMJ3SsjX77gYbOs6vPmFndE2HOuUVLf6ZJONS4eitL8SxMN_IA4oti6Bb_6NoxB1ZsQBpd5f1uNy4jAQ9UCwDEI3uBL3xZ3uhhCienX88GtjWlD3J0aSUUnvuT596c6CyGNlvsLYBJDP/s1600-h/black_sabbath_black_and_white.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 235px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFIMJ3SsjX77gYbOs6vPmFndE2HOuUVLf6ZJONS4eitL8SxMN_IA4oti6Bb_6NoxB1ZsQBpd5f1uNy4jAQ9UCwDEI3uBL3xZ3uhhCienX88GtjWlD3J0aSUUnvuT596c6CyGNlvsLYBJDP/s320/black_sabbath_black_and_white.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5348131041410043298" /></a><br />Black Sabbath es un grupo británico de heavy metal formado en 1967 en Birmingham (Inglaterra). Fue compuesto inicialmente por Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward.<br /><br />El amplio legado que dejó Black Sabbath hacia la ruptura a finales de la década del 70, no ha pasado desapercibido. Tanto así que bandas de la talla de Motörhead, Judas Priest, Iron Maiden, Pantera, Megadeth, Slipknot, Slayer y Metallica, principalmente, comentan haber tomado ese heavy oscuro, opresivo, duro y que a todas luces, ya desligaba de sus contemporáneos. Sus composiciones que entornaban atmósferas siniestras y demoníacas, anuncios apocalípticos, hicieron que Black Sabbath quedara relevado a un segundo plano ante la masiva popularidad de sus contemporáneos Led Zeppelin o Deep Purple. Pero el legado del Metal Sabbath ejercieron un poderoso magisterio sobre la mayoría de artistas y grupos en las subsiguientes décadas (Iron Maiden y Judas Priest en mayor grado), al tiempo que aportaba características que se convertirían en definitorias del heavy metal. Evidencia de ello son los covers de estas últimas.<br /><br />En la actualidad, Ozzy Osbourne adquirió los derechos de Black Sabbath.<br /><br />Black Sabbath se formó en Aston, Birmingham, Inglaterra en 1968 bajo el nombre de Polka Tulk Blues Band, luego "Earth Blues company", y más tarde Earth.[2] [3]<br /><br />Earth manejó en un ambiente oscuro con su bajista Geezer Butler, un admirador de las novelas de magia negra de Dennis Wheatley. Geezer Butler escribió la canción Black Sabbath después de conseguir un libro oculto en latín y Butler tuvo una visión de una figura negra sentada en la esquina de su cama y le dijo a Ozzy de su visión. (from VH1 Black Sabbath Documentary)". Cerca de 1969, se encontró confundida con otra banda local llamada Earth. Después de ser llamada para hacer un concierto, encontraron al manager de la errónea Earth. Tony Iommi dijo que "nosotros morimos ahí" en su entrevista con The Last Supper. Como resultado, adoptaron el nombre de la canción para su banda.[4]<br /><br />El grupo encontró su asignatura en un accidente. Cuando el grupo estaba grabando en un estudio, situado detrás de un cine de películas de terror, Osbourne llamó a Tony Iommi (vídeo referente: Don't Blame Me) le dijo al resto de la banda que era raro que la gente pagara para ver algo que les asustaría. Así, la banda comenzó a escribir canciones oscuras, canciones que servirían de respuesta para las películas de terror, y en rebelión hacia el pop alegre de los sesentas. En un documental de VH1 acerca de la banda, Osbourne renombró las letras de canciones en una radio amiga de pop del momento, "si tú siempre vas a San Francisco, siempre vas a tener una flor sobre tu cabello..." (ver: Scott McKenzie) - "deja eso" dijo él, "Deja eso y poseamos a la gente."<br /><br />A par con su nuevo sonido heavy y el estado anticuado de Osbourne, la banda encontró el momento para grabar su primer álbum, Black Sabbath, publicado en 1969. Ellos lo grabaron con Warner Bros. Records para Estados Unidos y Canadá, y con Vertigo Records para el resto del mundo. Ellos grabaron el álbum Paranoid, en 1970, pero siempre prestaron atención en américa y en Gran Bretaña. La canción "War Pigs" fue escrita en protesta por la Guerra de Vietnam y originalmente estaba planeado ponerle ese nombre al álbum. La banda grabó "Paranoid" a último momento sólo como agregado del disco. La canción terminó poniéndole nombre al disco y fue el primer single que salió al aire en las radios.[5]<br /><br />Otra innovación fue el producto de un accidente. Tony Iommi se lastimó dos dedos en su mano cuando trabajaba en una fábrica de metales. Inicialmente, se puso prótesis de plástico de una botella de detergente. Los dedos lesionados eran inestables y no podía tocar, por lo que Iommi modificó su guitarra Gibson a un standard E a C# (iniciando en su tercer álbum, Master of Reality). La tensión reducida de las cuerdas lo ayudó a tocar con la parte lesionada de sus dedos. Butler modificó su bajo afinado para parecerlo a la guitarra de Iommi. Las modificaciones le dieron un sonido más oscuro a la música de la banda.<br /><br />Black Sabbath editó otro álbum en 1971, Master of Reality. Ese fue el primer disco en mostrar más material acústico. Esa fue otra "mirada" hacia el estilo de Black Sabbath, heavy y dark. Agregaron más variaciones en el momento de lanzar Black Sabbath, Vol. 4 en 1972. Protagonizando la balada "Changes" (conteniendo solo vocal, bajo, piano y mellotron) y temas de hard rock como "Supernaut" y "Snowblind" (incluyendo cuerdas), Black Sabbath, Vol. 4 fue el disco más maduro de la banda.<br /><br />Para 1973, el grupo tenía suficiente popularidad, y la banda más atractiva en los escenarios. Su nuevo álbum, Sabbath Bloody Sabbath, tuvo a la banda trabajando con el teclista de Yes, Rick Wakeman en las sesiones. Asociado con el nombre, el álbum contiene una canción de rock espacial titulado "Spiral Architect", y la canción de rock progresivo titulada "A National Acrobat".<br /><br />Hacia 1974 los integrantes de la banda eran constantes consumidores de drogas, en especial Osbourne y Ward que tomaron LSD "todos los días durante dos años". El cambio de casa discográfica significó un cambio abrupto en los componentes de Black Sabbath y en el siguiente álbum que la banda grabó con Warner Bros. Sabotage fue grabado en 1975, disco que consagro a la banda con singles como "Hole In The Sky", "I'm Going Insane", "Megalomanía", estando ya hacia finales de 1976 en el topes de las listas de UK/E.E.U.U. con el Single "Symptom of the Universe". Este disco, producido por Mike Butcher, además de ser un precedente para la generación Thrash de la década del 80 (alusión hecha por James Hetfield), logra consiliar una perfecta interacción entre sus componentes, ya que por el corte medieval de "Megalomanía", "The Writ", "The Thrill Of It All" y la épica "Supertzar", anticipaban por completo el trabajo hecho por Blackmore/Dio en Rising de Rainbow. Sabotage destaca además por la fuerte presencia de Tony Iommi en la composición y también en la producción, agregando arreglos de EnglishChoirs, proporcionados por un Mellotrón (tocado por Gerald Woodruffe), Arpas y otros efectos y detalles técnicos que sin lugar a dudas, le otorgaron a Sabotage una atmósfera inigualable y constituyen otro más de sus adelantos compositivos a la época. Paralelamente a ello, comienzan a vislumbrarse conflictos al interior de la banda, principalmente por la fuerte adicción a las drogas de Ozzy Osbourne como también la excentricidad de éste hacia sus compañeros.<br /><br />Technical Ecstasy (1976) fue el siguiente trabajo, el cual coincide con que el grupo había caído en una cierta autocomplacencia. El álbum fue grabado con orquestas sinfónicas, tranquilas canciones interpretadas por el batería Bill Ward en "It's Alright" siguiendo un pedido de Osbourne durante las sesiones de grabación. Este disco le brindo a la banda innumerables y despiadadas críticas en la época, pero igualmente los singles "Dirty Women", "Rock 'n' Roll Doctor" tuvieron cierto éxito en las listas americanas. Después del tour de 1977, Osbourne se desliga de la banda temporalmente, por lo cual hay varias canciones interpretatdas por el cantante Dave Walker, formado en Savoy Brown. Este disco editado y publicado en 1976 constituye uno de los más inventivos y originales álbumes de estudio de Black Sabbath, refutando la impresión de la poca creatividad en estos años. Walker formó parte de las sesiones de grabación de la banda cantando canciones largas con letras severas. Esta versión de los Sabbath se dio a conocer en la canción "Junior's Eyes" en el programa de la BBC: 'Look Here!' (mira aquí!), en enero de 1978.<br /><br />Osbourne reaparece en la banda y comienza a trabajar en el próximo álbum. Never Say Die aparece en septiembre de 1978, en el cual desprende la parte más experimental de la conformación original, el álbum contenía muchos elementos de jazz, synth-pop y blues, pero comparado con el anterior disco, era de notoria menor calidad. El abandono de Ozzy Osbourne se hace efectivo tras la edición de Never Say Die, y tras la actuación en el décimo aniversario de Black Sabbath, registrado en película con el nombre de 10 Years Of.... Black Sabbath Anniversary, editado actualmente en DVD como Black Sabbath Never Say Die!.<br /><br />Osbourne fue expulsado de la banda oficialmente en 1979, comentando en una entrevista en la que dio a conocer (encontrado en el tema bonus The Ozzman Cometh) que abandonó la banda por problemas de adicción. El hecho de la expulsión de cierta forma le vino a benificiar a Ozzy ya que alentado por su esposa Sharon (Hija del entonces manager de Black Sabbath Don Arden) le convence de seguir adelante como solista; su nueva banda se llamaría Blizzard of Ozz. Para ello convocaría al guitarra llamado Randy Rhoads ex-Quiet Riot.<br /><br />El cantante de Rainbow, Ronnie James Dio participaría en el siguiente álbum de Black Sabbath, Heaven and Hell, fue el suceso que revitalizó la banda desde el álbum de 1975 Sabotage. Y fue en este tour que Dio popularizó el gesto mano cornuta, que se convirtió en un gesto que define al heavy metal en general. El álbum también tiene la inclusión del guitarrista y teclista de Quartz, Geoff Nicholls en sesiones musicales (Nicholls nunca fue un miembro oficial del grupo, y generalmente toca en shows en vivo como invitado, pero co-escribió muchas canciones y estuvo en la reencarnación en 2001). También durante el tour, el baterista Bill Ward se fue de la banda por problemas personales (Sus dos padres murieron dentro de un corto plazo, y Ward cayo en el alcoholismo y otras adicciones).<br /><br />El baterista Vinny Appice fue elegido para terminar el tour y grabar el siguiente disco, Mob Rules, la canción a la que se debe su título apareció en la película Heavy Metal. Después, la canción aparecida en la película y en su soundtrack es una versión alternativa que apareció en Mob Rules.<br /><br />Por el receso en 1980 con el álbum en vivo Live at Last (Grabado en la era de Osbourne durante 1973 en el tour Sabbath, Bloody Sabbath) pronto la banda grabó un álbum en vivo durante el tour Mob Rules, titulado Live Evil. Durante el mezclado de Live Evil, Iommi y Butler por un lado, y Dio y Appice por el otro, se acusaron mutuamente de querer llevarse el protagonismo en la banda, razón por la cual Dio renuncia a Black Sabbath llevandose a Vinnie Appice a su futura banda solista, DIO (Revista Epopeya #8, noviembre de 1997)<br /><br />Black Sabbath vuelve a la escena en 1983, con el disco Born Again e Ian Gillan en las vocales. No sólo esta alineación resultó sorpresiva para muchos, también el hecho de que durante la gira se incluyera la canción Smoke on the Water. Gillan se separó amistosamente de la banda debido a la reunión de Deep Purple en 1984.<br /><br />Después de la salida de Ian Gillan, Black Sabbath pasó por un periodo de dificultades y múltiples ajustes en la alineación. Particularmente, entre los vocalistas considerados pueden mencionarse David Donato y Jeff Fenholt. Este último grabó un demo para el disco Seventh Star, que no es oficialmente un disco de Black Sabbath, sino un disco solista de Tony Iommi que, debido a presiones de la disquera, fue titulado "Black Sabbath featuring Tony Iommi". El cantante oficial fue otro ex integrante de Deep Purple: Glenn Hughes. En los créditos del disco puede observarse que Iommi fue el único miembro original de Sabbath. Poco después de haber iniciado la gira, Hughes fue despedido debido a sus problemas con las drogas y Ray Gillen la concluyó.<br /><br />Ray Gillen grabó el demo del que sería el próximo disco de Black Sabbath, que no vio la luz con su voz debido a diferentes discusiones con Tony Iommi, que derivaron en su salida del grupo junto con Eric Singer para formar Badlands. Fue en 1987 que Iommi consiguió reformar a Black Sabbath, con Tony Martin en las vocales. Graban por fin The Eternal Idol (1987). Posteriormente se incorpora Cozy Powell, quien participaría en Headless Cross (1989) y Tyr (1990). Después de este disco, Sabbath sufre nuevos ajustes debido a la reunión con Ronnie James Dio en 1992.<br /><br />En 1992 se reúne la alineación de Heaven and Hell, Mob Rules y Live Evil: Iommi, Butler, Dio y Appice. Graban el disco Dehumanizer y realizan una gira. Sin embargo, nuevamente las diferencias son motivo de separación.<br /><br />Sabbath convoca de nueva cuenta a Tony Martin, con quien graban Cross Purposes en 1994, con Bobby Rondinelli en la batería. De la gira de este disco surge Cross Purposes Live. Cabe señalar que originalmente se trataba de un proyecto de Iommi y Butler, pero de nueva cuenta las presiones de la discográfica obligaron a presentarlo como un disco de Black Sabbath. En 1995 aparece Forbidden, último disco en estudio de Black Sabbath.<br /><br />En el verano del 1997, en la fiesta de rock de Ozzy Osbourne, Ozzfest, la banda se reunió oficialmente; Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward volvieron a tocar juntos como Black Sabbath (Si bien ya habían habido algunas reuniones, como la de Geezer Bulter junto a Ozzy, para discos en solitario, como ser el disco Ozzmosis, por ejemplo). Lo que parecía una gira de reunión se convirtió en casi 10 años de giras juntos. La banda no solo grabó discos compilados en esa época, por su vuelta a escena, tal como es el caso de "Sympton of the universe: the original Black Sabbath", sino que, en 1998 grabaron, el famoso disco que se titularía simplemente Reunion, el cual es un disco doble en vivo, tocando sus mayores éxitos; pero que, aparte tendría 2 novedades: "Psycho Man" y "Selling My Soul", dos canciones que marcarían la vuelta a estudio de la banda. Estas dos canciones (al igual que el disco completo) fueron un éxito, no solo comercial, sino entre los fans. Pero la exitosa reunión no terminaría ahí, casi como si fuera a propósito, aprovechando la reunión, el Salón de la Fama del Rock, en el 2006, junto a otras bandas como Sex Pistols ingresa a Black Sabbath, con su formación original, obligando una nueva unión de los metaleros.<br /><br />n el 2006 Ozzy y Bill se separarían nuevamente de la banda, tras su exitosa reunión, para trabajar en solitario. Esto marcaría el regreso de Dio a la banda, pero no sería tan sencillo. Tony Iommi, tras la junta de la formación original, y la entrada de la banda al Salón de la Fama del Rock, decidiría no seguir con el nombre de Black Sabbath en su gira con Dio, y mientras Ozzy no participara de la banda, sorteándose así también, unos cuantos posibles problemas legales con el cantante. El nuevo nombre para la nueva banda sería Heaven and Hell, del cual solo Iommi y Geezer serían integrantes originales de Black sabbath, ocupando Dio las vocales y Vinny Appice la batería y percusiones. El nombre de la banda se debe al álbum "Heaven and Hell", el cual fue el primero de Black Sabbath con Ronnie James Dio. La banda hizo una gira y posteriormente saco un disco en vivo titulado Live from Radio City Music Hall que se compondría totalmente de canciones de la época de Black Sabbath junto a Dio.<br /><br />Discografía <br />Álbumes de estudio<br /><br /> * Black Sabbath (1970)<br /> * Paranoid (1970)<br /> * Master of Reality (1971)<br /> * Black Sabbath Vol. 4 (1972)<br /> * Sabbath Bloody Sabbath (1973)<br /> * Sabotage (1975)<br /> * Technical Ecstasy (1976)<br /> * Never Say Die! (1978)<br /> * Heaven and Hell (1980)<br /> * Mob Rules (1981)<br /> * Born Again (1983)<br /> * Seventh Star (1986)<br /> * The Eternal Idol (1987)<br /> * Headless Cross (1989)<br /> * Tyr (1990)<br /> * Dehumanizer (1992)<br /> * Cross Purposes (1994)<br /> * Forbidden (1995)<br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/8ruL7LzTFv0&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/8ruL7LzTFv0&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-8568783083467307602009-06-14T22:04:00.000-07:002009-06-14T22:58:44.428-07:00The Killers<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIy4LbfS9CvvYWvy-C2pYwQWrAPgI3PzSECuOojpD5GkkOZhyphenhyphenc5Rkpzo8PdosJJum3nXG7ICCDQ2LZL0r2HxHSt1rRqjT3s8mDqdCgvezBBJyeOPXu-1VvbIWlVC28ny_MuZtMWX0JnIDz/s1600-h/the-killers.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 222px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIy4LbfS9CvvYWvy-C2pYwQWrAPgI3PzSECuOojpD5GkkOZhyphenhyphenc5Rkpzo8PdosJJum3nXG7ICCDQ2LZL0r2HxHSt1rRqjT3s8mDqdCgvezBBJyeOPXu-1VvbIWlVC28ny_MuZtMWX0JnIDz/s320/the-killers.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5347427988373717506" /></a><br />The Killers es un grupo musical estadounidense formado en Las Vegas, Nevada. El grupo se formó en 2002 y consta de cuatro miembros: Brandon Flowers (voz y teclado), Dave Keuning (guitarra y voz), Mark Stoermer (bajo y voz) y Ronnie Vannucci Jr. (batería y percusión) con Ray Suen proporcionando ayuda ocasional en eventos en vivo.<br /><br />Caracterizados por combinar estilos de música de los años 1980 y 1990 con música contemporánea, The Killers lanzó su álbum debut, Hot Fuss, en 2004. Su segundo álbum, Sam's Town, fue lanzado en 2006 seguido al año siguiente por un álbum de recopilaciones, llamado Sawdust, el cual contiene principalmante lados-B y otros temas. Entre sus primeros dos álbumes de estudio vendieron alrededor de 12 millones de copias a nivel mundial. Su tercer disco de estudio titulado Day and Age fue lanzado en 2008 con la producción de Stuart Price.<br /><br />En 2001, Brandon Flowers fue abandonado por su primer grupo, una banda de synth pop conocida como Blush Response, después de que se negó a mudarse con el resto de los integrantes a Los Ángeles, California. Entonces conoció a David Keuning al responder a una solicitud que Keuning había puesto en el periódico "The Sun". Flowers y Keuning les propusieron a Ronnie Vannucci Jr. y Mark Stoermer que se unieran a "The Killers", nombre que viene de la batería de una banda ficticia en un video de New Order, de su canción Crystal.<br /><br />En un principio, The Killers se presentaban en grandes clubs de Las Vegas, Nevada. Con la alineación estable de la banda y su repertorio de canciones expandiéndose, la banda comenzó a atraer la atención de productores talentosos, gerentes locales, discográficas, — y un representante británico para la Warner Bros. Aun cuando el representante terminó sin darle importancia a la banda, se quedó con la demo, y se la mostró a un colega que trabajaba para la discográfica Lizard King. The Killers firmaron ese verano con la compañía británica.<br /><br />Hot Fuss <br /><br />Lanzaron su álbum debut, Hot Fuss, el 7 de junio de 2004 con la discográfica indie Lizard King situada en Londres (ahora Marrakesh Records), y el 15 de junio en los EE.UU.. Hot Fuss ha sido clasificado con 4x Platino por la BPI y 3x Platino por RIAA. La banda también tuvo éxito en las listas con sus sencillos Mr. Brightside, que alcanzó el Top 10 en el Reino Unido cuando fue lanzado, y All These Things That I've Done que fue usado para un comercial de TV de Nike basado en las olimpiadas. Sin embargo, su mayor hit vino cuando lanzaron la re-edición de Somebody Told Me el cual llegó al #3 de las listas de éxitos.<br /><br />Sam's Town <br />The Killers en unos de los conciertos del tour Sam's Town<br /><br />El segundo álbum de The Killers, Sam's Town, fue lanzado el 2 de octubre de 2006, en el Reino Unido, y el 3 de octubre en EE.UU., con la compañía Island Def Jam Music Group . Brandon Flowers dijo que Sam's Town será "uno de los mejores álbumes de los últimos 20 años" y aunque el álbum ha recibido críticas mixtas de parte de los medios y de los fans, se ha mantenido con un estátus popular. El primer sencillo de Sam's Town, When You Were Young, debutó en las estaciones de radio el 26 de julio, 2006. El sencillo entró entonces a la tabla de descargas en el #5, y la siguiente semana, en su lanzamiento oficial al #2 en la tabla de sencillos del Reino Unido. Su segundo sencillo, Bones, el siguiente video de la banda, fue dirigido por Tim Burton. Para promocionar Sam's Town, la banda regresó como invitado principal para la premiere de la temporada #32 de Saturday Night Live el 30 de septiembre, de 2006, donde tocaron When You Were Young y Bones. El álbum vendió 700,000 copias en todo el mundo en su primera semana, debutando en el #2 en Billboard. Hasta el momento, The Killers han producido 4 sencillos del álbum: When You Were Young lanzado en septiembre, Bones en noviembre, Read My Mind en febrero, y For Reasons Unknown en junio.<br /><br />The Killers grabó sesiones en vivo en Abbey Road el 29 de noviembre de 2006. El resultado fue un set casi totalmente unplugged, el cual incluía una versión del hit de Dire Straits, Romeo and Juliet. En febrero de 2007, The Killers acudieron a los premios británicos, donde tocaron When You Were Young. La banda ganó dos premios - Grupo Internacional y Álbum Internacional.<br />Brandon Flowers en un concierto de Las Vegas<br /><br />Sawdust <br /><br />Sawdust es un disco de recopilaciones de caras-B, rarezas, versiones y remezclas, que fue lanzado en varios mercados entre el 9 y el 13 de noviembre de 2007. El álbum se anunció por primera vez en una entrevista con Brandon Flowers a finales de agosto de 2007, y la revista de Rolling Stone reveló el nombre del disco de recopilación en la "Sección de fumar" del 6 de septiembre de 2007.<br /><br />Contiene 18 canciones, entre las cuales se encuentran 2 canciones nuevas, 1 cover de Joy Division, 2 canciones no lanzadas antes, 11 recopilaciones, 1 remix, y una canción escondida.<br /><br />Day and Age <br /><br />Day and Age es el cuarto álbum de estudio de la banda. El título fue confirmado en una entrevista con NME en el festival de Reading and Leeds con Brandon Flowers. El primer sencillo del álbum tiene como nombre "Human", y fue lanzado el 30 de septiembre de 2008. El álbum salió a la venta el 25 de noviembre del año, (24 de noviembre en el Reino Unido) de acuerdo con DirectCurrentMusic.com.<br /><br />Flowers declaró sobre este disco que aún no hay un concepto claro para el cuarto álbum. Flowers también declaró que estaba emocionado por tocar su nueva canción "Tidal Wave", influenciada por Drive-In Saturday de David Bowie y I Drove All Night de Roy Orbison. El trabajo en el álbum ha sido hecho de forma internacional, con las demos mandadas desde Las Vegas a Stuart Price en el Reino Unido, quien después discute con la banda acerca de su trabajo. La canción "Human" también fue tocada en los "MTV Europe Music Awards Liverpool 2008"<br /><br />Miembros <br /><br />Los miembros de la banda son:<br /><br /> * Brandon Flowers, vocalista y teclado<br /> * David Keuning, guitarra.<br /> * Mark Stoermer, bajo.<br /> * Ronald Vanucci Jr., batería.<br /><br />Controversia <br /><br />Desde que recibieron platino, la banda (y principalmente Brandon Flowers) ha iniciado ciertas rivalidades - más notablemente con The Bravery y Fall Out Boy, los cuales son por cierto compañeros de discográfica (Island Records). Flowers comentó que estas bandas, especialmente The Bravery, están compitiendo con la popularidad de The Killers. Adicionalmente, en un artículo de NME, Flowers declaró que Fall Out Boy estaba malgastando las ganancias de A&R (Siglas de Artist & Repertorie). Esto hizo enojar al bajista de Fall Out Boy, Pete Wentz. Sin embargo, después de que Wentz hizo varias declaraciones en su blog en septiembre de 2005, ofreció una tregua. Desde entonces, Flowers se disculpó con The Bravery, Fall Out Boy, y Panic at the Disco, diciendo "Me gustaría retirar lo que dije. Esas personas sólo están haciendo lo que les gusta hacer, como yo", y dijo que "no estaba orgulloso" de sus declaraciones anteriores.<br /><br />Discografía <br />Artículo principal: Discografía de The Killers<br /><br /> * 2004: Hot Fuss.<br /> * 2006: Sam's Town.<br /> * 2007: Sawdust.<br /> * 2008: Day and Age.<br /><br />Videografía <br /><br /> * Mr. Brightside - Versión para el Reino Unido<br /> * Somebody Told Me - Dirigido por Brett Simon<br /> * All These Things That I've Done - Versión para el Reino Unido<br /> * Mr. Brightside - Segunda versión; dirigido por Sophie Muller<br /> * Smile Like You Mean It - Versión para el Reino Unido<br /> * All These Things that I've Done - Segunda versión; dirigido por Anton Corbijn<br /> * When You Were Young - Dirigido por Anthony Mandler<br /> * Bones - Dirigido por Tim Burton<br /> * A Great Big Sled<br /> * Read my Mind - Dirigido por Diane Martel<br /> * For Reasons Unknown<br /> * Shadowplay<br /> * Tranquilize (ft. Lou Reed)<br /> * Don't Shoot Me Santa<br /> * Human<br /> * Spaceman<br /> * The World We Live In<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/7uMolYARezE&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/7uMolYARezE&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-25597615979442408542009-06-14T21:57:00.000-07:002009-06-14T22:03:53.072-07:00The Kinks<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYjecwFm75FRqdn7zDwbxsDXRdUD7IgnMh7KaVA5ZWqhGWwyyms45xynv3B39tTnzizVf4vqJrZ0qZhO0PZYvXVWsI_W6DxWl_x-k_ADpHWsZn-e8k3ea2wEN5jVjwVbTilbfa-Q-DRjtI/s1600-h/Kinks.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 314px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYjecwFm75FRqdn7zDwbxsDXRdUD7IgnMh7KaVA5ZWqhGWwyyms45xynv3B39tTnzizVf4vqJrZ0qZhO0PZYvXVWsI_W6DxWl_x-k_ADpHWsZn-e8k3ea2wEN5jVjwVbTilbfa-Q-DRjtI/s320/Kinks.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5347415288421149202" /></a><br />The Kinks fue un grupo musical británico formado en Londres en los años 60 por los hermanos Ray y Dave Davies. Desde sus primeros tiempos estaban muy influidos por el Rock and roll y el Rhythm & blues norteamericanos. En 1964 consiguieron su primer nº 1 en las listas británicas con "You Really Got Me", su canción más emblemática, dándose a conocer como parte de la Invasión Británica en Estados Unidos (nº 7 en Billboard) Esta canción ha permanecido como una de las más significativas de la década de los 60 y su sonido es considerado precursor del Hard rock.<br /><br />La evolución como compositor de Ray Davies, llevó al grupo a una segunda época con un sonido mucho más "británico" y Pop, que les proporcionó éxitos como “Sunny Afternoon” o “Waterloo Sunset”. Sus trabajos en estos años han ejercido gran influencia en movimientos tan distintos como el Glam Rock, el Punk, o la New Wave , a pesar de que, en términos de popularidad y apoyo de su discográfica, siempre estuvieron a la sombra de The Beatles, The Rolling Stones o The Who.<br /><br />En 1970 y tras un período de menor presencia en las listas, alcanzaron su último nº 1 en el Reino Unido con el single “Lola”. Sus problemas con la discográfica Pye les llevó a firmar por RCA, iniciando una fase caracterizada por el rock con tintes teatrales. Debido a la falta de apoyo promocional, el grupo pasó a un segundo plano, sobre todo en su país, lo que hace que se trasladen a los Estados Unidos. Allí firmaron con Arista, discográfica con la que disfrutaron de un nuevo periodo de éxito en el cambio de década y los primeros años 80, éxito que no se volvió a repetir hasta su separación en 1997.<br /><br />Los hermanos Davies crecieron en el barrio de Muswell Hill, en Londres, en una familia numerosa. Ray Davies estudió en el Hornsey College of Art y adquirió experiencia musical como guitarrista en el grupo del Soho Dave Hunt Band, en 1963. El hermano de Ray, Dave, y su compañero de colegio Pete Quaife formaron un grupo y poco después propusieron a Ray que se uniera a ellos. Quaife, igual que los hermanos Davies, tocaba la guitarra, pero decidió pasarse al bajo.<br /><br />En el verano boreal de 1963, el grupo formado por Ray, Dave y Pete Quaife fue bautizado "The Ravens" ("Los Cuervos") e incorporó a un nuevo miembro, el baterista Mickey Willet. Poco después, Willet sería sustituido por Mick Avory, quien había tocado anteriormente con otro grupo que estaba en sus comienzos, los futuros Rolling Stones. The Ravens alternaban sus primeras actuaciones bajo este nombre con otras en las que tocaban como banda acompañante del cantante Robert Wace, con el nombre de "Boll Weevils", inspirado en una canción del artista de Rhythm and Blues Bo Diddley.<br /><br />Una maqueta con grabaciones del grupo llegó a las manos del productor estadounidense Shel Talmy, quien convenció a la compañía discográfica Pye Records para que les diese la oportunidad de grabar en un estudio. El grupo firmó un contrato para grabar tres discos sencillos, que la compañía tenía la opción de renovar si los resultados eran satisfactorios. Aunque los Kinks tenían varias canciones propias, escritas por Ray Davies (entre ellas, su futuro gran éxito You Really Got Me), la canción elegida para su primer disco fue una versión del clásico de Little Richard, Long Tall Sally, que poco después tuvo un gran éxito en la versión de los Beatles.<br /><br />Con motivo de su inminente estreno discográfico, Larry Page bautizó al grupo como The Kinks (en traducción aproximada, "los raros") y proveyó a sus integrantes de un llamativo y exótico vestuario, adquirido en Carnaby Street, que el propio Ray Davies describiría después como una mezcla de trajes de Robin Hood con complementos de cuero al estilo de la serie de televisión Los vengadores.[1]<br /><br />El single se publicó en febrero de 1964, acompañado de una intensa campaña publicitaria. El grupo apareció en el programa de televisión Ready Steady Go!, y fotografías de su actuación se publicaron en la influyente revista New Musical Express. No obstante, no se logró el éxito esperado, ya que la canción sólo alcanzó el número 42 en la lista de éxitos de la revista Melody Maker. Dieron varios conciertos dentro y fuera de Londres, y tuvieron un discreto éxito ante el exigente público de The Cavern, el famoso local de Liverpool desde donde los Beatles habían saltado a la fama. Sin embargo, tampoco el segundo sencillo, "You Still Want Me", editado en abril, logró el éxito deseado. Se vendieron 127 copias.[2] La discográfica advirtió al grupo que un tercer fracaso daría al traste con su incipiente carrera.<br /><br />El éxito llegó de la mano del tercer single, "You Really Got Me", un "extraño pero poderoso" tema para la época, que alcanzó el número 1 en las listas en el Reino Unido y estuvo entre los diez primeros en Estados Unidos. La canción, una de las más influyentes en la historia del pop y el rock de los años 60 y 70, se basa en un riff de sólo dos acordes que Dave Davies, según la historia varias veces referida por él y por su hermano Ray, consiguió casualmente cuando conectó agujas de coser a su amplificador. La repetición del riff a intervalos le dio al Rock por primera vez un ritmo de caracter ^machacón*, que sería años después explotado por el Hard Rock, Glam Rock, Heavy Metal y el Punk Rock. Según muchos críticos, You Really Got Me puede considerarse la primera canción de hard rock de la historia. En la grabación del tema intervino también Jimmy Page, futuro guitarrista de Led Zeppelin, pero no tocó la guitarra, sino únicamente la pandereta.<br /><br />El éxito de You Really Got Me convenció a los directivos de Pye Records de que valía la pena confiar en el criterio de Ray Davies. El éxito volvió a sonreír al grupo en su cuarto sencillo, "All Day and All of the Night", también basado en un efectivo riff de Dave Davies, que llegó al número 2 en las listas británicas y al 7 en las estadounidenses.<br /><br />El grupo continuó su ascendente carrera, y en los dos años siguientes editó tres álbumes ("Kinks", en octubre de 1964; "Kinda Kinks" en febrero de 1965; y "The Kinks Kontroversy", en febrero de 1966) y numerosos EPs, al mismo tiempo que realizaban giras interminables, que produjeron tensión en el seno de la banda. A raíz de conflictos con los promotores de la gira por Estados Unidos que realizaron en el verano boreal de 1965, la American Federation of Musicians Union consiguió que se les prohibiese actuar en Estados Unidos durante los cuatro años siguientes, lo que apartó al grupo del mercado norteamericano, el más grande del negocio musical.<br /><br />Tal vez por esto, las canciones de Ray Davies se volvieron más introspectivas, ahondando en la tradición musical inglesa, desde el folk hasta el music-hall y diferenciándose progresivamente del trabajo de los grupos británicos de la época. Estos cambios se hicieron evidentes en las canciones "A Well Respected Man" y "Dedicated Follower of Fashion", del álbum The Kinks Kontroversy, donde Ray demostraba su talento para la observación y el estudio de caracteres y el comentario social. El tema satírico "Sunny Afternoon" fue el mayor éxito del verano boreal de 1966 en el Reino Unido, alcanzando el número 1 de las listas de éxitos.<br /><br /> Época dorada (1966-1972) <br /><br />Tras este breve período de tiempo —verano boreal de 1966— en el que The Kinks "luchó" contra The Rolling Stones por ser la segunda banda británica tras los Beatles y hasta 1972, el cuarteto publicó varios trabajos aclamados por la crítica y con una notable aceptación por parte del público: Face to Face, Something Else, Arthur, Village Green, Lola y Muswell Hillbillies.<br /><br />"Sunny Afternoon" se incluyó en el primero de estos álbumes, Face To Face, un álbum repleto de canciones acerca de la gente común y de la vida cotidiana. "Dead End Street", una canción de contenido social, se editó como single por la misma época, aunque no aparece en el álbum, y alcanzó un importante éxito.<br /><br />En mayo de 1967 regresaron con otra de las grandes canciones de Ray Davies, "Waterloo Sunset" ("Puesta de sol en Waterloo"), una canción sencilla y emotiva en la que el cantante observa a la multitud desde su ventana, y describe el encuentro de dos amantes, Terry y July, en la estación de Waterloo. Davies rechazó la interpretación de que los personajes de la canción fueran en realidad los actores Terence Stamp y Julie Christie. En septiembre se publicó su nuevo álbum, Something Else by The Kinks, que continuaba la línea del anterior Face To Face.<br /><br />A partir de 1972 <br />A mediados de los '70 el lanzamiento de varias óperas rock, no entendidas por buena parte del público, unido al cambio de casa discográfica, se tradujo en un bache para la banda en lo que a ventas se refiere. Se recuperaron algo de éste con una serie de trabajos menores entre 1979 y 1984, gracias a las ventas en Estados Unidos, donde estuvieron vetados hasta finales de los 60 debido a una discusión entre Ray Davies y el director de la federación de músicos americanos.<br /><br />Miembros [editar]<br />(Feb de 1964-Junio de 1966, Nov 1966-1969) <br /><br /> * Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, armónica, teclados, composición<br /> * Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor<br /> * Mick Avory - batería<br /> * Pete Quaife - bajo, voces<br /><br />(Junio-Nov 1966, 1969-1970) <br /><br /> * Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, armónica, teclados, composición<br /> * Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor<br /> * Mick Avory - batería<br /> * John Dalton - bajo, voces<br /><br />(1970-1976) <br /><br /> * Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, armónica, composición<br /> * Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor<br /> * Mick Avory - batería<br /> * John Dalton - bajo, voces<br /> * John Gosling - teclados<br /><br />(1976-1978) <br /><br /> * Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición<br /> * Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor<br /> * Mick Avory - batería<br /> * Andy Pyle - bajo<br /> * John Gosling - teclados<br /><br />(1978) <br /><br /> * Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición<br /> * Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor<br /> * Mick Avory - batería<br /> * John Dalton - bajo, voces<br /> * Gordon John Edwards - teclados, voces<br /><br />(1978-1979) <br /><br /> * Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición<br /> * Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor<br /> * Mick Avory - batería<br /> * Jim Rodford - bajo, voces<br /><br />(1979-1984) <br /><br /> * Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición<br /> * Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor<br /> * Mick Avory - batería<br /> * Jim Rodford - bajo, voces<br /> * Ian Gibbons - teclados, voces<br /><br />(1984-1989) <br /><br /> * Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición<br /> * Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor<br /> * Bob Henrit - batería<br /> * Jim Rodford - bajo, voces<br /> * Ian Gibbons - teclados, voces<br /><br />(1989-1993) <br /><br /> * Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición, teclados<br /> * Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor<br /> * Jim Rodford - bajo, voces<br /> * Bob Henrit - batería<br /> * Mark Haley - teclados, voces<br /><br />(1993-1996) <br /><br /> * Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición<br /> * Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor<br /> * Jim Rodford - bajo, voces<br /> * Ian Gibbons - teclados, voces<br /> * Bob Henrit - batería<br /><br />Discografía <br /><br />Álbumes <br />En estudio (discografía británica)<br /><br /> * The Kinks (Pye, 1964)<br /> * Kinda Kinks (Pye, 1965)<br /> * The Kink Kontroversy (Pye, 1965)<br /> * Face to Face (Pye, 1966)<br /> * Something Else by The Kinks (Pye, 1967)<br /> * The Kinks Are the Village Green Preservation Society (Pye, 1968)<br /> * Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (Pye, 1969)<br /> * Lola versus Powerman and the Moneygoround, Part One (Pye, 1970)<br /> * Percy (Banda sonora) (Pye, 1970)<br /> * Muswell Hillbillies (RCA, 1971)<br /> * Everybody's in Show-Biz (RCA, 1972)<br /> * Preservation Act 1 (RCA, 1973)<br /> * Preservation Act 2 (RCA, 1974)<br /> * Soap Opera (RCA, 1975)<br /> * Schoolboys in Disgrace (RCA, 1976)<br /> * Sleepwalker (Arista, 1977)<br /> * Misfits (Arista, 1978)<br /> * Low Budget (Arista, 1979)<br /> * Give the People What They Want (Arista, 1981)<br /> * State of Confusion (Arista, 1983)<br /> * Word of Mouth (Arista, 1984)<br /> * Think Visual (London, 1986)<br /> * UK Jive (London, 1989)<br /> * Phobia (London, 1993)<br /><br />Directos<br /><br /> * Live at Kelvin Hall (Pye, 1968)<br /> * One for the Road (Arista, 1980)<br /> * The Road (London, 1988)<br /> * To the Bone (Konk, 1994 / Guardian, 1997)<br /><br />Principales Recopilatorios<br /><br /> * The Kinks ("The Black Album") (Pye, 1970)<br /> * The Kink Kronikles (Reprise, 1972)<br /> * The Great Lost Kinks Album (Reprise, 1973)<br /> * The Kink's Greatest - Celluloid Heroes (RCA, 1976)<br /> * Come Dancing with The Kinks - The Best of The Kinks 1977-1986 (Arista, 1986)<br /> * The Album that Never Was (PRT, 1987)<br /> * The EP Collection Vol. 1 & 2 (See For Miles, 1990/91)<br /> * Fab Forty: The Singles Collection 1964-1970 (Charly, 1990)<br /> * Lost and Found (1986-1989) (MCA, 1991)<br /> * BBC Sessions 1964-1977 (Sanctuary, 2001)<br /> * The Ultimate Collection (Sanctuary, 2002)<br /><br />Sencillos <br /><br />(discografía británica)<br /><br /> * "Long tall Sally"/ "I took my baby home" (Pye, 1964)<br /> * "You still want me"/ "You do something to me" (Pye, 1964)<br /> * "You really got me"/ "It's alright" (Pye, 1964)<br /> * "All day and all of the night"/ "I gotta move" (Pye, 1964)<br /> * "Tired of waiting for you"/ "Come on now" (Pye, 1965)<br /> * "Everybody's gonna be happy"/ "Who'll be the next in line" (Pye, 1964)<br /> * "Set me free"/ "I need you" (Pye, 1965)<br /> * "See my friends"/ "Never met a girl like you before" (Pye, 1965)<br /> * "Till the end of the day"/ "Where have all the good times gone" (Pye, 1965)<br /> * "Dedicated follower of fashion"/ "Sittin' on my sofa" (Pye, 1966)<br /> * "Sunny afternoon"/ "I'm not like everybody else" (Pye, 1966)<br /> * "Dead end street"/ "Big black smoke" (Pye, 1966)<br /> * "Waterloo sunset"/ "Act nice and gentle" (Pye, 1967)<br /> * "Atumn almanac"/ "Mr. Pleasant" (Pye, 1967)<br /> * "Wonderboy"/ "Polly" (Pye, 1968)<br /> * "Days"/ "She's got everything" (Pye, 1968)<br /> * "Plastic man"/ "King Kong" (Pye, 1969)<br /> * "Drivin'"/ "Mindless child of motherhood" (Pye, 1969)<br /> * "Shangri-la"/ "This man he weeps tonight" (Pye, 1969)<br /> * "Victoria"/ "Mr. Churchill says" (Pye, 1969)<br /> * "Lola"/ "Berkeley mews" (Pye, 1970)<br /> * "Apeman"/ "Rats" (Pye, 1970)<br /> * "God's children"/ "The way love used to be" (Pye, 1971)<br /> * "Supersonic rocket ship"/ "You don't know my name" (RCA, 1972)<br /> * "Celluloid heroes"/ "Hot potatoes" (RCA, 1972)<br /> * "Sitting in the midday sun"/ "One of the survivors" (RCA, 1973)<br /> * "Sweet lady Genevieve"/ "Sitting in my hotel" (RCA, 1973)<br /> * "Mirror of love"/ "He's evil" (RCA, 1974)<br /> * "Holiday romance"/ "Shepherds of the nation" (RCA, 1974)<br /> * "Ducks on the wall"/ "Rush hour blues" (RCA, 1975)<br /> * "You can't stop the music"/ "Have another drink" (RCA, 1975)<br /> * "No more looking back"/ "Jack the idiot dunce"/ "The hard way" (RCA, 1976)<br /> * "Sleepwalker"/ "Full moon" (Arista, 1977)<br /> * "Juke box music"/ "Sleepless night" (Arista, 1977)<br /> * "Father Christmas"/ "Prince of the punks" (Arista, 1977)<br /> * "A Rock'n'Roll fantasy"/ "Artificial light" (Arista, 1978)<br /> * "Live life"/ "In a foreign land" (Arista, 1978)<br /> * "Black messiah"/ "Misfits" (Arista, 1978)<br /> * "(Wish I could fly like) Superman"/ "Low budget" (Arista, 1979)<br /> * "Moving pictures"/ "In a space" (Arista, 1979)<br /> * "Pressure"/ "National health" (Arista, 1979)<br /> * "Better things"/ "Massive reductions" (Arista, 1981)<br /> * "Predictable"/ "Back to front" (Arista, 1981)<br /> * "Come dancing"/ "Noise" (Arista, 1982)<br /> * "Don't forget to dance"/ "Bernadette" (Arista, 1983)<br /> * "Good day"/ "Too hot" (Arista, 1984)<br /> * "Do it again"/ "Guilty" (Arista, 1985)<br /> * "How are you"/ "Killing time" (London, 1986)<br /> * "Lost and found"/ "Killing time" (London, 1987)<br /> * "The road"/ "Art lover" (London, 1988)<br /> * "Down all the days (till 1992)"/ "You really got me" live (London, 1989)<br /> * "How do I get close"/ "War is over" (London, 1990)<br /> * "Scattered"/ "Hatred (a duet)"/ "Days" (Columbia, 1993)<br /> * "Only a dream"/ "Somebody stole my car" (Columbia, 1993)<br /><br />EP's <br /><br />(no recopilatorios)<br /><br /> * Kinksize Session (Pye, 1964)<br /><br /> 1. "Louie Louie" (Richard Berry)<br /> 2. "I gotta go now"<br /> 3. "Things are getting better"<br /> 4. "I've got that feeling"<br /><br /> * Kwyet Kinks (Pye, 1965)<br /><br /> 1. "Wait till the summer comes along"<br /> 2. "Such a shame"<br /> 3. "A well respected man"<br /> 4. "Don't you fret"<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/dvyDWGF290M&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/dvyDWGF290M&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-59856314940244656772009-06-14T21:48:00.000-07:002009-06-16T20:11:16.233-07:00The Animals<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi53rYerw7-6ifEjhdQ1I-27cTgNJJ_JALHqGViDgYfFttzqWloLRdUehV6pBJVr_qY3coCFz40li19pf3m7BSzo-YutsdeuDXyRRIExFN7j6kDKsyAPTygbfli1Rm7emx05D3N96bYzIpT/s1600-h/animals.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 298px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi53rYerw7-6ifEjhdQ1I-27cTgNJJ_JALHqGViDgYfFttzqWloLRdUehV6pBJVr_qY3coCFz40li19pf3m7BSzo-YutsdeuDXyRRIExFN7j6kDKsyAPTygbfli1Rm7emx05D3N96bYzIpT/s320/animals.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5347413604347142402" /></a><br />The Animals fue un grupo musical británico de los años 60 que adquirió renombre internacional gracias a su estilo de blues eléctrico. Su canción más famosa es The House of the Rising Sun. El grupo estuvo inicialmente formado por Eric Burdon (líder y vocalista), Alan Price (teclados), Hilton Valentine (guitarra), John Steel (batería), y Chas Chandler (bajo).<br />Los integrantes del grupo "The Animals" eran originarios de la localidad portuaria de Newcastle-upon-Tyne en el noreste de Inglaterra. La creación del grupo data del 1962 cuando Eric Burdon se unió a la "Alan Price Rhythm and Blues Combo", que cambió desde entonces su nombre por el de "The Animals". Su música se basaba esencialmente en el blues y rhythm and blues y se dedicaban a hacer versiones de canciones de John Lee Hooker, Sam Cooke, Ray Charles, Nina Simone y Jimmy Reed.<br /><br />Ese mismo año, el grupo gestiona su propio EP y el éxito en su localidad natal fue tan notorio que el mánager de los Yardbirds, Giorgio Gomelsky, los convenció para que se instalaran en Londres en 1964. Durante un tiempo, tocaron en el local propiedad de Gomelsky el "Crawdaddy Club". Fue allí donde conocieron al que sería su productor, Mickie Most. Con él firmaron su primer contrato de grabación, con la disquera EMI. En febrero de 1964, entraron a estudios para grabar su primer sencillo "Baby Let Me Take You Home" (adaptación de la canción de Bob Dylan "Baby Let Me Follow You Down") y que llegó al número 21 de las listas inglesas.<br /><br />Siguió la adaptación de otra canción también interpretada por Dylan, "The House of the Rising Sun", que les llevaría a ser el segundo grupo inglés que consigue el número uno en las listas británicas y americanas (tan solo lo habían hecho antes "The Beatles"). A finales de 1964, se edita su primer LP "The Animals". Durante ese año y 1965, llegaron otros éxitos como "I'm Crying" (nº8 en Gran Bretaña), "Don't Let Me Be Misunderstood" (nº3 en Gran Bretaña) y "We've Gotta Get Out of This Place" (nº2 en Gran Bretaña), a la vez que editan su segundo álbum "Animal Tracks".<br /><br />En mayo de 1965, el teclista Alan Price deja la banda por razones personales y de salud (sobre todo, debido a un pánico a volar) y por la lucha por el liderazgo de la banda entre él y Burdon. Dave Rowberry sería quien sustituiría a Price en los teclados.<br /><br />Pero la situación del resto del grupo tampoco era mucho mejor. Los componentes de la banda empezaban a tener la sensación que su música se estaba transformando en algo demasiado comercial (debido principalmente a las exigencias de Mike Frost y de la propia EMI Music). Es por ello, que a inicios del 1966 rompen su contrato con EMI y con Frost, no sin antes dejar otro éxito como "It's my life", número 7 en las listas británicas y el 23 en las americanas.<br /><br />En 1966, el grupo firma un contrato con la compañía de discos Decca/London Records. Poco antes (en marzo), el batería John Steel dejaría el grupo y sería sustutído por Barry Jenkins. De todas maneras, la salida de Steel sería un preludio de lo que pasaría poco después. Aunque era cierto que editaron su único disco con Decca "Animalism" (junio de 1966) y que paralelamente EMI había lanzado los grandes éxitos de la banda, que fue uno de los más vendidos de la época, el grupo originario tan sólo sobrevivió a la salida de Steel seis meses. "The Animals" se disolvieron en septiembre de 1966.<br /><br />En 1967, Eric Burdon intenta reformar la banda bajo el nombre de “Eric Burdon and The Animals”, que tuvo canciones de éxito moderado como “When I Was Young”, "Monterey" y "San Franciscan Nights", dando un nuevo aire al grupo en plena época de la psicodelia. Este grupo lo formaban, aparte del propio Burdon, Barry Jenkins (batería), John Weider (guitarra y violín), Danny McCulloch (bajo) y Vic Briggs (guitarra). Una formación que sufriría múltiples cambios a finales de 1968, cuando Briggs y McCulloch abandonan la formación y fueron sustituidos por Zoot Money y por el guitarrista Andy Summers (integrante en años posteriores del exitoso trío "Police"). En 1969 publicarían un doble álbum llamado “Love”, con su último éxito “Sky Pilot (Primera Parte)”. Eric Burdon dio fin a esta banda a finales de 1969.<br /><br />Los miembros originales de la banda se volvieron a reunir en 1977 para grabar “Before We Were So Rudely Interrupted” y en 1983 lo hicieron para los discos “Ark” y “Rip It to Shreds”.<br /><br />En 1994, el grupo originario de "The Animals" entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Poco después, en julio 1996, el bajista de la primera formación, Chas Chandler, falleció.<br /><br />En la década del 2000, Burdon ha dado la vuelta al mundo con un grupo de músicos bajo el nombre de "Eric Burdon and the Animals". Durante los 90, Valentine, Steel, y Dave Rowberry también hicieron giras con "(Hilton Valentine's) The Animals" y Valentine y Steel con el nombre de "Animals II".<br /><br />Discografía<br />Edición Británica<br /> * The Animals (Octubre de 1964)<br /><br /> 1.Story of Bo Diddley<br /> 2.Bury My Body<br /> 3.Dimples<br /> 4.I've Been Around<br /> 5.I'm In Love Again<br /> 6.The Girl Can't Help It<br /> 7.I'm Mad Again<br /> 8.She Said Yeah<br /> 9.The Right Time<br /> 10.Memphis Tennessee<br /> 11.Boom Boom<br /> 12.Around and Around<br /><br /> * Animal Tracks (Mayo de 1965)<br /><br /> 1.Mess Around<br /> 2.How You've Changed<br /> 3.Hallelujah I Love Her So<br /> 4.I Believe To My Soul<br /> 5.Worried Life Blues<br /> 6.Roberta<br /> 7.I Ain't Got You<br /> 8.Bright Lights, Big City<br /> 9.Let The Good Times Roll<br /> 10.For Miss Caulker<br /> 11.Roadrunner<br /><br /> * Animalisms (Junio 1966)<br /><br /> 1.One Monkey Don't Stop No Show<br /> 2.Maudie<br /> 3.Outcast<br /> 4.Sweet Little Sixteen<br /> 5.You're On My Mind<br /> 6.Clapping<br /> 7.Gin House Blues<br /> 8.Squeeze Her, Tease Her<br /> 9.What Am I Living For<br /> 10.I Put A Spell On You<br /> 11.That's All I Am To You<br /> 12.She'll Return It<br /><br /> * Winds of Change (1967) (como Eric Burdon and the New Animals)<br /><br /> 1.Winds Of Change<br /> 2.Poem By The Sea<br /> 3.Paint It Black<br /> 4.The Black Plague<br /> 5.Yes I'm Experienced<br /> 6.San Franciscan Nights<br /> 7.Man - Woman<br /> 8.Hotel Hell<br /> 9.Good Times<br /> 10.Anything<br /> 11.It's All Meat<br /><br /> * The Twain Shall Meet (1968)<br /><br /> 1.Monterey<br /> 2.Just The Thought<br /> 3.Closer To The Truth<br /> 4.No Self Pity<br /> 5.Oranges And Red Beans<br /> 6.Sky Pilot<br /> 7.We Love You Lil<br /> 8.All Is One<br /><br /> * Love Is (1968)<br /><br /> 1.River Deep, Mountain High<br /> 2.I'm An Animal<br /> 3.I'm Dying, Or Am I<br /> 4.Ring Of Fire<br /> 5.Colored Rain<br /> 6.To Love Somebody<br /> 7.As The Years Go Passing By<br /> 8.Gemini - The Madman<br /><br />Edición Estados Unidos <br /><br /> * The Animals (Septiembre de 1964)<br /><br /> 1.The House of the Rising Sun<br /> 2.Blue Feeling<br /> 3.The Girl Can't Help It<br /> 4.Baby Let Me Take You Home<br /> 5.The Right Time<br /> 6.Talkin' 'Bout You<br /> 7.Around and Around<br /> 8.I'm In Love Again<br /> 9.Gonna Send You Back To Walker<br /> 10.Memphis Tennessee<br /> 11.I'm Mad Again<br /> 12.I've Been Around<br /><br /> * The Animals on Tour (Marzo de 1965)<br /><br /> 1.Boom Boom<br /> 2.How You've Changed<br /> 3.I Believe To My Soul<br /> 4.Mess Around<br /> 5.Bright Lights, Big City<br /> 6.Worried Life Blues<br /> 7.Let The Good Times Roll<br /> 8.I Ain't Got You<br /> 9.Hallelujah I Love Her So<br /> 10.I'm Crying<br /> 11.Dimples<br /> 12.She Said Yeah<br /><br /> * Animal Tracks (Septiembre de 1965)<br /><br /> 1.We Gotta Get Out Of This Place<br /> 2.Take It Easy<br /> 3.Bring It On Home To Me<br /> 4.Roberta<br /> 5.Story Of Bo Diddley<br /> 6.I Can't Believe It<br /> 7.For Miss Caulker<br /> 8.Club A Go-Go<br /> 9.Don't Let Me Be Misunderstood<br /> 10.Bury My Body<br /><br /> * British Go Go (Enero de 1965)<br /><br /> * In the Beginning(Directo) (1965)<br /><br /> * Animalization (Agosto de 1966)<br /><br /> 1.Don't Bring Me Down<br /> 2.One Monkey Don't Stop No Show<br /> 3.You're On My Mind<br /> 4.She'll Return It<br /> 5.Cheating<br /> 5.1 She'll Return It - This song is on the record but does not appear on the jacket listing<br /> 6.Inside Looking Out<br /> 7.See See Rider<br /> 8.Gin House Blues<br /> 9.Maudie<br /> 10.What Am I Living For<br /> 11.Sweet Little Sixteen<br /> 12.I Put A Spell On You<br /><br /> * Animalism (MGM 4414, Diciembre de 1966)<br /><br /> 1.All Night Long<br /> 2.Shake<br /> 3.The Other Side Of This Life<br /> 4.Rock Me Baby<br /> 5.Lucille<br /> 6.Smoke Stack Lightning<br /> 7.Hey Gyp<br /> 8.Hit The Road Jack<br /> 9.Outcast<br /> 10.Louisiana Blues<br /> 11.That's All I Am To You<br /> 12.Going Down Slow<br /><br /> * Eric Is Here (1967) (ahora como Eric Burdon and the New Animals)<br /><br /> 1.In The Night<br /> 2.Mama Told Me Not To Come<br /> 3.I Think It's Gonna Rain Today<br /> 4.On This Side Of Goodbye<br /> 5.That Ain't Where It's At<br /> 6.True Love (Comes Only Once In A Lifetime)<br /> 7.Help Me Girl<br /> 8.Wait Till Next Year<br /> 9.Losin' Control<br /> 10.It's Not Easy<br /> 11.The Biggest Bundle Of Them All<br /> 12.It's Been A Long Time Comin'<br /><br /> * Every One of Us (1968)<br /><br /> 1.White House<br /> 2.Uppers And Downers<br /> 3.Serenade To A Sweet Lady<br /> 4.The Immigrant Lad<br /> 5.Year Of The Guru<br /> 6.St. James Infirmary<br /> 7.New York 1963 - America 1968<br /><br /> * Love Is (Octubre de 1968)<br /><br /> 1.River Deep, Mountain High<br /> 2.I'm An Animal<br /> 3.I'm Dying, Or Am I<br /> 4.Ring Of Fire<br /> 5.Colored Rain<br /> 6.To Love Somebody<br /> 7.As The Years Go Passing By<br /> 8.Gemini - The Madman<br /><br /> * The Best Of Eric Burdon And The Animals Vol. II (MGM Record SE4454)<br /><br /> 1.When I Was Young<br /> 2.A Girl Named Sandoz<br /> 3.Don't Bring Me Down<br /> 4.She'll Return It<br /> 5.See See Rider<br /> 6.The Other Side Of Life<br /> 7.Hey Gyp<br /> 8.Help Me Girl<br /> 9.That Ain't Where It's At<br /> 10 You're On My Mind<br /> 11.Inside Looking Out<br /> 12.Cheating<br /><br />Reunión de los originarios "The animals"<br /><br /> * Before We Were So Rudely Interrupted (1977)<br /><br /> 1.Brother Hill (The Last Clean Shirt)<br /> 2.It's All Over Now, Baby Blue<br /> 3.Fire On The Sun<br /> 4.As The Crow Flies<br /> 5.Please Send Me Someone To Love<br /> 6.Many Rivers To Cross<br /> 7.Just A Little Bit<br /> 8.Riverside County<br /> 9.Lonely Avenue<br /> 10.The Fool<br /><br /> * Ark (1983)<br /><br /> 1.Loose Change<br /> 2.Love Is For All Time<br /> 3.My Favourite Enemy<br /> 4.Prisoner Of The Light<br /> 5.Being There<br /> 6.Hard Times<br /> 7.The Night<br /> 8.Trying To Get You<br /> 9.Just Can't Get Enough<br /> 10.Melt Down<br /> 11.Gotta Get Back To You<br /> 12.Crystal Nights<br /> 13.No John No<br /><br /> * Rip It to Shreds (Directo) (1984)<br /><br />Edición en España <br /><br /> * The Animals. Los 60. Una Gran Década Para Recordar (1987) (EMI Records)<br /><br /> 1.Baby Let Me Take You Home.<br /> 2.Gonna Send You Back To Walter.<br /> 3.House Of The Rising Sun.<br /> 4.Talkin' 'bout You.<br /> 5.I'm Crying.<br /> 6.Take It Easy.<br /> 7.Don't Let Me Be Misunderstood.<br /> 8.Club A Gogo.<br /> 9.Bring It On Home To Me.<br /> 10.For Miss Caulker.<br /> 11.We've Gonna Get Out Of This Place.<br /> 12.I Can't Believe It.<br /> 13.It's My Life.<br /> 14.I'm Going To Change The World.<br /> 15.Bury My Body.<br /><br />Recopilación <br /><br /> * The Best of The Animals (1997)<br /> * The Best of The Animals (2000)<br /> * Interesting Life (2003)<br /> * Complete French EP 1964/1967 (2003)<br /> * Retrospective (Recopilatorio, 2004)<br /><br />Eric Burdon<br /><br />Eric Victor Burdon (nacido el 11 de mayo de 1941, en Walker, Newcastle upon Tyne) fue el cantante de The Animals y después de The War.<br /><br />Fue miembro fundador y vocalista de The Animals, banda originalmente formada en Newcastle en los primeros años sesenta. Burdon cantó muchos clásicos de los Animals como "The House of the Rising Sun", "Good Times", "Don't Let Me Be Misunderstood", "Bring It On Home to Me" y "We Gotta Get Out of this Place". El teclista Alan Price y el batería John Steel, Animals originales, dejaron la banda, y fueron reemplazados por Dave Rowberry y Barry Jenkins respectivamente. En 1966, los miembros restantes Chas Chandler e Hilton Valentine se fueron del grupo, excepto Barry Jenkins y Burdon, y la banda se reformó como Eric Burdon and the Animals. A este grupo se le unieron el futuro miembro de Family John Weider y el futuro guitarrista de The Police Andy Summers. Esta nueva formación tuvo éxitos con canciones como "When I Was Young", "Sky Pilot" y "Monterey". Esta unión duró hasta 1969, pasando por grandes cambios en la formación, y cambiando el nombre de la banda de Eric Burdon and the Animals a Eric Burdon and the New Animals. Cuando los New Animals se fueron, Burdon unió fuerzas con el grupo funky de Los Ángeles War. El álbum, Eric Burdon Declares War creó clásicos como "Spill The Wine" y "Tobacco Road". En 1971 Burdon empezó su carrera en solitario.<br /><br />Burdon se volvió a unir con los otros Animals originales en 1976 y 1983, pero esta unión acabó pronto, aun así en la reunión de 1983 se sacó el ignorado en las listas de ventas single "The Night". Burdon dirigió unos cuantos grupos llamados Eric Burdon Band o alguna variación parecida, con constantes cambios en la formación. Su popularidad se hizo más fuerte en la Europa Continental que en el Reino Unido o en los Estados Unidos. Hoy en día continúa grabando y dando conciertos, en solitario o al frente de otra versión de "Eric Burdon and the Animals". En 1990, un reformado "Eric Burdon and the Animals" grabó una versión del single "Sixteen Tons" de Merle Travis para la película Joe contra el Volcán, donde salía en los créditos de apertura de la película.<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/_DqWIhSZYWQ&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/_DqWIhSZYWQ&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-81753437169540830862009-06-14T21:16:00.000-07:002009-06-14T21:46:59.148-07:00The Beatles<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXJ46U44lnW5RmoG4DaH73KxPJT4diYqTaroAAXTSBHyXVPl2xIE6RPLfUz5luF0kTTQ-MpT8PBncsMHnyx6CyVOfohYe0ti8Y0veiAfo14osMOMjcHZqj2vYkGEaQlucl91Oland2f_Hx/s1600-h/The-Beatles-142537.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXJ46U44lnW5RmoG4DaH73KxPJT4diYqTaroAAXTSBHyXVPl2xIE6RPLfUz5luF0kTTQ-MpT8PBncsMHnyx6CyVOfohYe0ti8Y0veiAfo14osMOMjcHZqj2vYkGEaQlucl91Oland2f_Hx/s320/The-Beatles-142537.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5347410628705199522" /></a><br />Grupo británico de música pop, integrado de forma estable a partir de 1961 por John Lennon (Liverpool,1940–Nueva York, 1980), Paul McCartney (Liverpool, 1942), George Harrison (Liverpool, 1943) y Ringo Starr (Liverpool, 1940). Es difícil dar una fecha exacta de cuándo se formaron The Beatles. En la segunda mitad de la década de 1950, John Winston Lennon y su amigo Peter Shotton (que lo abandonaría poco después) formaron un grupo de música al que llamaron The Quarrymen, al cual en 1957 se añadió Paul McCartney, seguido poco más tarde por George Harrison.<br />The Quarrymen empezó a tocar en diversos locales de Liverpool, momento en el que se les unió el bajista Stuart Sutcliffe. Ya por entonces resultaba evidente la necesidad de incorporar a un batería. El nombre del grupo iría sufriendo nuevas variaciones, desde Johnny and the Moondogs hasta –a raíz de la moda de poner nombres de animales a los grupos musicales y jugando con la denominación de su estilo de música (Beat)– The Silver Beatles y The Beatles, que a la postre resultaría el definitivo.<br /><br />Por último incorporaron a un batería, Peter Best, y consiguieron un concierto para tocar en Hamburgo, en un local de dudosa fama llamado Kaiserkeller. Su primera aventura alemana terminó prematuramente con la expulsión de Harrison del país debido a su minoría de edad y la posterior expulsión de McCartney y Best por gamberrismo. En 1961 volverían a Alemania, para regresar de nuevo al Reino Unido sin pena ni gloria. Best dejó el grupo por profundas desavenencias con el resto de sus miembros y fue sustituido por Ringo Starr (Richard Starkey). Poco después, Sutcliffe moría en Alemania víctima de un derrame cerebral. La formación de The Beatles quedó definitivamente consolidada con John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.<br /><br />En 1962, tras escucharles en una actuación, el productor Brian Epstein, entusiasmado, los contrató para grabar un sencillo. Este primer trabajo discográfico se tituló Love me do y logró situarse en las listas de éxitos del Reino Unido. Ya en 1963, Please, please me y poco después From me to you y She loves you accederían de nuevo a puestos de honor en las listas británicas.<br /><br />El cuarteto (integrado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr) se formó en 1957 y se disolvió en 1970. A pesar del poco tiempo lograron lo que a otros grupos les llevó años. Se convirtieron en un fenómeno de ventas, que se llamó Beatlemanía, en especial porque sus fans gritaban y bailaban al ritmo de sus canciones. Estuvieron al tope de los rankings tanto en Europa como en los Estados Unidos. Es así que se lo considera uno de las bandas musicales más influyentes y exitosas de la segunda mitad del siglo XX.<br /><br />Un cambio en la música del siglo XX<br />La revolución es un cambio brusco, total y radical; eso es lo que sucedió en el rock del siglo XX. Un grupo de jóvenes irrumpieron en el arte musical imponiendo un ritmo hasta ese entonces jamás escuchado. Destacarse y romper con todo lo anterior no es fácil, por eso quienes lo logran pasan a la historia sin más (y con todos los honores). The Beatles consiguieron con su música, su forma de vestir, sus actuaciones, imponer modas y estilos de comportamiento.<br /><br />A finales de los años cincuenta en el ámbito musical del Reino Unido se inició un movimiento cultural juvenil que fue como una alternativa al dominio estadounidense liderado por Elvis Presley, que partió del ritmo e instrumentación del rock and roll para desembocar en el pop. Y fue en la ciudad de Liverpool donde nació la formación que cambió todo. El nombre del grupo surgió de un juego de palabras creado por el término beetle (escarabajo) y beat (ritmo, compás).<br /><br />El cuarteto (integrado por John Winston Ono Lennon, James Paul McCartney, George Harold Harrison y Richard Starkey -Ringo Starr-) se formó en 1957 y se disolvió en 1970, pero a pesar del poco tiempo lograron lo que a otros grupos les llevó años. Es así que se lo considera uno de los grupos musicales más influyentes y exitosos de la segunda mitad del siglo XX.<br /><br />El comienzo de todo<br />En la segunda mitad de la década de 1950, John Lennon y su amigo Pete Shotton formaron un grupo que se llamó The Quarrymen y al cual, en 1957, se unió Paul McCartney. Le siguió George Harrison. Esta banda empezó a tocar en diversos locales de Liverpool, momento en el que se les unió el bajista Stuart Sutcliffe. El nombre de la formación tuvo variaciones, se llamó primero Long John and the Silver Beatles, luego The Silver Beatles hasta llegar al nombre con el cual el mundo los conoció, The Beatles.<br /><br />El cuarteto comenzó su carrera en un club nocturno en la ciudad de Hamburgo, Alemania. Poco después, Sutcliffe (el bajista) murió -presumiblemente como consecuencia de una paliza por parte de una patota-. La formación de The Beatles quedó compuesta por John, Paul, George y Pete Best.<br /><br />Al volver a su ciudad natal ya eran bastante populares, y conocieron a un joven que pronto se convirtió en su manager, Brian Epstein. Por él el look de los Beatles en sus primeras épocas fue uniformado y pulcro. En un principio, el grupo fue rechazado por muchas compañías de discos. Pero fue George Martin, un joven productor de una subdivisión de EMI -la hasta entonces poco conocida Parlophone- quien los aceptó para grabar un primer disco. En esta instancia Pete Best fue sustituido por Ringo Starr, quien los ayudaba cuando Best no se sentía motivado para colaborar con la banda. El resultado fue su primer single, "Love Me Do", que, por ser su primer disco, alcanzó un buen puesto en las listas de ventas.<br /><br />Sus siguientes lanzamientos, realizados entre 1962 y 1965, los situaron en el número uno, casi simultáneamente a la salida a venta: "From me to you", "She loves you", "I wanna hold your hand", "Can´t buy me love", "A hard day´s night", "I feel fine", "Ticket to ride", "Help!", "We can´t work it out". De esta manera su ascenso fue meteórico, los jóvenes británicos empezaron a copar las listas europeas y el difícil mercado estadounidense, que ya tenía sus propias estrellas.<br /><br />A mediados de los sesenta, The Beatles vendió cantidades infinitas de su música en formato de single, epé (siglas de extended play, disco de cuatro canciones) y elepé (de long play, álbum de larga duración). Hasta 1965, con decenas de canciones publicaron seis elepés: "Please Please Me" (1963), grabado íntegramente en un solo día. Después siguieron con "With The Beatles", del mismo año. "A hard day´s night" (1964) "Beatles for sale" (1964), "Help!" (1965) y "Rubber Soul" (1965).<br />Este fenómeno de ventas fue denominado Beatlemanía, en especial porque sus fans gritaban y bailaban al ritmo de sus canciones. Después del éxito de la música vino el cine. Rodaron su primera película "A Hard Day's Night" consiguiendo muy buenas críticas, comparándolos con los mismísimos hermanos Marx. En 1965 rodaron otra película "Help!", dando lugar al disco del mismo título.<br /><br />A pesar de tantos éxitos el grupo tuvo que hacer frente a diversos escándalos, siendo el más destacable el que se produjo por una entrevista de John Lennon en la que afirmaba que "los Beatles eran en ese momento más famosos que Jesucristo". En muchos países fanáticos religiosos organizaron quemas de discos y la banda fue vetada en la radio. A consecuencia, The Beatles abandonó las giras definitivamente siendo el concierto de San Francisco, el día 29 de agosto de 1966, el último de su carrera. Después de esto el grupo se dedicó a descansar y a preparar su próximo disco. A finales de ese año, se publicó un álbum recopilatorio de Parlophone llamado "A Collection of Beatles' Oldies", en el que se incluían los antiguos éxitos.<br /><br />El gran cambio musical ocurrió con "Revolver", su álbum de 1966, en el que se incluía secciones de viento y cuerda, sonidos electrónicos usados por las vanguardias musicales eruditas y letras en las que se usaban la ironía, la sátira, el mensaje utópico y el surrealismo. Fue el inicio de la experimentación musical y psicotrópica: el LSD se convirtió en fuente de inspiración. Su siguiente álbum fue "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" -su obra más innovadora-, un elepé que marcó el nacimiento de la música psicodélica y supuso un rotundo éxito mundial para el grupo británico, que alcanzó el número uno simultáneamente en las listas británicas y estadounidenses.<br /><br />El 21 de agosto de 1967 murió su manager Brian Epstein de una sobredosis accidental de medicamentos (aunque se ha dicho que se quiso suicidar). También en 1967, bajo una idea de Paul McCartney y Linda McCarntey (su esposa), produjeron la película para televisión "Magical Mystery Tour", con la posterior edición del trabajo discográfico del mismo nombre.<br /><br />El final<br />En 1968 publicaron el álbum y la película "Yellow Submarine". John Lennon conoció por esta época a la artista japonesa Yoko Ono, quien llegó a influir enormemente en él y en el grupo, creando una continua molestia en el seno de la banda.<br /><br />Con la gran cantidad de canciones compuestas en la India y a su regreso en Londres, editaron el doble elepé "The Beatles", más conocido como el álbum Blanco. Las tensiones dentro del grupo iban siendo cada vez más notables. Todo esto quedó grabado en el siguiente proyecto, el documental "Let it Be".<br /><br />Después de dar el famoso concierto de la azotea en el edificio de su sello discográfico Apple en el centro de Londres, el grupo no quedó contento con el disco y no se editó hasta casi un año después. Decidió entrar en el estudio por última vez para grabar el que fue su último disco (aunque se puso a la venta antes que "Let it be"), el imprescindible "Abbey Road" (1969). El disco acabó por separar del todo al grupo, siendo grabada cada canción con cada uno por separado, juntándose los cuatro en el estudio en pocas ocasiones. Tras la publicación de "Let It Be", en 1970, se separaron definitivamente, siguiendo cada miembro con su carrera musical en solitario.<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/55pEzqdhKBo&hl=es&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/55pEzqdhKBo&hl=es&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-76349647284663472452009-06-14T20:56:00.000-07:002009-06-14T21:08:52.565-07:00Wolfgang Amadeus Mozart<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgNIiqY-SVbRIkS5NfuFVEXLXQCaPYfUQ-7645NJ3U97l1v1PEvvgUJD8sR9aMWd_9CAR1SKCsdlXgrl7J3ERwjSxuND4s7xmNGy5-zKgLFayY0uONMq8t19WBYxz-I7QmrXG8w5Iy9VOQ/s1600-h/mozart.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 222px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgNIiqY-SVbRIkS5NfuFVEXLXQCaPYfUQ-7645NJ3U97l1v1PEvvgUJD8sR9aMWd_9CAR1SKCsdlXgrl7J3ERwjSxuND4s7xmNGy5-zKgLFayY0uONMq8t19WBYxz-I7QmrXG8w5Iy9VOQ/s320/mozart.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5347401367674538946" /></a><br />Wolfgang Amadeus Mozart, con nombre de nacimiento Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart (Salzburgo, en la actual Austria, 27 de enero de 1756 - Viena, 5 de diciembre de 1791), fue un compositor clásico y ha sido considerado por muchos uno de los más grandes en su género.<br /><br />A pesar de que murió muy joven (apenas a los 35 años), dejó una obra extensa que abarca todos los géneros musicales de su época. Compuso más de 600 obras, muchas de ellas reconocidas como las obras cumbre de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, para ópera y coral. Es uno de los compositores clásicos más populares.<br /><br />Mozart mostró una capacidad prodigiosa en su niñez más temprana en Salzburgo. Cuando ya tocaba el teclado y el violín, compuso obras a la edad de cinco años y realizó interpretaciones para la realeza europea. A los diecisiete fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero debido a su inquietud viajó en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781 fue despedido de su puesto en la corte de Salzburgo y decidió quedarse en la ciudad, donde alcazó la fama durante el resto de su vida, pero tuvo poca seguridad financiera. En sus años finales en Viena realizó muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, y el Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte a los 35 años han sido muy mitificadas.<br /><br />Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que rodeó la luz y elegancia con la oscuridad y pasión -todo bien informado por una visión de humanidad "redimido por el arte, perdonado y reconciliado con la naturaleza y el absoluto".Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda. Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que "la posteridad no verá tal talento otra vez en 100 años".<br /><br />Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, en la actual Austria y que en esa época era un arzobispado independiente del Sacro Imperio Romano Germánico. Fue el último hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe arzobispo de Salzburgo. Leopold era el segundo maestro de capilla en la corte del arzobispo de Salzburgo y un compositor con poca relevancia, aunque fue un experimentado profesor. Su madre se llamaba Anna Maria Pertl. Debido a la altísima mortalidad infantil en la Europa de la época, de los 7 hijos que tuvo el matrimonio sólo sobrevivieron Maria Anna, apodada cariñosamente Nannerl, y Wolfgang Amadeus. Fue bautizado en la catedral de San Ruperto el día después de su nacimiento con los nombres de Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart; a lo largo de su vida firmaría con diversas variaciones sobre su nombre original, siendo una de las más recurrentes "Wolfgang Amadè Mozart".<br /><br />La casa natal de Mozart se encuentra en la Getreidegasse n.º 9 de la ciudad de Salzburgo. Se trata de una casa de tres plantas que actualmente cuenta con una gran cantidad de objetos de la época e instrumentos que pertenecieron a Mozart durante su niñez. Es uno de los lugares más visitados de Salzburgo y una especie de santuario para músicos y aficionados a la música de todo el mundo.<br /><br />Leopold componía y daba clases de música. El año del nacimiento de Wolfgang publicó un exitoso tratado para la interpretación del violín titulado Versuch einer gründlichen Violinschule, durante el primer año de vida de su hijo. Después del nacimiento de Wolfgang, salvo las tareas propias de su cargo, abandonó todo para dedicarse de manera exclusiva a la formación de su hijo. Fue exigente como padre y como profesor, en todo momento estuvo al tanto de la formación de Wolfgang, para guiarlo como hombre y como artista.<br /><br />Nannerl y Wolfgang Amadeus mostraron desde muy pequeños facultades para la música. Nannerl comenzó a recibir clases de teclado con su padre cuando tenía 7 años y su hermano, 3 años menor que ella, la miraba evidentemente fascinado. Años después de la muerte de su hermano ella rememoró:<br />A menudo pasaba mucho tiempo en el teclado, eligiendo terceras, que a él siempre le sorprendían y mostraba con placer que el sonido le gustaba. [...] En su cuarto año de edad, su padre comenzó a enseñarlo, como un juego, a interpretar unos minuetos y otras piezas en el teclado. [...] Podría tocarlo impecablemente y con la mayor delicadeza y manteniendo exactamente el tempo. [...] a la edad de cinco años ya componía pequeñas piezas, que interpretaba para su padre, al que estaban dedicadas.<br />Retrato de Wolfgang Amadeus Mozart pintado por encargo de Leopold Mozart en 1763. El autor es desconocido aunque posiblemente fuera Pietro Antonio Lorenzoni.<br /><br />Entre esas pequeñas piezas se encuentran el Minueto Andante en do (K. 1a) y el Minueto Allegro en do (K. 1b).<br /><br />Cuando Wolfgang Amadeus tenía 4 años practicaba el clavicordio y componía pequeñas obras de considerable dificultad; a los 6, tocaba con destreza el clavecín y el violín. Podía leer música a primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una inagotable capacidad para improvisar frases musicales.<br /><br />Definitivamente no era un niño común. Su progenitor era un hombre inteligente, orgulloso y religioso. Creía que los dones musicales de su hijo eran un milagro divino que él, como padre, tenía la obligación de cultivar. Cuando el niño iba cumplir 6 años de edad, Leopold decidió exhibir las dotes musicales de sus hijos ante las principales cortes de Europa. Según los primeros biógrafos de Wolfgang, su padre «quiso compartir con el mundo el milagroso talento de su hijo...»; en la actualidad, algunos sostienen que más bien lo explotó. Lo cierto es que su figura autoritaria y opresiva marcaría al joven Amadeus para toda su vida.<br /><br />El biógrafo Maynard Salomon afirma que mientras Leopold era un profesor fiel a sus hijos, existen evidencias de que Wolfgang era trabajaba duramente para avanzar más allá de lo que le enseñaban. Su primera composición impresa y sus esfuerzos precoces con el violín fueron por iniciativa propia y Leopold se vio fuertemente sorprendido. El padre y el hijo tenían una relación muy estrecha y estos logros de niñez hicieron llorar a Leopold más de una vez.<br /><br />Finalmente Leopold dejó de componer cuando el excepcional talento musical de su hijo se hizo evidente.Él era el único profesor de Wolfgang en sus primeros años y le enseñó música, así como el resto de asignaturas académicas.<br /><br />Durante los años en los que Mozart se estaba formando, su familia realizó varios viajes por Europa, en los cuales mostraron a él y a su hermana Nannerl como niños prodigio. El 12 de enero de 1762, la familia entera partió hacia Múnich. Comenzaron con una exbición en la Corte del príncipe elector de Baviera Maximiliano III y más tarde en el mismo año en la corte imperial de José II de Habsburgo en Viena y Praga. La permanencia en la ciudad de Viena —uno de los principales centros de la música en esa época— culminó con dos recitales ante la familia imperial en el palacio de Schönbrunn. El pequeño Wolfgang causaba sensación en cada concierto. El dinero recolectado en este viaje no fue tanto como los elogios recibidos. Podría decirse que éste fue un viaje de prueba para Leopold. El 5 de enero de 1763, la familia Mozart retornó a Salzburgo. El viaje había durado poco menos de un año.<br /><br />El 9 de junio de 1763 iniciaron una larga gira de conciertos que duró tres años y medio, en la que la familia se desplazó a las cortes de Múnich, Mannheim, París, Londres, La Haya, otra vez a París y volvieron a casa vía Zúrich, Donaueschingen y Múnich, cosechando grandes éxitos. Durante este viaje Mozart conoció un gran número de músicos y las obras de otros compositores. En particular, Johann Christian Bach, a quien Mozart visitó en Londres en 1764 y 1765, fue una influencia importante para el joven compositor. La familia regresó a Viena a finales de 1767 y permaneció en la ciudad hasta diciembre del año siguiente. En Viena fueron llamados al palacio por la madre del emperador, María Teresa, quien quedó encantada con el niño Wolfgang Amadeus, al grado de que incluso lo sentaba en su regazo y lo besaba.<br /><br />En Versalles, los Mozart tocaron ante el monarca Luis XV. La anécdota cuenta que en esa ocasión, la amante del rey, la altiva Madame de Pompadour, no permitió que el niño Wolfgang la abrazara por temor a que se estropeara su traje. En Londres causaron la admiración del rey Jorge III y durante este viaje el joven músico compuso su Primera Sinfonía. En Países Bajos deslumbró tocando el órgano y compuso su primer oratorio a los 9 años.<br /><br />A menudo estos viajes eran duros, debido a las primitivas condiciones de los viajes en aquel tiempo, la necesidad de esperar pacientemente las invitaciones y el pago de las actuaciones por parte de la nobleza, y las largas enfermedades, algunas casi mortales, padecidas lejos de su hogar: en primer lugar Leopold, en el verano de 1764 durante su estancia en Londres y luego ambos niños en La Haya el otoño de 1765.<br /><br />La familia regresó a Salzburgo el 30 de noviembre de 1766. Después de un año en la ciudad, Leopold y Wolfgang viajaron a Italia, dejando a la madre de Wolfgang y la hermana en casa. Estos viajes duraron desde diciembre de 1769 a marzo de 1771, y, al igual que los primeros viajes que realizaron, tenían como objetivo mostrar las capacidades del joven como intérprete y como compositor que maduraba rápidamente. Mozart conoció a Giovanni Battista Martini, importante teórico de la música en aquel tiempo y por el cual Mozart siempre guardó un gran afecto, en Bolonia y fue aceptado como miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia, considerada el centro de erudición musical de la época, tras resolver en media hora un examen que al resto de los postulantes les llevó tres. El ingreso de Mozart en la Academia fue extraordinario, ya que aún le faltaba mucho para los veinte años, edad mínima exigida por el reglamento.<br />Wolfgang tocando el clavicordio y Thomas Linley (de la misma edad) el violín, durante su estancia en Florencia en 1770.<br /><br />Llegaron a Roma el 11 de abril de 1770, donde escuchó el Miserere de Gregorio Allegri una vez durante una representación en la Capilla Sixtina. Esta obra tenía carácter secreto, pues sólo podía interpretarse en dicho lugar y su publicación estaba prohibida bajo pena de excomunión. Sin embargo, el joven compositor apenas llegó a la posada donde se alojaba, escribió de memoria una versión muy aproximada de la partitura completa. El papa Clemente XIV, admirado ante el talento del músico de 14 años, no sólo no lo excomulgó, sino que lo nombró Caballero de la Orden de la Espuela de Oro, título que —a pesar de los privilegios que otorgaba— nunca interesó a Mozart. Así se convirtió en la primera copia ilegal de los derechos de propiedad intelectual escrupulosamente guardados por El Vaticano.<br /><br />En Milán, Mozart escribió la ópera Mitridate, re di Ponto (1770), que fue interpretada con éxito. Esto supuso el encargo de dos nuevas óperas y Wolfgang y Leopold volvieron dos veces más a Milán (desde diciembre de 1771 hasta agosto de 1772 y desde octubre de ese mismo año hasta marzo de 1773) para la composición y los estrenos de Ascanio in Alba (1771) y Lucio Silla (1772). Leopold esperó que estas visitas consiguieran una contratación profesional para su hijo en Italia, pero estas esperanzas nunca se cumplieron.<br /><br />Hacia el final del último viaje a Italia, Mozart escribió la primera de sus obras que todavía es interpretada extensamente en la actualidad, la cantata de Exsultate, jubilate, la K. 165.<br /><br />Cada representación del joven Wolfgang Amadeus era una exhibición de su virtuosismo con el clavecín y el violín (se cuenta que ya en esa época podía tocar el teclado con los ojos vendados), y dejaba a los espectadores maravillados improvisando sobre cualquier tema que le proponían.<br /><br />La corte de Salzburgo <br />La relación de Mozart con su patrón el arzobispo de Salzburgo, Hieronymus von Colloredo, fue bastante turbulenta por sus continuas discusiones y desembocó en la renuncia del compositor y su marcha a la ciudad de Viena.<br /><br />Mozart y su padre volvieron definitivamente a Salzburgo el 13 de marzo de 1773. Allí se enteraron de la muerte del príncipe-arzobispo Schrattenbach, que siempre los había apoyado. Comenzó entonces una nueva etapa, mucho más difícil. Hieronymus von Colloredo, el nuevo príncipe-arzobispo de Salzburgo, que se mostró autoritario e inflexible con el cumplimiento de las obligaciones impuestas a sus subordinados. Mozart era hijo predilecto de la ciudad, en la que tenía muchos amigos y admiradores y tuvo la oportunidad de trabajar en numerosos géneros musicales, incluyendo sinfonías, sonatas, cuartetos de cuerdas, serenatas, divertimentos, mucha música sacra y algunas óperas menores. Varias de estas primeras obras aún son interpretadas. Entre abril y dieciembre de 1775, Mozart desarrolló un entusiasmo por los conciertos para violín, produciendo una serie de cinco conciertos (los únicos que escribiría en su vida), incrementando constantemente su sofisticación musical. Los últimos tres (K. 216, K. 218 y K. 219) son ahora básicos en su repertorio. En 1776 volvió sus esfuerzos hacia los conciertos para piano, culminando en el Concierto en mi♭ (K. 271) a principios de 1777, considerado por los críticos el punto de ruptura de su obra.<br /><br />A pesar de estos éxitos musicales y que fue confirmado en su puesto de maestro de conciertos, Mozart estaba cada vez más descontento con su situación en Salzburgo y redobló sus esfuerzos para establecerse en cualquier otro sitio. Uno de los motivos de dicho descontento fue su bajo salario, 150 florines por año, pero también necesitaba mucho tiempo para componer sus óperas y la ciudad en raras ocasiones se lo permitía. La situación empeoró en 1775 cuando el teatro de la corte fue clausurado, especialmente desde que el otro teatro de Salzburgo fue reservado ampliamente para las compañías visitantes.<br /><br />Leopold y Wolfgang realizaron dos largas expediciones en busca de trabajo durante su larga estancia en Salzburgo. Visitaron Viena desde el 14 de julio al 26 de septiembre de 1773 y Múnich desde el 6 de diciembre de 1774 hasta marzo de 1775. Estas visitas no tuvieron éxito, aunque el viaje a Múnich resultó ser un éxito popular con el estreno de la ópera La finta giardiniera y el viaje a Viena fue positivo para su arte, ya que conoció el nuevo estilo vienés a través de la música de Joseph Haydn.<br /><br />El viaje a París <br />Retrato de la familia Mozart hacia 1780, obra de Johann Nepomuk della Croce. De izquierda a derecha, Nannerl, Wolfgang y Leopold. El retrato de la pared es de Anna Maria, la madre de Mozart, que falleció en 1778.<br /><br />En agosto de 1777, Mozart estaba resignado con su posición y el 23 de septiembre se aventuró de nuevo en un viaje en busca de empleo, visitando las ciudades de Augsburgo, Mannheim, París y Múnich.Debido a que el arzobispo Colloredo no permitiría a Leopold viajar con su hijo, la madre de Wolfgang, Anna Maria fue su acompañante.<br /><br />Mozart trabó relación con los miembros de la famosa orquesta de Mannheim, la mejor de Europa en esa época. Esta orquesta era conocida porque, por primera vez en la historia de la música, exageraban la diferencia entre los pasajes suaves y los fuertes. Este estilo se dio en llamar "estilo de Mannheim" y pocas décadas después sería una característica principal de la música del Romanticismo. También se enamoró de Aloysia Weber, una de las cuatro hijas de la familia Weber, a la que conoció durante una escala en Múnich. En Mannheim había algunas perspectivas de conseguir empleo, pero ellos no encontraron nada y los Mozart se marcharon a París el 14 de marzo de 1778 para continuar su búsqueda de empleo. Allí su suerte fue apenas mejor. En una de sus cartas a casa insinúa la posibilidad de establecerse como organista en Versalles, pero Mozart no estaba demasiado interesado con este nombramiento.Su situación económica era delicada hasta el punto de que debido a las deudas tuvo que empeñar objetos de valor. El peor momento de su viaje fue cuando la madre de Mozart enfermó y falleció el 3 de julio de 1778.Probablemente se demoraron demasiado en llamar a un doctor, según Halliwell, por la falta de fondos.<br /><br />Durante la estancia de Wolfgang en París, Leopold seguía buscando enérgicamente oportunidades para la vuelta de su hijo a Salzburgo y con el apoyo de la nobleza local asegurarle una mejor posición como organista y primer violinista de la corte. El salario anual ascendía a 450 florines,pero Wolfgang era reacio a aceptarlo[31] y después de marcharse de París el 26 de septiembre de 1778 se detuvo en Mannheim y Múnich, todavía con la esperanza de obtener un nombramiento fuera de Salzburgo. En Múnich se volvió a encontrar con Aloysia, convertida en una exitosa cantante pero ella le dejó claro que no estaba interesada en él.<br /><br />Finalmente, Wolfgang regresó a su hogar el 15 de enero de 1779 y aceptó el nuevo puesto, pero descontento con Salzburgo no había disminuido. La Sonata para piano n.º 8 en la menor K. 310 y la Sinfonía París están entre las obras más conocidas de la estancia de Mozart en París, donde fueron representadas el 12 y 18 de junio de 1778.<br /><br />Marcha a Viena <br />Mozart acudió a las celebraciones del acceso al trono austriaco de José II de Habsburgo como emperador que tuvieron lugar en Viena.<br /><br />En enero de 1781, la ópera Idomeneo de Mozart fue estrenada con un "considerable éxito" en Múnich.En marzo, el compositor fue llamado a Viena, donde su patrón el arzobispo Colloredo acudió a las celebraciones del acceso al trono austriaco de José II de Habsburgo como emperador.[35] Mozart, fortalecido por los elogios recibidos en Múnich, se sintió ofendido cuando Colloredo lo trató como a un mero sirviente y particularmente cuando el arzobispo le prohibió interpretar ante el Emperador en casa de la condesa Maria Wilhelmine Thun, actuación por la que hubiera recibido unos honorarios iguales a la mitad del salario anual que cobraba en Salzburgo. La discusión resultante llegó en mayo, cuando Mozart intentó dimitir de su puesto pero el arzobispo la rechazó. Le concedieron un permiso el mes siguiente, pero de forma insultante. El compositor fue rechazado literalmente "con una patada en el culo", administrada por el auxiliar del arzobispo, el conde Arco. En Viena, Mozart se había dado cuenta de algunas buenas oportunidades y decidió instalarse allí como un intérprete y compositor independiente.<br /><br />La discusión con el arzobispo fue muy dura para Mozart porque su padre se posicionó en contra suya. Esperando fervientemente que siguiera obedientemente a Colloredo en su vuelta a Salzburgo, Leopold intercambió cartas con su equivocado hijo, urgiéndole a reconciliarse con su patrón, pero Wolfgang defendió apasionadamente sus intenciones de emprender una carrera independiente en Viena. El debate finalizó cuando Mozart renunció a su puesto, liberándose de las demandas de un patrón opresivo y un padre demasiado solícito. Solomon caracteriza la dimisión de Mozart como un "paso revolucionario" y que alteró enormemente el curso de su vida.[37]<br /><br />Primeros años en Viena <br />Véase también: Mozart y la francmasonería<br /><br />La nueva carrera de Mozart en Viena tuvo un buen comienzo. A menudo realizaba interpretaciones como pianista, destacando en una competición ante el Emperador con Muzio Clementi el 24 de diciembre de 1781 y pronto se "consolidó como el mejor intérprete de teclado de Viena". También prosperó como compositor y en 1782 completó la ópera El rapto en el Serrallo (Die Entführung aus dem Serail), que fue estrenada el 16 de julio de ese mismo año obteniendo una enorme aclamación y que dio inicio al género operístico conocido como singspiel u ópera alemana en un momento en que el italiano era el idioma "oficial" para la ópera. La obra fue pronto interpretada "a través de la Europa de habla germana"y consolidó plenamente la reputación de Mozart como compositor. Como anécdota, el emperador José II comentó al final del estreno de la ópera: "Música maravillosa para nuestros oídos, verdaderamente creo que tiene demasiadas notas", a lo que el compositor contestó: "Exactamente, ¿cuántas son menester?"<br /><br />A pesar de que Mozart aún no lograba su madurez y profundidad definitiva, en esta obra se expresa quizá por primera vez la dimensión dramática que se aprecia en las posteriores óperas del compositor de Salzburgo. Esta ópera le dio a Mozart el mayor éxito teatral que conocería en vida.<br />Retrato de Constanze Mozart realizado por su cuñado Joseph Lange en 1782.<br /><br />En la época en la que sus disputas con el arzobispo Colloredo estaban en su punto más álgido, Mozart se trasladó con la familia Weber, que se habían trasladado a Viena desde Mannheim. El padre, Fridolin, había fallecido y el resto de la familia acogía ahora huéspedes como medio para subsistir. Tras su fracaso sentimental con Aloysa Weber, que estaba ahora casada con el actor Joseph Lange, encontró consuelo en Constanze, la hermana menor. Pero sabía que su padre Leopold no apreciaba a esa familia, puesto que no sin razones creía que estos, fundamentalmente la madre, querían aprovecharse del éxito de su hijo. Sin embargo, hay suficientes antecedentes de que Constanze amaba verdaderamente a Mozart y nunca compartió las maquinaciones de su madre. Como el consentimiento de su padre era fundamental para Mozart, quiso viajar a Salzburgo para presentarle formalmente a la novia, pero varios eventos postergaron el temido viaje para enfrentar a su progenitor.<br /><br />El 4 de agosto de 1782, sin el consentimiento paterno, Wolfgang Amadeus y Constanze se casaron en Viena. Para celebrar la unión y para calmar a su padre, Mozart compuso la inconclusa Misa en do menor (KV 427). Pensaba estrenarla en Salzburgo con Constanze como primera soprano solista. Sólo pudo hacerlo en agosto de 1783, pero no consiguió su objetivo. Deseaba demostrar a su familia que había sabido elegir, pero Leopold y Nannerl jamás terminarían de aceptar a Constanze. En el contrato de matrimonio, Constanze "asigna a su prometido quinientos florines que [...] ha prometido aumentar después con mil florines", "para poder sobrevivir" con el total. Además, todas las adquisiciones conjuntas durante el matrimonio debían ser propiedad común de ambos.[40] El matrimonio tuvo 6 hijos: Raimund Leopold (17 de junio de 1783-19 de agosto del mismo año), Karl Thomas Mozart (21 de septiembre de 1784-31 de octubre de 1858), Johann Thomas Leopold (18 de octubre de 1786-15 de noviembre de ese año), Theresia Constanzia Adelheid Friedericke Maria Anna (27 de diciembre de 1787-29 de junio de 1788), Anna Maria (25 de diciembre de 1789, fallecida poco después de su nacimiento) y Franz Xaver Wolfgang Mozart (26 de julio de 1791 - 29 de julio de 1844), de los cuales sólo dos sobrevivieron, Karl Thomas y Franz Xaver Wolfgang.<br /><br />Durante los años 1782 y 1783 conoció profundamente a través del barón Gottfried Van Swieten, un coleccionista y aficionado musical que tenía en su poder una biblioteca con gran cantidad de obras de compositores barrocos, la obra de Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach. Entre las obras que estudió se encontraban los oratorios de Händel y El clave bien temperado de Bach. Mozart asimiló los modos de composición de ambos, fusionándolo con el propio, dando a la mayoría de las obras de este período un toque contrapuntístico, apreciable en las transcripciones que hizo de algunas fugas de El clave bien temperado KV 405, las fugas para piano KV 394, KV 401 y KV 426 (esta última transcrita luego para cuerdas con el número de catálogo KV 546). Pero, sobre todo, se puede apreciar la influencia de Händel y Bach en los pasajes fuga de La flauta mágica y el final de la Sinfonía Júpiter. El estudio de estos autores fue para Mozart tan importante que llegó a realizar arreglos para obras como El Mesías (K. 572) o Alexander's Feast (K. 591), ambos oratorios de Händel.<br /><br />En 1783, Mozart y Constanze visitaron a la familia de éste en Salzburgo. Leopold y Nannerl fueron, a lo sumo, solamente corteses con Constanze pero la visita al menos incitó la composición de una de las grandes obras litúrgicas de Mozart, la Gran misa en do menor KV 427. Aunque no completada, fue estrenada en Salzburgo, con Constanze cantando las partes solistas.<br />Mozart conoció a Joseph Haydn en Viena y los dos compositores se hicieron grandes amigos e incluso interpretaban juntos en un cuarteto de cuerdas improvisado.<br /><br />Mozart conoció a Joseph Haydn en Viena y los dos compositores se hicieron grandes amigos. Cuando Haydn visitaba Viena, en ocasiones interpretaban juntos en un cuarteto de cuerdas improvisado. Los seis cuartetos de Mozart dedicados a Haydn (K. 387, K. 421, K. 428, K. 458, K. 464, y K. 465) datan del período de 1782 a 1785 y equivalen a los Cuartetos de cuerda rusos Opus 33 que Haydn había compuesto en 1781 y que Mozart acompañó con una cariñosa dedicatoria. Al oírlos, Haydn permaneció en pie como signo de respeto hacia Mozart y, según recordó más tarde su hermana, dijo a Leopold sobre Wolfgang: "Le digo a usted ante Dios, y como un hombre honesto, que su hijo es el mayor compositor conocido por mí en persona y por reputación, tiene gusto y, además, la mayor habilidad para la composición".<br /><br />Desde 1782 hasta 1785, Mozart organizó conciertos en los que realizaba interpretaciones como solista, presentando tres o cuatro nuevos conciertos para piano en cada estación. Ya que el espacio en los teatros era escaso, reservó lugares poco convencionales para realizar sus conciertos, como un cuarto grande en el Trattnerhof (un edificio de apartamentos) y el salón de baile del Mehlgrube (un restaurante), entre otros.Los conciertos eran muy populares y de los que él estrenó algunos todavía son obras básicas de su repertorio. Solomon escribe que durante este período Mozart creó "una conexión armoniosa entre un ejecutante-compositor impaciente y una audiencia encantada, que dieron la oportunidad de atestiguar la transformación y la perfección de un género musical principal".<br /><br />Con las sustanciales ganancias de sus conciertos y otras actuaciones, el matrimonio Mozart adoptó un modo de vida más bien lujoso. Se trasladaron a un apartamento caro, con un alquiler anual de 460 florines.Mozart también compró una excelente fortepiano de Anton Walter por aproximadamente 900 florines y una mesa de billar por unos 300.Mozart envió a su hijo Karl Thomas a un internado caro y contrataron sirvientes. Con este modod de vida, el ahorro era, por lo tanto, imposible y el corto período de éxito financiero no hizo nada para amortiguar las dificultades que más tarde Mozart experimentaría.<br /><br />El 14 de diciembre de 1784, Mozart se convirtió en francmasón y fue admitido por la logia Zur Wohltätigkeit.[49] La francmasonería jugó un papel importante en el resto de la vida del compositor, ya que acudió a muchas reuniones, muchos de sus amigos eran masones y en varias ocasiones compuso música masónica.<br /><br />Vuelta a la ópera <br />Libreto del estreno de Las bodas de Fígaro en Praga en 1786.<br />Véase también: Mozart y Beethoven y Mozart y Praga<br /><br />A pesar del gran éxito obtenido con la ópera El rapto en el Serrallo en 1782, Mozart compuso poca literatura operística en los siguientes 4 años, produciendo únicamente dos obras inconclusas y un acto de Der Schauspieldirektor. Se centró fundamentalmente en su carrera como pianista solista y como compositor de conciertos. Sin embargo, alrededor de 1785, Mozart abandonó la composición de obras para teclado[50] y comenzó su famosa colaboración operística con el libretista Lorenzo da Ponte.<br /><br />En 1786 tuvo lugar en Viena el exitoso estreno de la ópera Las bodas de Fígaro, basada en la obra homónima de Pierre-Augustin de Beaumarchais y que no estuvo exenta de polémica debido a su contenido político. Sin embargo, Mozart y Da Ponte se las arreglaron para excluir de ésta todo aquello que pudiese "poner nerviosas" a las autoridades vienesas y logró pasar la censura. La preocupación del Emperador residía en que la obra sugería la lucha de clases y en Francia ya había generado algunos disturbios a su hermana María Antonieta. En el aria de Fígaro "Se vuol Ballare" se nota parte de ese contenido que quiso minimizarse (Fígaro, con fina pero intensa ironía, entona una cavatina dirigida a su patrón el Conde de Almaviva).<br /><br />Su recepción en Praga más tarde en el mismo año fue aún más cálida y esto condujo a una segunda colaboración con Da Ponte: la ópera Don Giovanni. Fue estrenada en Praga en octubre de 1787 con un rotundo éxito, al igual que sucedió en su estreno en Viena en 1788. Esta obra, que narra las aventuras de Don Juan, había sido un tema recurrente en la literatura y el teatro y, por lo tanto, Da Ponte no se basa en un texto particular, sino que recoge información de múltiples fuentes. La ópera fue catalogada por Mozart como un "dramma giocoso" y su título original era Il dissoluto punito o sia Il D. Giovanni. El contenido dramático de esta obra está presente desde el comienzo, con la muerte del comendador, hasta el final, y contiene algunos de los pasajes más hermosos de la obra de Mozart.<br /><br />Las dos óperas se encuentran dentro de las obras más importantes de Mozart y son básicas en el repertorio operístico actual, aunque en sus estrenos su complejidad musical causara dificultades tanto para los oyentes como para los intérpretes. El padre del compositor, Leopold, no pudo ser testigo de estos acontecimientos, ya que falleció el 28 de mayo de 1787. Esto lo sume en una gran aflicción, ya que su padre había sido su mejor consejero y amigo (hecho documentado en la numerosa correspondencia entre ambos).<br /><br />En diciembre de 1787 Mozart finalmente obtuvo un puesto estable bajo el patrocinio aristocrático. El emperado José II lo designó como su "compositor de cámara", un puesto que había quedado vacante el mes anterior tras la muerte de Christoph Willibald Gluck. Este era un nombramiento a tiempo parcial, recibiendo solamente 800 florines por año y sólo requirió que Mozart compusiera obras para los bailes anuales en el palacio imperial. Mozart se quejó a Constanze sobre que la paga era "demasiado para lo que hago, demasiado poco para lo que yo podría hacer".[51] Sin embargo, a pesar de que este ingreso era modesto fue importante para Mozart cuando los tiempos duros llegaron. Los expedientes judiciales muestran que el objetivo del Emperador era impedir que su estimado compositor abandonara Viena en la búsqueda de mejores perspectivas.<br /><br />En 1787, el joven Ludwig van Beethoven pasó dos semanas en Viena, esperando estudiar con Mozart. Los documentos existentes sobre este encuentro son contradictorios y existen al menos tres hipótesis en vigor: Mozart oyó la interpretación de Beethoven y lo elogió; Mozart rechazó a Beethoven como un estudiante; y que ellos nunca se encontraron.<br /><br />Dificultades económicas <br />Véase también: Viaje de Mozart a Berlín<br />Mozart en 1789, por Doris Stock.<br /><br />Hacia el final de la década, la situación económica de Mozart empeoró. Alrededor de 1786 dejó de aparecer frecuentemente en conciertos públicos, por lo que sus ingresos se redujeron. Esa época fue de grandes dificultades para todos los músicos de Viena a causa de la guerra entre Austria y Turquía y que el nivel de prosperidad y estatus económico de la aristocracia, que los financiaba, había reducido.<br /><br />La ciudad de Viena iría perdiendo el interés musical por Mozart debido al advenimiento de otros pianistas con una técnica mucho más aguerrida que Mozart, como en el caso de Muzio Clementi, con escalas en terceras y acordes más sonoros, ideales para los pianos de construcción inglesa de una sonoridad más robusta, al contrario de los de sonoridad delicada vienesa, aptos para las escalas y sutilezas del pianismo mozartiano. Sus Academias o conciertos por suscripción, que habían sido en toda su estadía en Viena una de las mejores fuentes de ingreso (además de inspiración y motivo de composición de sus conciertos para piano y orquesta a partir del n.º 11, KV 413), comenzaron a perder audiencia, por lo que ya no le reportaban beneficios económicos.<br /><br />A mediados de 1788, Mozart y su familia se trasladaron desde el centro de Viena a un alojamiento más barato en el barrio periférico de Alsergrund.[52] Mozart comenzó a pedir prestado dinero, cada vez más frecuentemente a Johann Michael Puchberg, un amigo y hermano de la misma logia masónica. Existe una "lamentable secuencia de cartas suplicando préstamos". Maynard Solomon y otros autores han sugerido que Mozart estaba sufriendo una depresión y que parecía que ralentizaba su recuperación económica.[55] Las principales obras de este periodo incluyen las tres últimas sinfonías (número 39, 40 y 41), todas ellas de 1788, y la última de las tres óperas en las que colaboró con Da Ponte operas, Così fan tutte, estrenada en 1790.<br /><br />Aproximadamente en esa época, Mozart realizó una serie de largos viajes con la esperanza de incrementar sus ingresos: a Leipzig, Dresde y Berlín en la primavera de 1789 y a Francfort, Mannheim y otras ciudades alemanas en 1790. Los viajes sólo produjeron éxitos aislados y no mitigaron los sufrimientos económicos de la familia.<br /><br />En 1789 recibió una oferta del empresario inglés Johann Peter Salomon, quien le propone a él y a Haydn realizar una gira de conciertos por Inglaterra. Se acordó que Haydn fuese el primero en ir (pasando allí la temporada 1791-1792) y Mozart iría a la vuelta de éste (aunque no tuvo ocasión de realizar este viaje, ya que falleció en 1791 antes de que Haydn volviese).<br /><br />Último año de vida <br /><br />El último año de vida de Mozart, 1791, fue, hasta su enfermedad final, un tiempo de gran productividad y, en cierto sentido, un tiempo de recuperación personal.[56] Realizó numerosas composiciones, incluyendo algunos de sus trabajos más admirados: la ópera La flauta mágica, el final del Concierto para piano n.º 27 en si♭ (K. 595), el Concierto para clarinete K. 622, el último de su gran serie de quintetos de cuerda (K. 614 en mi♭), el motete Ave verum corpus K. 618 y el inacabado Réquiem K. 626.<br /><br />La situación financiera de Mozart, una fuente de ansiedad extrema en 1790, finalmente comenzó a mejorar. Aunque las evidencias no sean concluyentes[57] aparecen patrocinadores ricos en Hungría y Amsterdam prometiendo anualidades a Mozart, a cambio de composiciones ocasionales. Probablemente también se benefició de la venta de música de baile compuesta en su papel como compositor de cámara imperial.[57] Mozart más volvió a pedir dinero prestado a Puchberg y empezó a hacer frente al pago de sus deudas.<br /><br />Experimentó una gran satisfacción por el éxito público de algunos de sus trabajos, destacando La flauta mágica (representada en numerosas ocasiones en el corto período entre su estreno y la muerte del compositor)[58] y la Pequeña cantata masónica K. 623, estrenada el 15 de noviembre de 1791.[59]<br /><br />En marzo de 1791, Mozart ofreció en Viena uno de sus últimos conciertos públicos; tocó el Concierto para piano n.º 27 (KV 595). Su último hijo, Franz Xaver, nació el 26 de julio.<br /><br />Enfermedad final y fallecimiento [editar]<br />Artículo principal: Muerte de Wolfgang Amadeus Mozart<br />Mozarts letzte Tage ("Últimos días de Mozart") de Hermann von Kaulbach (1873).<br /><br />La salud del compositor empezó a declinar y su concentración disminuía. Mozart se sintió enfermo durante su estancia en Praga durante el estreno el 6 de septiembre de su ópera La clemenza di Tito, compuesta en esa año como un encargo para los festejos de la coronación de Leopoldo II como emperador.[60] La obra fue acogida con frialdad por el público. Al regresar a Viena, Mozart se puso a trabajar en el Réquiem y preparó, en compañía del empresario teatral y cantante Emanuel Schikaneder, los ensayos de la ópera La flauta mágica. Ésta se estrenó con enorme éxito el 30 de septiembre, con el propio Mozart como director.<br /><br />Por entonces Mozart escribió el Concierto en la mayor para clarinete (KV 622), compuesto para el clarinetista Anton Stadler. En octubre su salud empeoró; caminaba con su esposa por un parque cuando de pronto se sentó en un banco y muy agitado comentó a Constanze que alguien lo había envenenado. El 20 de noviembre la enfermedad se intensificó y cayó postrado en cama, sufriendo hinchazón, dolor y vómitos.<br />Tumba de Mozart en el cementerio de St. Marx en Viena.<br /><br />Mozart recibió los cuidados de su esposa Constanze y su hermana menor Sophie durante su enfermedad final y fue atendido por el doctor Thomas Franz Closset. Es un hecho probado que estaba mentalmente ocupado en la finalización de su Réquiem. Sin embargo, las evidencias de que realmente dictara pasajes a su discípulo Franz Xaver Süssmayr es muy remota.<br /><br />El 5 de diciembre de 1791, aproximadamente a las doce de la madrugada, llegó el doctor Closset de la ópera y ordenó que se pusiesen compresas frías sobre la frente para bajarle la fiebre (a pesar de que Sophie se mostró reacia a hacerlo, puesto que pensaba que no sería bueno para el enfermo el cambio tan brusco de temperatura), lo que hizo tanto efecto en él que perdió el conocimiento, que no volvió a recuperar hasta su muerte. Según Sophie, los últimos suspiros de Mozart fueron "como si hubiera querido, con la boca, imitar los timbales de su Réquiem".<br /><br />Alrededor de la una de la madrugada, Mozart falleció en Viena a la edad de 35 años y su funeral tuvo lugar en la Catedral de San Esteban (donde también se casó con Constanze), el día 6 de diciembre. Fue amortajado según el ritual masónico (manto negro con capucha).<br /><br />El entierro de Mozart fue de tercera categoría, con un coste de ocho florines con cincuenta y seis kreutzer, lo usual para miembros de la burguesía media. Fue enterrado al anochecer, siendo trasladado el féretro en coche de caballos hasta el cementerio de St. Marx en Viena, en el que recibió sepultura en una tumba comunitaria simple (no en una fosa común). El tiempo que hacía aquella noche era suave y tranquila, no tormentosa como se ha pensado erróneamente. Según el biógrafo Otto Jahn afirmó en 1856, al entierro asistieron Antonio Salieri, Süssmayr, Gottfried Van Swieten y otros dos músicos.<br /><br />La escasa afluencia de público al entierro de Mozart no reflejó su categoría como compositor, ya que los funerales y conciertos en Viena y Praga contaban con mucha afluencia.[65] Ciertamente, en el período inmediatamente posterior a su muerte la reputación de Mozart se incrementó considerablemente: Solomon lo describe como "una ola de entusiasmo sin precedentes" por sus obras. Varios escritores redactaron biografías sobre el compositor, como Friedrich Schlichtegroll, Franz Xaver Niemetschek y Georg Nikolaus von Nissen, entre otros; y los editores compitieron para publicar las ediciones completas de sus obras.[65]<br /><br />Hipótesis sobre su muerte <br />Artículo principal: Muerte de Wolfgang Amadeus Mozart<br /><br />La inesperada y misteriosa muerte de Mozart ha suscitado gran interés desde el principio. En el acta de defunción oficial constaba que el compositor austríaco había fallecido a causa de una "hitziges Frieselfieber" ("fiebre miliar aguda", refiriéndose a una erupción cutánea parecida a semillas de mijo), una descripción que no basta para identificar la causa en la medicina moderna y que es demasiado amplia e inexacta, ya que no se llevó a cabo la autopsia debido al avanzado estado de descomposición en que se encontraba el cadáver.<br /><br />Se han propuesto multitud de teorías sobre la muerte del compositor, incluyendo triquinosis, gripe, envenenamiento por mercurio y un extraño achaque en el riñón. La práctica de sangrías en los pacientes era común en la época y también se cita como un posible factor que contribuyera a su muerte. Sin embargo, la versión más ampliamente aceptada es la muerte por una fiebre reumática aguda. Es conocido que que tuvo tres o incluso cuatro ataques desde su infancia y esta enfermedad es recurrente, con un consecuencias incrementalmente más series en cada ataque, como una infección descontrolada o daño en las válvulas cardiacas.<br /><br />Aspecto físico y personalidad <br />Véase también: Mozart y la viruela y Mozart y la Iglesia católica<br />El llamado "Mozart de Bolonia" fue copiado en 1777 en Salzburgo (Austria) por un autor desconocido a partir de un retrato original perdido para la galería de compositores de Giovanni Battista Martini en Bolonia (Italia).<br /><br />El aspecto físico de Mozart fue descrito por el tenor Michael Kelly, en sus Reminiscencias: "un pequeño hombre notable, muy delgado y pálido, con una prominente cabellera de cabellos claros, por la que era muy vanidoso". Como uno de sus primeros biógrafos, Franz Xaver Niemetschek, escribió "no había nada especial en [su] físico. [...] Era pequeño y su semblante, excepto sus ojos grandes e intensos, no mostraba ningún signo de su genio". Su tez facial estaba picada, una secuela de la viruela que sufrió en su niñez. Le gustaba la ropa elegante. Kelly lo recordó en un ensayo: "Estaba sobre la etapa con su pelliza carmesí y su bicornio con encajes de oro, dando el tempo de la música a la orquesta". Por su lado, Constanze escribió más tarde que "era un tenor, bastante suave en la oratoria y delicado en el canto, pero cuando algo lo excitaba, o era necesario ejercerlo, era tan poderoso como enérgico".<br /><br />Mozart por lo general trabajaba durante mucho tiempo y con fuerza, terminando composiciones a un gran ritmo debido a los ajustados plazos. A menudo hacía bosquejos y esbozos aunque, a diferencia de Ludwig van Beethoven, no se han conservados ya que Constanze los destruyó después de su muerte.<br /><br />Fue criado según la moral católica y fue un miembro leal de la Iglesia en todas las etapas de su vida.<br /><br />Mozart vivió en el centro del mundo musical vienés y conocía a un gran número y variedad de gente: músicos de todo tipo, intérpretes teatrales, salzburgueses de todo tipo y muchos aristócratas, incluyendo algún conocido del emperador José II. Solomon considera que sus tres amigos más cercanos pudieron haber sido a Gottfried Janequin, el conde August Hatzfeld y Sigmund Barisani. Muchos otros incluyeron entre sus amistades a su viejo colega Joseph Haydn, los cantantes Franz Xaver Gerl y Benedikt Schack y el trompa Joseph Leutgeb. Leutgeb y Mozart mantuvieron un curioso tipo de burlas amistosas, a menudo con Leutgeb siendo el objeto de las bromas pesadas de Mozart.<br /><br />Disfrutaba jugando al billar y el baile y tenía varios animales domésticos: un canario, un estornino, un perro y también un caballo para equitación lúdica. En particular en su juventud, Mozart tenía un cariño asombroso para el humor escatológico (no tan insólito en su tiempo), que se aprecia en sus muchas de sus cartas que sobreviven, especialmente aquellos escritos a su prima Maria Anna Thekla Mozart alrededor de 1777-1778, pero también en su correspondencia con su hermana Nannerl y sus padres.[72] Mozart incluso escribió música escatológica, como el canon Leck mich im Arsch K. 231 (literalmente "Lámeme el culo", a veces idiomáticamente traducido como "Bésame el culo" o "Atáscate").<br /><br />Mozart aparece hoy como uno de los más grandes genios musicales de la historia. Era capaz de concebir mentalmente obras enteras hasta en sus más mínimos detalles para escribirlas después tranquilamente en medio de la conversación y el bullicio. Fue excelente pianista, organista, violinista y director y destacaba por sus improvisaciones, que solía realizar en sus conciertos y recitales.<br /><br />La música de Mozart, al igual que la Joseph Haydn, es presentada como un ejemplo arquetípico del estilo clásico. En la época en la que comenzó a componer, el estilo dominante en la música europea era el estilo galante: una reacción contra la complejidad sumamente desarrollada de la música del Barroco. Pero cada vez más, y en gran parte en las manos del propio Mozart, las complejidades del contrapunto del Barroco tardío surgieron una vez más, moderado y disciplinado por nuevas formas y adaptado a un nuevo entorno estético y social. Mozart fue un compositor versátil y compuso en cada género principal, incluyendo la sinfonía, la ópera, el concierto para solistas y la música de cámara. Dentro de éste último género, realizó composiciones para diversas agrupaciones de instrumentos, incluyendo el cuarteto y el quinteto de cuerda y la sonata para piano. Estas formas no eran nuevas, pero Mozart realizó avances en la sofisticación técnica y el alcance emocional de todas ellas. Casi sin ayuda de nadie desarrolló y popularizó el concierto para piano clásico. Compuso numerosas obras de música religiosa, incluyendo una gran cantidad de misas; pero también muchas danzas, divertimentos, serenatas y otras formas musicales ligeras de entretenimiento. También compuso para cualquier tipo de instrumento.<br /><br />Los rasgos centrales del estilo clásico están todos presentes en la música de Mozart. La claridad, el equilibrio y la transparencia son los sellos de su trabajo, pero cualquier noción simplista de su delicadeza enmascara el poder excepcional de sus obras maestras más finas, como el Concierto para piano n.º 24 en do menor K. 491, la Sinfonía n.º 40 en sol menor K. 550 y la ópera Don Giovanni. Charles Rosen hace hincapié en este punto:<br />Es sólo por el reconocimiento de la violencia y la sensualidad en el centro de la obra de Mozart que podemos encaminarnos hacia una comprensión de sus estructuras y hacernos una idea de su magnificencia. De un modo paradójico, la caracterización superficial de la Sinfonía en sol menor de Schumann puede ayudarnos a ver al demonio de Mozart más regularmente. En todas las expresiones supremas de sufrimiento y terror de Mozart, hay algo terriblemente voluptuoso.<br /><br />Sobre todo durante su última década, Mozart explotó la armonía cromática hasta un extremo desconocido hasta entonces, con una notable seguridad y un gran efecto artístico.<br />Una sección de una página del manuscrito del Réquiem de Mozart, K 626. (1791), mostrando el encabezamiento de Mozart en el primer movimiento. Austrian National Library, Codex 17561a, folio 1 (recto).<br /><br />Mozart siempre tenía un don para absorber y adaptar los rasgos más valiosos de la música de otros compositores. Sus viajes seguramente le ayudaron a forjarse un lenguaje compositivo único.En Londres siendo niño, tuvo lugar un encuentro con Johann Sebastian Bach y escuchó su música. En París, Mannheim y Viena encontró muchas otras influencias compositivas, así como las capacidades de vanguardia de la orquesta de Mannheim. En Italia conoció la obertura italiana y la opera buffa, las cuales afectaron profundamente en la evolución de su propia práctica. Tanto en Londres como Italia, el estilo galante estaba en auge: música simple, brillante con una predilección por la cadencia; un énfasis en la tónica, dominante y subdominante y la exclusión de otro tipo de acordes; frases simétricas; y particiones claramente articuladas en la forma total de los movimientos.[76] Algunas de las primeras sinfonías de Mozart son oberturas italianas, con tres movimientos que penetrando unos en otros; muchas son homotonales (cada movimiento en la misma armadura de clave, con el movimiento más lento en el tono relativo menor). Otras obras imitan a las de Bach y otras muestran las simples formas binarias redondeadas escritas habitualmente por los compositores vieneses.<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/qsppsK4cRAE&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/qsppsK4cRAE&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-41537714842494503902009-06-14T18:51:00.000-07:002009-06-14T19:30:00.925-07:00New Order<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8515foAohS0P7fwH_Fm4dhjV-oFGuB0GrdF8WzJRlc6oYqHptGTmFiLdtoeMvFmaDSek5mAVfemdX-pzmZs5KEdzodt485RMB7uIZ3ENbd-uDiE7N5O0YFcrF5WcIsvAwc9N9FOMimZtT/s1600-h/new_order.0.tif.big.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 318px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8515foAohS0P7fwH_Fm4dhjV-oFGuB0GrdF8WzJRlc6oYqHptGTmFiLdtoeMvFmaDSek5mAVfemdX-pzmZs5KEdzodt485RMB7uIZ3ENbd-uDiE7N5O0YFcrF5WcIsvAwc9N9FOMimZtT/s320/new_order.0.tif.big.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5347375651134622002" /></a><br />New Order grupo inglés de rock, formado en 1980 por los miembros del disuelto grupo Joy Division<br /><br />La versión temprana de New Order era fácilmente relacionable con el grupo anterior, pero enseguida encontraron un sonido característico, descrito como una fusión entre la música electrónica y el new wave o post punk.<br /><br />Estaban compuesto inicialmente por Bernard Sumner (guitarra, teclados y voz), Peter Hook (bajo) y Stephen Morris (batería). En 1981 se integró Gillian Gilbert (teclados; actualmente esposa de Morris), quien lo abandonó 2001, para cuidar del hijo de ambos, el cual padece una grave enfermedad. En su reemplazo ingresó Phil Cunningham, para hacerse cargo de los teclados y la guitarra.<br /><br />Son una de las bandas más importantes de la historia musical moderna e influyentes en la música popular de las dos últimas décadas. La historia comienza en Manchester, en el año 1976, cuando Bernard Sumner (guitarra), Peter Hook (bajo), Stephen Morris (batería), e Ian Curtis (cantante), se reúnen con el nombre de warsaw. Después cambian su nombre a Joy Division, evolucionando la música punk heredada por los Sex Pistols, creando lo que se llamaría post-punk. En 1980 Ian Curtis acaba con su vida, lo que significa el fin de Joy Division. Sus miembros vivientes deciden seguir haciendo música bajo el nombre de New Order, esta vez con la teclista Gillian Gilbert (esposa de Sthepen Morris). New Order perteneció al sello discográfico Factory Records, propiedad de su amigo Tony Wilson. Cuando el sello cerró, la banda hallaría acomodo en London Records, donde permanecen actualmente.<br /><br />En 1981 editaron su primer álbum discográfico bajo el nombre de New Order, titulado Movement. Después de muchos trabajos lanzan su canción más representativa, Blue Monday que alcanzó éxito mundial. En 1989 lanzaron uno de sus mejores discos, Technique, donde encuentran un sonido tecno con una ligera mezcla del new wave y es considerado, junto al Happiness de The Beloved, el disco que marca el cambio de la música de baile enfocada al hedonismo a la música de baile enfocada a la introspección.<br /><br />En 1993 publicaron Republic, escrito y producido junto a Stephen Hague y considerado por muchos su disco más accesible. Poco tiempo tras la edición se separaron para perseguir proyectos en solitario: Bernard Sumner junto a Johnny Marr de The Smiths formó Electronic, la excisión de más éxito comercial con tres discos y colaboraciones con Pet Shop Boys y Karl Bartos de Kraftwerk. Peter Hook formó Revenge, disuelta tras un disco y un par de EPs, para luego fundar Monaco junto a David Potts, publicando dos discos. Ambos miembros restantes, Stephen Morris y Gillian Gilbert formarían The Other Two (Los otros dos), que publicó otros dos discos.<br /><br />Este paréntesis terminaría cuando se reunieron para tocar en el Festival de Reading de 1998, volviendo al estudio poco después para grabar Get Ready en el 2001. En 2005, editaron su mas reciente trabajo (ya sin Gillian Gilbert y con la inclusión de Phil Cunningham) titulado Waiting for the siren's call.<br /><br />En 2007 Peter Hook anuncia la separación del grupo -la cual sería desmentida más tarde por los demás integrantes- lo cual ha marcado una batalla de dimes y diretes sobre el futuro del grupo. Hook ahora se concentra en un proyecto junto a Mani de los Stone Roses y Andy Rourke de The Smiths llamado Freebass, y ocasionalmente hace presentaciones como DJ. Por su parte, Bernard Sumner anunció un nuevo proyecto llamado Bad Liutenant. En tanto, Morris regresó al estudio junto con su esposa Gillian para remezclar un par de canciones para el disco Year Zero Remixed de Nine Inch Nails.<br /><br />Actualmente (2009), el futuro de la banda es incierto. Sin embargo, a finales de 2008 Warner Records re-editó los primeros albumes de la banda (el catálogo de la banda de Factory Records) en edición especial incluyendo en cada uno un disco extra con lados b, remixes y singles. En tanto, se cree que pronto habrá más material por lanzar de la banda, como los temas inéditos de las sesiones del Waiting for the siren's call.<br /><br />Discografía<br /><br />Álbumes<br /><br /> * 1981 - Movement.<br /> * 1983 - Power, Corruption & Lies.<br /> * 1985 - Low-Life.<br /> * 1986 - Brotherhood.<br /> * 1989 - Technique.<br /> * 1993 - Republic.<br /> * 2001 - Get Ready.<br /> * 2005 - Waiting for the Sirens' Call.<br /><br />Recopilaciones<br /><br /> * 1987 - Substance.<br /> * 1994 - The Best of.<br /> * 1995 - The Rest of. (Compilado de Remixes)<br /> * 2002 - International.<br /> * 2005 - Singles<br /><br />Sencillos y EP<br /><br /> * 1981 - Ceremony, 1981.<br /> * 1981 - Procession / Everything's Gone Green, 1981.<br /> * 1981 - 1981-1982 New Order, 1981.<br /> * 1982 - Temptation, 1982.<br /> * 1983 - Blue Monday, 1983.<br /> * 1983 - Confusion, 1983.<br /> * 1984 - Thieves Like Us, 1984.<br /> * 1985 - The Perfect Kiss, 1985.<br /> * 1985 - Sub-culture, 1985.<br /> * 1986 - Shellshock, 1986.<br /> * 1986 - State of the Nation, 1986.<br /> * 1986 - Bizarre Love Triangle, 1986.<br /> * 1987 - True Faith, 1987.<br /> * 1987 - Touched by the Hand of God, 1987.<br /> * 1988 - Blue Monday ‘88, 1988.<br /> * 1989 - Fine Time, 1989.<br /> * 1989 - Round & Round, 1989.<br /> * 1989 - Run 2, 1989.<br /> * 1990 - World in Motion, 1990.<br /> * 1993 - Regret, 1993.<br /> * 1993 - Ruined in a Day, 1993.<br /> * 1993 - World (The Price of Love), 1993.<br /> * 1993 - Spooky, 1993.<br /> * 1994 - True Faith ‘94, 1994.<br /> * 1995 - 1963, 1995.<br /> * 1995 - Blue Monday ‘95, 1995.<br /> * 1995 - Bizarre Love Triangle, 1995.<br /> * 1997 - Video 5 8 6, 1997.<br /> * 2001 - Crystal, 2001.<br /> * 2001 - 60 Miles an Hour, 2001.<br /> * 2002 - Someone Like You, 2002.<br /> * 2002 - Here to Stay, 2002.<br /> * 2003 - The Peter Saville Show Soundtrack EP, 2003.<br /> * 2005 - Krafty, 2005.<br /> * 2005 - Jetstream, 2005.<br /> * 2005 - Waiting for the Sirens' Call, 2005.<br /> * 2006 - Turn, 2006.<br /> * 2006 - Guilt Is A Useless Emotion, 2006.<br /> * 2006 - Blue Monday (12" vinyl), 2006.<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/3duUzBbBmmc&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/3duUzBbBmmc&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-92130012458011333192009-06-14T17:44:00.000-07:002009-06-14T18:51:42.431-07:00Joy Division<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjY1EYL925KQ_3Nps96g84jQDkd9DFV-ZsAYOMzmde6zuBOK1T38JQCwBIu0NhFPYGhCBGxEdf8ivTldvwVyDJJI_WR9wxNEjM0TiPdl7g9pSmVb14J-k8UNvaJ73uOCEtXTk_Z_DlYtomX/s1600-h/410w.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 207px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjY1EYL925KQ_3Nps96g84jQDkd9DFV-ZsAYOMzmde6zuBOK1T38JQCwBIu0NhFPYGhCBGxEdf8ivTldvwVyDJJI_WR9wxNEjM0TiPdl7g9pSmVb14J-k8UNvaJ73uOCEtXTk_Z_DlYtomX/s320/410w.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5347355496867236466" /></a><br />Joy Division fue una banda de post-punk inglesa, formada en 1976 en Salford, Greater Manchester. Llegó a su fin en 1980, tras el suicidio de su cantante Ian Curtis en mayo de ese año. Como la banda decidió continuar con su carrera, cambió su nombre a New Order, que paulatinamente iría cambiando a estilos más electrónicos.<br /><br />Aunque tuvieron un éxito moderado en su carrera, y lanzaron sólo dos álbumes de estudio, Joy Division han sido aclamados desde entonces como uno de los más innovadores, evocativos e influyentes grupos de su tiempo; Thom Jurek escribe «Tan solo nos dejaron un pequeño retazo de música y un eco que aún suena».<br /><br />Joy Division fueron etiquetados por mucha gente como una banda oscura y depresiva, debido a lo inhóspito de su música: ("la Belleza de nuestra Angustia, lo Sublime de lo Horrible") y al suicidio de Ian Curtis. Sin embargo, los restantes miembros de la banda y la gente que conocieron lo han negado siempre.<br /><br />Sus influencias van desde el proto-punk: The Velvet Underground, The Stooges; el punk: Sex Pistols; e incluso el glam: David Bowie. Todas estas bandas bordeando más siempre un ámbito alternativo. Se podría decir que Joy Division tomó de estas bandas un poco y lo mezcló en un estilo que sólo pocos han podido interpretar: el post-punk. Del proto-punk tomó su excentricidad y lírica. Del punk tomó la fuerza escénica y musical. En su etapa final también incorporaron la influencia de bandas electrónicas pioneras como Kraftwerk.<br />Joy Division estaba compuesto inicialmente por Ian Curtis (guitarra y voz), Bernard Sumner (guitarra y teclado), Peter Hook (bajo) y Terry Mason (batería). Tras el alejamiento de Terry Mason en mayo de 1977, Tony Tabac lo reemplazó fugazmente hasta junio de 1977 y Steve Brotherdale, también de manera provisional, hasta agosto de 1977. Finalmente Stephen Morris se convirtió en el baterista definitivo, en agosto de 1977.<br /><br />Inspirados por la presentación de los Sex Pistols en el Manchester Lesser Free Trade Hall, el 20 de julio de 1976, Bernard Sumner (también conocido como Bernard Dicken, Bernard Albrecht y Bernard Albrecht-Dicken) y Peter Hook formaron un grupo junto a su amigo Terry Mason. Sumner compró una guitarra, Hook compró un bajo y Mason un equipo de batería. El grupo puso un anuncio en una tienda de discos de Manchester, reclutando así a Maxi Koch y a Joakin Hail, quienes grababan las voces, y a Ian Curtis como cantante. Curtis conocía a Sumner, Hook y Mason de presentaciones previas, ya que también estuvo esa noche en el público del concierto de los Sex Pistols junto a su esposa, Deborah. Richard Boon y Pete Shelley del grupo Buzzcocks sugirieron el nombre Stiff Kittens para el grupo. Aunque el nombre «Stiff Kittens» apareció en algunos panfletos de presentaciones, al grupo nunca le agradó ni lo aceptó oficialmente.<br />Debido a que carecía de confianza en sus capacidades como batería, Mason abandonó el grupo el día anterior a la primera presentación en el Electric Circus, para transformarse en el representante del grupo. Para la ocasión, fue reemplazado por Tony Tabac. Momentos antes de aquella presentación junto a Buzzcocks y a Penetration, el 29 de mayo de 1977, el grupo cambió su nombre a Warsaw, en homenaje a la canción de David Bowie y Brian Eno Warszawa. Cinco semanas después, tras seis presentaciones, Tabac fue reemplazado por el baterísta del grupo punk Panik, Steve Brotherdale. Grabaron The Warsaw Demo el 18 de julio de 1977, cinta que contenía cinco crudas canciones de punk.<br /><br />Después del demo, Brotherdale fue despedido de una extraña manera: mientras todo el grupo iba en una camioneta, le pidieron que bajara a revisar los neumáticos de las llantas porque se sentían bajas. Al bajar a revisar, el auto aceleró y se fue sin el. Stephen Morris fue contratado como reemplazante de Brotherdale, tras ver un anuncio en la ventana de una tienda de música. Fue contratado en primera instancia puesto que Curtis recordaba haber asistido al mismo colegio que Morris. Curtis era dos años mayor que Morris. En comparación con los baterías anteriores, Morris encajó bien con los tres miembros restantes.<br /><br />A comienzos de 1978, para evitar la confusión con el grupo de punk de Londres Warsaw Pakt, Warsaw cambió su nombre a Joy Division. Este nombre, que contrasta con su verdadera traducción de "división de la alegría", hace referencia al grupo de mujeres judías usadas como esclavas sexuales en los campos de concentración nazis,representadas en la novela de 1955 de Ka-Tzetnik 135633. Aunque la elección del nombre fue de una manera más reflexiva, que una forma de luchar contra los tabúes, esta elección, junto con la adopción por parte de Sumner del apellido Albrecht acumularon en el grupo una serie de críticas de perceptible insensibilidad. Incluso fueron perseguidos por acusaciones de neonazismo, acusaciones que negaron vigorosamente.<br /><br />La música y el género musical del grupo se empezó a definir por este periodo. Las sesiones grabadas en diciembre de 1977 comenzaron a sonar de manera considerablemente distinta al sonido producido en The Warsaw Demo.<br /><br />El primer show de Joy Division fue en el Pip's, Manchester, el 24 de enero del 78. El tres y cuatro de mayo de ese año grabaron para el sello RCA el material de su primer disco. Sin embargo, el productor John Anderson, creyendo que el punk no duraría mucho y sin el consentimiento de los músicos llenó la grabación de sintetizadores en la mezcla final. La banda estuvo completamente en desacuerdo con esto y el disco nunca fue editado -aunque se convertiría en uno de los bootlegs más conocidos del grupo. Poco después Rob Gretton reemplazó a Terry Mason como manager. Sobre el sonido de la banda Bernard Sumner dice: «Joy Division tenía una fórmula pero nunca trabajábamos de forma premeditada. Salía naturalmente. Yo era el ritmo y los acordes, y Hooky la melodía. Solía tocar su bajo a un volumen alto porque me gustaba distorsionar la guitarra y el amplificador que usaba solo funcionaba al máximo volumen. Cuando Hooky tocaba a un volumen bajo, no se escuchaba. Steve tenía su propio estilo, diferente al de otros bateristas. Para mi, el baterista es el reloj de la banda porque es pasivo: el podía seguir el ritmo de la banda, marcando nuestro propio límite. En vivo, nos manejábamos visualmente viendo a Ian bailar». En cuanto a las letras agrega que «todo el mundo dice que nuestras letras son oscuras y pesadas. Con bastante frecuencia me preguntan por qué. La única respuesta que puedo dar es mi respuesta. El lugar donde vivía de chico, donde tengo mis memorias más felices, desapareció. Todo lo que queda es una vieja planta química. Me dí cuenta de que nunca iba a poder volver atrás, recuperar esa felicidad. Entonces está este vacío. Para mi Joy Division era acerca de la muerte de mi comunidad y de mi infancia. Era completamente irrecuperable».<br /><br />El 9 de junio Joy Division tocó junto con otras bandas en la apertura del club The Factory de Tony Wilson. El artista Peter Saville diseñó el póster del evento que fue conocido como FAC 1!! Poco después Tony Wilson funda el sello discográfico Factory que en diciembre de ese año edita el EP A Factory Sample, un compilado de las bandas del sello entre las que estaban Durruti Column, John Dowie y Cabaret Voltaire. Joy Division participó con los temas Glass y Digital. El 27 de diciembre hicieron su primera actuación en Londres, en el Hope And Anchor de Islington frente a alrededor de 30 personas. Este fue, además, el primer concierto por el que cobraron entrada.<br />El 14 de febrero de 1979 Joy Division toco en la BBC, donde grabaron varios temas para el conocido programa de John Peel -posteriormente sería conocido (y editado) como The 1st Peel Session. Esto les dio bastante publicidad y en marzo de ese mismo año tocaron como teloneros de The Cure en el Marquee de Londres. En abril de 1979 graban Unknown Pleasures, la producción fue de Martin Hannett y el diseño de la portada lo realizó Peter Saville. Ambos continuarían trabajando con Joy Division y, posteriormente, con New Order. El disco tuvo muy buenas críticas y vendió bien. A pesar del éxito y las ofertas de sellos grandes, Joy Division decidió quedarse en Factory para poder tener control sobre su música. En noviembre de 1979 la Warner Bros. americana les ofreció un millón de dólares para distribuir su disco en Estados Unidos y hacer algunos videos. Nunca respondieron. Su actitud sería similar cuando en mayo de 1980 se repitió la oferta en términos más favorables para la banda.<br /><br />El 31 de agosto de 1979 reunieron a 1200 personas en el Electric Ballroom, Londres. La mayor audiencia que tuvo la banda. El 15 de septiembre aparecieron en la televisión en el programa Something Else de la BBC -antes habían aparecido un par de veces en Granada TV-. Los violentos movimientos del cantante durante Transmission y She's lost Control impresionaron a la audiencia. Pronto llamarían la atención por otras razones. Curtis sufría de epilepsia y con frecuencia tenía convulsiones, espasmos y hasta pérdida del conocimiento. El 26 de noviembre grabaron por segunda vez con John Peel -The 2nd Peel Session-. Una de las canciones era Love will tear us apart que pronto se convirtió en un clásico de la banda y una de las más conocidas canciones «no grabadas» de Inglaterra: hasta el 10 de abril de 1980 en que fue editada como single, solo era posible oírla en los conciertos.<br /><br />En diciembre iniciaron una breve gira por Europa que se prolongó hasta enero y durante el cual terminó el affaire de Ian con Annick Honore que había empezado un par de meses antes. De esta gira es famoso el concierto en el club Paradiso de Amsterdam. No sólo porque en el tocaron dos sets consecutivos con un total de 17 canciones, sino también por ser otro de los bootlegs más famosos de la banda. En marzo del '80 la revista Sordine Sentimental editó un disco de siete pulgadas llamado Licht Und Blindheit, se editaron 1578 discos numerados sin silencios entre las canciones. Fue una producción de Martin Hannett que incluyó Dead Souls y Atmosphere -otro clásico- que Joy Division había grabado en octubre del año anterior.<br /><br />En marzo grabaron el material de su segundo disco, Closer y el single Love Will Tear Us Apart. El tratamiento médico de Curtis no ayudaba y su condición general parecía agravarse a medida que la agenda de la banda aumentaba. Sus ataques continuaban, incluso en escena. Durante un concierto como teloneros de los Stranglers perdió el control de sí mismo y derribó la batería. Tres días después intentó suicidarse con una sobredosis de fenobarbital. La noche siguiente debió ser reemplazado en el concierto del Derby Hall, Bury. La gente, que esperaba a Curtis, comenzó un verdadero caos donde no faltaron golpes y botellas volando. Curtis vio todo entre bastidores y no pudo dejar de sentirse responsable.<br /><br />El dos de mayo Joy Division dio su último concierto en Birmingham. Este concierto, la única vez que tocaron Ceremony, aparecería luego en el disco doble Still. Dos semanas después, iban a partir a Estados Unidos para hacer su primer tour en ese país.<br /><br />En la mañana del domingo 18 de mayo de 1980 Curtis estaba viendo el filme Stroszek, al terminar el filme puso el disco The Idiot, de Iggy Pop y tras escribir una nota a su esposa se ahorcó en la cocina de su casa, con una cuerda de tender la ropa. Dos meses después Love Will Tear Us Apart alcanzó el Top 20 de los charts británicos mientras que Closer llegó al Top 10. Cuando parecía que eso era todo y que la carrera de la banda estaba terminada; Sumner, Hook y Morris formaron New Order. El grupo continuaría el camino de Joy Division, incorporando otros ritmos, ampliando su horizonte de experimentación pero manteniendo siempre su independencia y calidad. No puede negarse la influencia de Curtis en este cambio de dirección. «Ian solía hacernos escuchar los álbumes de Kraftwerk diciendo 'escuchen esto, es algo nuevo, algo fantástico'. Tal vez él sabía y nos estaba mostrando el camino», recordó Sumner en una entrevista de Paul Morley.<br />A Joy Division les tomó tiempo desarrollar su propio sonido.Como Warsaw, la banda practicaba una "forma inclasificable de hard rock con toques punk". El crítico Simon Reynolds aseguraba que "la originalidad de Joy Division se ponía de manifiesto cuando las canciones se volvían más lentas". La música del grupo adoptó un tono "desparramado"; según Reynolds "el bajo de Peter Hook llevaba la melodía, la guitarra de Bernard Sumner rellenaba los huecos del sonido a base de densos riffs y la batería de Stephen Morris parecía rodear el borde de un cráter". Sumner describió el sonido característico de la banda en 1994: "Salió de forma natural, yo más con el ritmo y Hooky más con la melodía. Él solía tocar fuerte el bajo porque a mi me gustaba el sonido distorsionado de la guitarra, y el amplificador que yo tenía sólo funcionaba con el volumen a tope. Cuando Hooky tocaba suave no podía oirse a sí mismo. Steve tiene su propio estilo de tocar, es diferente a otros baterías". Con el tiempo, Ian Curtis empezó a cantar con voz suave de barítono, a menudo comparable a la de Jim Morrison de The Doors, una de las bandas preferidas de Curtis.<br /><br />Sumner ejercía como jefe musical no oficial de la banda, como después en New Order. Mientras que Sumner era el guitarrista principal, Curtis sólo tocó la guitarra en unas pocas grabaciones y conciertos. Curtis odiaba tocarla, pero los otros insistían en que lo hiciera. Sumner dijo:"tocaba de una forma estrambótica pero era lo que nos gustaba, porque nadie más que Ian tocaba de aquella manera". Durante la grabación de Closer , Sumner empezó a utilizar sintetizadores hechos por él mismo y Hook usaba un bajo de seis cuerdas para reforzar la melodía.<br /><br />El productor Martin Hannett se "dedicó a capturar e intensificar el halo tétrico de Joy Division". Hannett creía que el punk rock era sonoramente conservador por su rechazo a utilizar tecnologías de estudio para crear espacio sonoro. El productor se propuso crear un sonido más desarrollado para los discos del grupo. Hannett decía : "(Joy Division) Eran un regalo para un productor, porque no seguían directrices, ni argumentos". Hannett separó y limpió desde su mesa los sonidos de los diferentes instrumentos, incluso las distintas partes de la batería de Morris.<br /><br />A pesar de su corta carrera y su estatus de "grupo de culto", Joy Division han ejercido una influencia de largo alcance. John Bush de Allmusic dice que Joy Division "se convirtieron en la primera banda del movimiento post-punk en enfatizar no la cólera y la energía, sino el estado de ánimo y la palabra, dando pie al advenimiento de la melancólica música alternativa de los 80".<br /><br />El oscuro y tenebroso sonido del grupo, que Martin Hannett describió en 1979 como "música de baile con sobretonos góticos", presagiaba el nombre del género gothic rock. Mientras en la música de finales de los 70 el término "gothic" describía originalmente una "atmósfera opresiva",el término fue pronto aplicado a grupos específicos como Bauhaus que siguieron mal que bien la estela de Joy Division. Generalmente éste tipo de bandas adoptaron "lineas de bajo potentes que tomaban un papel importante en la melodía" y "voces propias de la ópera, teutónicas y profundas al imitar a Jim Morrison ó Ian Curtis".<br /><br />Joy Division ha influido tanto a bandas coetáneas como U2 y The Cure, como a artistas actuales: Interpol, Bloc Party y Editors. Bono, el cantante de U2 ha dejado claro que su grupo siente veneración por Joy Division. En su autobiografía de 2006, U2 by U2 cuenta que " sería difícil encontrar un lugar más oscuro en la música que el de Joy Division. Su nombre, sus letras y su cantante fueron como la nube más negra que puedas encontrar en el cielo. Percibí esa búsqueda de un Dios, ó luz, ó una razón de ser. Notas que para él la belleza era verdad y la verdad, belleza y lo suyo era buscar ambas". Artistas como Moby ó John Frusciante de Red Hot Chilli Peppers han declarado su estima por la música de Joy Division y la influencia que ha tenido en su trabajo. En 2005, Joy Division fueron incluidos junto con New Order en el UK Music Hall of Fame.<br /><br />Discografía<br /><br /> * Unknown Pleasures, 1979.<br /> * Closer, 1980.<br /> * Still, 1981 — recopilación.<br /> * Substance, 1988 — recopilación.<br /> * The Peel Sessions, 1990 — recopilación.<br /> * Warsaw, 1994.<br /> * Permanent, 1995 — recopilación.<br /> * Heart & Soul, 1997 — recopilación.<br /> * The Factory, Manchester 13 July 1979, en vivo.<br /> * Les Bains Douches 18 December 1979, en vivo.<br /> * Preston Warehouse 28 February 1980, en vivo.<br /><br />Sencillos y EP<br /><br /> * An Ideal for Living, 1978.<br /> * Transmission, 1979.<br /> * Licht und Blindheit, 1980.<br /> * Komakino, 1980.<br /> * Love Will Tear Us Apart, 1980.<br /> * Atmosphere/She's Lost Control, 1980.<br /> * The First Peel Session, 1986.<br /> * The Second Peel Session, 1987.<br /> * Atmosphere, 1988.<br /> * Love Will Tear Us Apart, 1995.<br /><br />Hay, además, una gran cantidad de ediciones "bootleg" (no oficiales), tanto en vivo como en estudio.<br /><br />Películas<br /><br />Control. Del director Anton Corbijn Basada en la biografía escrita por la viuda de Ian Curtis, "Touching From a Distance"-Deborah Curtis - 2005 cuenta la historia de Ian desde 1973 hasta su muerte. Esta rodada íntegramente en blanco y negro.<br /><br />24 Hour Party People de Michael Winterbottom<br /><br />Control de Anton Corbijn.<br /><br />Video <br /><br /> * Here Are the Young Men<br /> * Love Will Tear Us Apart<br /> * Atmosphere<br /><br />Ian Curtis<br />Ian Kevin Curtis (* Manchester, 15 de julio de 1956 - † 18 de mayo de 1980) fue un cantautor nacido en Manchester (Inglaterra). Curtis se crió en Hurdsfield (en el extrarradio de Macclesfield), pero vivió la mayor parte de su vida adulta en Macclesfield donde asistió al instituto The King's School.<br /><br />Fue el cantante y compositor del grupo Joy Division, del cual fue el cofundador en 1977 en la ciudad de Manchester. Por su legado musical, su enfermedad, la forma convulsiva de bailar, sus letras depresivas y suicidas y su final está considerado como uno de los principales "Poetas Malditos" de la Historia del Rock.<br /><br />Curtis nació en Old Trafford, Manchester, en 1956. Creció en el área de Hurdsfield, Macclesfield. Desde joven mostró talento como poeta. A pesar de que consiguió ir a The King's School, Curtis nunca tuvo éxito académico. A medida que se hizo mayor, sus ambiciones y esperanzas se fueron centrando en la literatura, y finalmente culminaron en la música. El 23 de agosto de 1975 se casó con Deborah Woodruffe y cuatro años más tarde tuvieron a su única hija, Natalie.<br /><br />Curtis conoció a Bernard Sumner y Peter Hook cuando asistían a un concierto de los Sex Pistols. Ellos le comentaron el hecho de que estaban intentando formar una banda, y él inmediatamente se unió al proyecto liderándolo como vocalista y letrista. Entre los tres buscaron un batería y, tras un largo proceso de selección, Stephen Morris se unió a la banda. Por aquel entonces el grupo tenía el nombre de Warsaw.<br /><br />Mientras actuaba con Joy Division, Curtis desarrolló un estilo de baile muy personal reminiscente de los ataques epilépticos que sufría, a veces incluso en el escenario. La similitud era tanta que el público llegaba a dudar si lo que estaba presenciando era parte de la actuación o un verdadero ataque. A veces se desmayaba y tenían que ayudarlo a bajar del escenario, ya que su salud iba empeorando debido al gran número de conciertos que el grupo daba.<br /><br />Ian era un hombre bastante reflexivo, todo un poeta, y lo demostraba en sus letras, en canciones como She's Lost Control (que habla acerca de una chica que fue a pedir empleo en el lugar que el trabajaba y que sufrió un ataque epileptico, días más tarde él se comunicó con la familia de la chica y supo de la muerte de la misma, cosa que le afectó mucho). Es notable el tono depresivo y seco de las letras de sus composiciones, presente en canciones como Disorder, The day of the lords, Love will tear us apart y más. Estos temas llevaron a los fans, e incluso a su propia esposa, Deborah, a creer que estaba cantando sobre su propia vida. Curtis una vez comentó en una entrevista que escribía sobre "las diferentes formas que la gente tenía para superar ciertos problemas y como lo hacían para adaptarse". Su voz de barítono le hacía parecer mucho más entrado en años de lo que realmente era (23 años en el momento de su muerte) e impregnaba de oscuridad las canciones de Joy Division.<br /><br />Sus influencias principales fueron los escritores William Burroughs y J.G. Ballard (hay dos títulos de canciones que hacen referencia a estos autores, "Interzone" y "Atrocity Exhibition"), y los cantantes Jim Morrison, Iggy Pop y David Bowie.<br /><br />El último concierto en que Curtis participó fue el mismo mes que murió, e incluyó la primera y última puesta en escena de la canción "Ceremony", que más tarde sería versionada por New Order. La última canción que Curtis cantó en público fue "Digital".<br /><br />Los efectos de la epilepsia y sus problemas personales, como el repentino divorcio, fueron algunas de las causas que contribuyeron a su suicidio, cuando se quitó la vida a la edad de 23 años. La noche que murió, días antes que el grupo fuera a iniciar su primera gira en los Estados Unidos, estuvo viendo una de sus películas preferidas, Stroszek, de Werner Herzog, una película en la cual un artista atormentado se suicida. Más tarde se colgó en la cocina mientras escuchaba el disco "The Idiot" de Iggy Pop, lo cual continua generando especulaciones sobre cuál fue su verdadera razón para suicidarse. Algunos críticos creen que sencillamente deseaba morir joven, cumpliendo con el mito de la estrella de rock'n'roll que muere joven.<br /><br />Curtis fue incinerado y sus cenizas enterradas en Macclesfield, con la inscripción "Love will tear us apart" en su lápida. Este epitafio, escogido por Deborah Curtis, es el título de la canción más conocida de Joy Division. "Closer", el segundo álbum de Joy Division se lanzó de forma póstuma en 1980, 2 meses después del suicidio de Curtis.<br />El legado musical de Curtis es un tesoro inigualable para la música. Tanto su imagen como su estilo de actuar sobre el escenario, han sido imitados por algunos artistas posteriores a él. Bandas como Interpol, Elefant o Editors son unas de las muchas influenciadas por el trabajo de Curtis.<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/flVEoNuEYgE&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/flVEoNuEYgE&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-82469654610527551222009-06-12T21:08:00.000-07:002009-06-12T21:27:11.160-07:00Nirvana<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzWwzpkbbMj7s5o5xj8Xh9a5M7H901DWkOSWFlk3q1CS0SEPilgFw7H5zSmvu9ILyd0FqF9EwRJSLOjxWLOkat2rptGNnavizY_vcjbEEqW7vg8Z3jB4y-2OUkInPJ4c6YOGwZJCYZZezi/s1600-h/nirvana.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 319px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzWwzpkbbMj7s5o5xj8Xh9a5M7H901DWkOSWFlk3q1CS0SEPilgFw7H5zSmvu9ILyd0FqF9EwRJSLOjxWLOkat2rptGNnavizY_vcjbEEqW7vg8Z3jB4y-2OUkInPJ4c6YOGwZJCYZZezi/s320/nirvana.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5346662157535404882" /></a><br />Nirvana fue un grupo estadounidense de grunge, procedente de Aberdeen, Washington. Con el éxito del sencillo "Smells Like Teen Spirit", del álbum Nevermind, Nirvana escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era punk underground y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como "grunge". Otras bandas de la escena musical de Seattle como Alice in Chains, Pearl Jam y Soundgarden también obtuvieron popularidad y, como resultado, el rock alternativo se convirtió en un género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de 1990.<br /><br />Kurt Cobain, líder de la banda, se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como "la voz de una generación", y a Nirvana como la "banda símbolo" de la "Generación X".[2] Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio In Utero. Aunque la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum, buena parte de su audiencia alabó el interior "oscuro" de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.<br /><br />La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, "You Know You're Right", un demo nunca terminado que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. Desde su debut, la banda ha vendido más de 50 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en los Estados Unidos. Su música continúa siendo emitida por estaciones de radio de todo el mundo.<br /><br /> Primeros años - Primer álbum: Bleach <br /><br />Kurt Cobain y Krist Novoselic se conocieron en la escuela en 1985. Ambos eran seguidores de The Melvins y frecuentemente se les veía en el local de ensayo de la banda.[5] Cobain incluso había tocado con ellos en algunas ocasiones el año anterior. Después de un par de intentos fallidos de formar grupos –primero como The Sellouts, una banda que versionaba canciones de Creedence Clearwater Revival (con Cobain en la batería, Novoselic en guitarra y voces y Steve Newman en bajo), ellos tocaron un show en The Pourhouse, en Aberdeen, WA en 1986 y luego como Fecal Matter (con Matt Lukin en batería), el dúo reclutó al baterista Aaron Burckhard, creando así la primera encarnación de lo que se convertiría posteriormente en Nirvana. En los meses iniciales, Cobain y Novoselic trabajaron con varios baterías, entre ellos Dale Crover de The Melvins, que tocaría en sus primeras demos. Al mismo tiempo, la banda pasó por varios nombres, incluyendo Skid Row, Bliss, Pen Cap Chew en 1987 y Ted Ed Fred a principios de 1988, antes de llamarse Nirvana, en febrero de 1988. Después tuvieron a un baterista llamado Dave Foster con el cual tocaron aproximadante cinco shows. Él tocó en el primer show de Nirvana en Seattle en Abril de 1988 en el Central Tavern. En una Fiesta en que tocó Nirvana, el 14 de Mayo de 1988, en The White House en Olympia, Washington, Kurt cantó Junto a Gilly Hanner un Cover de Scratch Acid "The Greatest Gift", en este show Kurt Cantó Love Buzz en el piso.Un par de meses más tarde, finalmente encontraron a un baterista "permanente", Chad Channing, por medio de un aviso colocado en un periódico de Seattle que rezaba "banda de punk rock con influencias de Aerosmith, Led Zeppelin, Black Sabbath, Black Flag, Scratch Acid y Butthole Surfers busca baterista". El primer show de Chad con Nirvana fue a fines de mayo de 1988 en The Vogue en Seattle.<br /><br />En 1988 firmaron un contrato con la discográfica independiente Sub Pop, por medio de la cual fue lanzado su primer álbum, Bleach. Bleach estaba influenciado principalmente por The Melvins, Mudhoney, y el rock clásico de los años 70 de Black Sabbath y Led Zeppelin. Novoselic comentó en una entrevista, en 2001, con la revista Rolling Stone que habían escuchado en medio de una gira, álbumes de The Smithereens y de la banda de black metal Celtic Frost, y también dijo que la combinación pudo servir como influencia.[6] Bleach se convirtió en un álbum favorito de las estaciones universitarias de radio de Estados Unidos, pero aún no ofrecía muchas pistas sobre en qué se iba a convertir la banda dos años más tarde.<br /><br />Aunque no participó en el álbum, Jason Everman fue incluido en los créditos como segundo guitarrista, en agradecimiento por pagar las sesiones de grabación: una suma de 606,17 dólares. Al acabar el álbum, Everman permaneció brevemente en la banda como segundo guitarrista, pero salió al finalizar la primera gira por los Estados Unidos. El último show de Jason en Nirvana, fue en el Pyramid Club (New Music Seminar) de Nueva York el 18 de Julio de 1989, luego de este concierto fueron cancelados aproximadamente cuatro shows. A comienzos de los 90, Nirvana empezó a trabajar con el productor Butch Vig para grabar el segundo álbum de estudio, titulado provisionalmente Sheep.[7] Durante las sesiones, Kurt y Krist coincidieron en que Chad no era el batería que necesitaban, y en un acuerdo mutuo éste dejó la banda después de finalizadas las sesiones. Dale Crover tocó 8 shows con Nirvana en 1990. Después de estar unas semanas con Dale Crover, contrataron al batería de Mudhoney Dan Peters, con quien grabarían la canción "Sliver", él tocó en un solo concierto en el Motor Sports International Garage de Seattle el 22 de septiembre de 1990. Posteriormente el mismo año, Buzz Osborne de The Melvins les presentó a Dave Grohl, quien buscaba un nuevo grupo debido a la ruptura de la banda de hardcore punk en la que militaba, Scream, procedente de Washington, DC.<br /><br />Éxito comercial: Nevermind <br /><br />Siguiendo recomendaciones de Kim Gordon, integrante de Sonic Youth, David Geffen contrató a Nirvana para DGC Records en 1990 a un costo de 287.000 dólares (y 75.000 dólares a Sub Pop, más un dos por ciento de los beneficios de los discos). La banda empezó a grabar su primer álbum con una gran compañía discográfica. El resultado, Nevermind, es ahora considerado un clásico.<br /><br />Para el álbum, la banda decidió continuar trabajando con Vig, pero en vez de seguir grabando en el estudio propiedad de Vig en Madison, Wisconsin, como en 1990, decidieron ir a los estudios "Sound City" en Los Ángeles. Durante dos meses, trabajaron en gran variedad de canciones. Algunas de ellas, incluyendo "In Bloom" y "Breed" llevaban ya tiempo en su repertorio, mientras que canciones como "On a Plain" y "Stay Away" no estaban todavía terminadas, y hubo que escribir sus letras en medio del proceso de grabación.<br /><br />Después que se completaran las sesiones de grabación, Vig y la banda aguardaron el resultado de las mezclas. No quedaron sin embargo satisfechos con los primeros resultados, por lo que decidieron buscar a alguien para que mejorara las mezclas. Pidieron a Gary Gersh, de Geffen, que les diera una lista de posibles seleccionados. La lista contenía varios nombres familiares, como Scott Litt (conocido por trabajar con R.E.M.) y Ed Stasium (conocido por su trabajo con The Smithereens). Sin embargo, Cobain temía que trabajar con productores conocidos hiciese que el álbum sonara como la música de esas bandas. Decidió escoger al último nombre de la lista, junto al nombre 'Slayer': Andy Wallace. (Wallace co-produjo el álbum de Slayer Seasons in the Abyss).<br /><br />Wallace llevó el álbum a una altura completamente diferente, añadiendo capas de reverberación y "trucos" de estudio para que no fuera tan "oscuro". Pocos meses después del lanzamiento del álbum, Cobain se quejó en la prensa, alegando que Wallace había hecho el sonido de Nevermind demasiado "ligero", olvidando que la banda había escogido a Wallace y que había participado en el proceso de grabación y mezcla.[8] Aunque la banda estuviera decepcionada con el sonido del álbum, Wallace había hecho "desaparecer" con éxito sus raíces indie y creado un rock "amigable" a listas y radios que otros intentarían imitar durante la siguiente década.<br /><br />Inicialmente, la expectativa de ventas para Nevermind no superaba las 500.000 copias. Sin embargo, el álbum recibió certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. "Smells Like Teen Spirit" recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard, inspirando a un puñado de imitadores y llevando al sonido grunge y alternativo a los listados. La popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a Nevermind. El 11 de enero de 1992, con 12 millones de copias vendidas, el álbum alcanzó la cima del listado de álbumes de Billboard, quitando del primer lugar a Dangerous de Michael Jackson,[9] un hecho considerado símbolo de la subida de la música alternativa sobre el pop. Además, la llegada de Nevermind ayudó a la entrada en las listas de varios álbumes de grunge como Ten de Pearl Jam y Badmotorfinger de Soundgarden.[10] Alegando cansancio (en buena parte por algunos problemas de voz que Cobain sufrió), y después de un corto tour junto a Pearl Jam y Red Hot Chili Peppers por la costa este estadounidense, y de uno por Australia y Japón, la banda decidió no embarcarse en una gira en la primavera de 1992 por Estados Unidos para promocionar Nevermind (pese a hacer presentaciones promocionales en el popular programa Saturday Night Live y en MTV),[11] optando por hacer varias actuaciones posteriormente ese mismo año.<br /><br />En febrero del 92, al finalizar el tour por el Pacífico, Cobain se casó con Courtney Love en Hawaii. En agosto, Love dio luz a una hija, Frances Bean. Días después del nacimiento, Nirvana tocó uno de sus conciertos más conocidos, como uno de los actos centrales del Festival de Reading en Inglaterra. Cobain entró al escenario en una silla de ruedas y con una peluca, parodiando los rumores sobre su estado mental, luego se paró y se unió a Novoselic y Grohl, tocando uno de los conciertos más variados de la banda, añadiendo a la lista canciones que aún no habían sido lanzadas y versiones de 'The Money Will Roll Right In' de Fang, 'D-7' de The Wipers, Novoselic cantó a manera de introducción de Smells Like Teen Spirit, "More than a Feeling" de Boston (que se asemeja al riff de 'Teen Spirit') y también tocaron una versión estilo Jimi Hendrix de The Star-Spangled Banner.[12] [13] En medio del concierto, Cobain relató al público sobre el reciente nacimiento de su hija, y logró que la gente gritara "¡Te amamos, Courtney!" al unísono. Grohl confesó, en 2005 en el programa radial Loveline, que la banda creía que el concierto sería un completo desastre, por todo lo que había pasado en los meses anteriores y que no habían ensayado desde junio. Sin embargo, el directo terminó siendo uno de los más memorables de sus carreras.<br /><br />Un par de semanas más tarde, Nirvana hizo otra presentación memorable en los MTV Video Music Awards de 1992. Cobain creyó que con el éxito, la cadena musical le permitiría tocar su nueva canción, "Rape Me". Los ejecutivos de MTV, que preferían el éxito "Smells Like Teen Spirit", estaban aterrorizados, pensando que era una canción en contra de ellos (debido a que "Rape" no sólo significa "violar" en inglés, también significa "esclavizar"), y dejaron que la banda tocara su sencillo "Lithium". Al comienzo de la actuación, Cobain tocó y cantó las primeras notas de "Rape Me", lo cual le dio un buen susto a MTV, que terminó cuando la banda comenzó a tocar "Lithium".<br />Nirvana en MTV Video Music Awards.<br /><br />Cuando entraban a la parte final de la canción, Novoselic estaba frustrado porque el amplificador de su bajo dejó de funcionar y, para dar un "aire dramático", lo lanzó al aire. Para su infortunio, el bajo cayó en su frente y lo dejó dolorido. Cuando terminó la canción y mientras Cobain estaba haciendo la "clásica" destrucción de intrumentos que se hacía al final de casi cada presentación, Grohl se acercó al micrófono y empezó a gritar "¡Hi, Axl!", refiriéndose al vocalista de Guns N' Roses Axl Rose, con el cual la banda y Courtney habían tenido un altercado previo a la presentación de la banda.[14]<br /><br />En diciembre de ese mismo año lanzan Incesticide, una colección de lados b y rarezas. Varias de las sesiones radiales de la banda en la BBC y material temprano no lanzado empezó a circular por medio de los círculos ilegales de venta de música. Entonces el álbum sirvió para frenar a los involucrados en el negocio, que incluía a seguidores que grababan conciertos sin autorización. El álbum contuvo canciones favoritas de seguidores como "Sliver", "Dive", "Been a Son" y "Aneurysm", así como algunas versiones de canciones de The Vaselines, una banda que resultó popular como resultado de las versiones que hizo Nirvana.<br /><br />Trabajo experimental: In Utero <br /><br />Para In Utero, la banda escogió trabajar con el productor Steve Albini, conocido por su trabajo en Surfer Rosa de Pixies. Las sesiones con Albini fueron productivas y notablemente rápidas: la versión inicial del álbum fue grabada y mezclada en 2 semanas, lejos de los meses de grabación y mezcla en Nevermind. La grabación se hizo en los estudios "Pachyderm", en Minnesota.<br /><br />Usar a Albini como productor fue una jugada deliberada por parte de Nirvana para darle al álbum un sonido menos "artificial", como si la banda hubiera querido alienar o distanciarse de su nueva audiencia que le prestó poca o nula atención a las bandas alternativas, oscuras, o experimentales que Nirvana intentó apoyar (como es el caso de The Jesus Lizard). Por ejemplo, una de las canciones del álbum, llamada irónicamente "Radio Friendly Unit Shifter", mostraba prolongados periodos de ruido de feedback o "retroalimentación". (En la industria musical, un álbum "amigable a la radio" ("radio friendly") es descrito como un álbum "ideal": capaz de alta rotación radial y de vender varias copias, o "unidades"). Sin embargo, Cobain insistió que el sonido de Albini era simplemente el que Nirvana quería, una grabación "natural", sin muchas capas de "trucos" de estudio.<br /><br />Después de su lanzamiento, los seguidores pensaron que la banda quería esta "distorsionada obra maestra". En realidad, la banda no estaba contenta con algunos aspectos de las mezclas de Albini. Específicamente, pensaron que los niveles del bajo eran muy graves,[15] y Cobain sintió que "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" no sonaban "perfectas". El productor por largo tiempo de R.E.M., Scott Litt, fue llamado para ayudar a mezclar estas dos canciones, con Cobain adicionando instrumentación y vocales. Litt también mezcló "Pennyroyal Tea", pero la versión de Albini fue usada en el álbum. (DGC planeó posteriormente lanzar la mezcla de Litt como un sencillo).<br />Pat Smear, segundo guitarrista en la gira de "In Utero".<br /><br />Con In Utero, la banda también se enfrentó a la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estanterías, alegando que títulos de canciones como "Rape Me" y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy "controvertidos" para cadenas "orientadas a la familia". Entonces la banda aceptó cambiar el arte del álbum, lanzando una versión "limpia", que también cambiaba el nombre de "Rape Me" por "Waif Me". Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de "Pennyroyal Tea", la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (especialmente en el centro de los Estados Unidos) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenas de almacenes como Kmart.[16]<br /><br />Aunque "Heart-Shaped Box" tuvo buena aceptación por parte de las emisoras alternativas y mainstream, e In Utero debutó en el número 1 en la lista de álbumes de Billboard, el álbum no gozó del mismo éxito de Nevermind. Cuando la banda se embarcó en la gira estadounidense de In Utero, la primera desde el éxito de "Smells Like Teen Spirit", regularmente tocó en auditorios a medio llenar, principalmente por la falta de gira para la promoción de Nevermind y por el nuevo y "retador" lanzamiento. (Para la gira promocional de In Utero, la banda añadió a Pat Smear de la banda de punk rock The Germs como el segundo guitarrista.)<br /><br />En noviembre de 1993, el grupo decide detenerse en la gira y graba una aparición en MTV Unplugged. Las sesiones revelan la profundidad de las composiciones de Cobain, que frecuentemente estaban "enterradas" bajo el "agresivo" sonido de la banda. La selección de canciones también demostró el gran interés musical de Cobain por su selección de canciones originales de David Bowie, The Vaselines, Meat Puppets (que acompañó en las tres canciones suyas que la banda versionó), y del cantante de folk estadounidense Leadbelly. Éste se convirtió en uno de los momentos más importantes de la banda, que sería amplificada por la tragedia que se avecinaba.<br /><br />La muerte de Cobain <br />Artículo principal: Muerte de Kurt Cobain<br />Lista de canciones del concierto final de Nirvana.<br /><br />A comienzos de 1994, la banda se embarcó en una gira por Europa. Aunque el tour comenzó bien, los conciertos gradualmente declinaron, con la imagen de un Cobain aburrido y distraído durante los conciertos, particularmente durante el paso por Italia. Después del directo en Terminal Eins en Múnich, Alemania, el 1 de marzo, Cobain fue diagnosticado con bronquitis y laringitis severa. El espectáculo de la noche siguiente fue cancelado. En la mañana del 4 de marzo, en Roma, Cobain fue encontrado inconsciente por Courtney Love y fue llevado a un hospital. Un médico declaró en una rueda de prensa que el cantante reaccionó a una combinación de Rohypnol y alcohol. El resto del tour fue cancelado, incluyendo una visita planeada (después de 2 años sin ir) al Reino Unido.<br /><br />En las semanas posteriores, la adicción a la heroína de Cobain reapareció. Una reunión fue organizada por familiares y amigos de Kurt Cobain y convencieron a éste para entrar en rehabilitación. Con menos de una semana en rehabilitación, Cobain escapó del centro de rehabilitación y voló hacia Seattle. Una semana más tarde, el viernes 7 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto por un electricista en su casa de Seattle.<br /><br />Después de la muerte de Cobain <br /><br />Lanzamientos<br /><br />Varios álbumes han sido lanzados desde la muerte de Cobain. El primero salió en noviembre de 1994 con la presentación grabada un año atrás en MTV Unplugged, bajo el título de MTV Unplugged in New York. Este álbum contuvo las apariciones de los miembros de Meat Puppets, así como las versiones de canciones de Leadbelly, The Vaselines y David Bowie.<br /><br />Dos semanas después del lanzamiento de Unplugged in New York, una compilación de vídeo llamada Live! Tonight! Sold Out!!, fue lanzado. Cobain había compilado una parte significativa del video, que documentaba buena parte del tour promocional de Nevermind. Material "memorable" del vídeo incluía un infame incidente con un guardia de seguridad en un club de Texas en octubre de 1991, así como la versión de "Aneurysm", con los miembros del grupo vestidos de mujer, en el festival Hollywood Rock en Río de Janeiro, Brasil en enero de 1993.<br /><br />La intención original era la de lanzar Unplugged in New York como disco doble, junto a un disco de material eléctrico en vivo para balancear el contenido acústico. Sin embargo, los dos miembros restantes de la banda, estaban emocionalmente afectados para compilar el álbum eléctrico, al pasar tan poco tiempo desde la muerte de Cobain.[18] El álbum, una compilación de grabaciones de conciertos de Nirvana, finalmente fue lanzado en octubre de 1996, titulado From the Muddy Banks of the Wishkah.<br /><br />En agosto de 1997, el sitio web de noticias musicales Wall of Sound reportó que Grohl y Novoselic estaban organizando un box set de rarezas de Nirvana.[19] Cuatro años más tarde, el sello discográfico de la banda anunció que el box set estaba completo y sería lanzado en septiembre para conmemorar el décimo aniversario del lanzamiento de Nevermind. Sin embargo, poco antes de la fecha de lanzamiento, Courtney Love detuvo el lanzamiento y demandó a Grohl y a Novoselic, alegando que "estaban secuestrando el legado de Nirvana para sus intereses personales". Lo que siguió fue una larga batalla legal sobre quién era el dueño de la música de Nirvana que duró más de un año.[20]<br /><br />Buena parte de la batalla legal se centró en una canción no lanzada, "You Know You're Right", la grabación final de estudio de la banda. Grohl y Novoselic querían incluirla en el box set, intentando lanzar todas las rarezas de una vez. Love, sin embargo, alegó que la canción era más importante que una "rareza", y que debía ser incluida en una compilación de "grandes éxitos". Después de más de un año de enfrentamientos públicos y legales, las partes firmaron un acuerdo, acordando el lanzamiento inmediato del álbum de "grandes éxitos", incluyendo esta canción, bajo el título de Nirvana. A cambio, Love estuvo de acuerdo en donar demos en casete grabados por Cobain para el uso en el box set.<br /><br />Los seguidores de la banda tuvieron el primer contacto con "You Know You're Right" a comienzos de 1995 cuando Love tocó una versión de la canción con su banda Hole en MTV Unplugged bajo el título de "You've Got No Right". Una versión temprana de la canción tocada por Nirvana en su concierto el 23 de octubre de 1993 en el Aragon Ballroom de Chicago salió a la luz pública en los círculos de compra y venta de casetes de Nirvana unos pocos meses después. En los años posteriores, los rumores de la existencia de una versión de estudio de la canción empezaron a circular y creció hasta alcanzar proporciones casi "míticas". Para los seguidores, la primera confirmación real de la existencia de esta versión apareció noviembre de 2001 cuando Access Hollywood difundió un clip de diez segundos como parte de una entrevista con Love. En mayo de 2002, varios clips de mayor duración aparecieron en la Internet por medio de una fuente desconocida, que anunció que planearía lanzar la canción completa. Sin embargo, la fuente declinó sus intenciones, temiendo acciones legales. Cuando la batalla legal estaba a punto de ser finalizada en septiembre de 2002, la canción completa apareció por este medio, días antes del anuncio del lanzamiento de Nirvana. Inclusive si la versión de estudio era un "borrador" con letras sin terminar, a los seguidores e inclusive a los no seguidores de la banda les gustó la canción, convirtiéndola en una de las canciones más rotadas en la radio alternativa entre 2002 y 2003.<br />Caratula del disco "Nirvana".<br /><br />Nirvana fue lanzado el 29 de octubre de 2002. Junto a "You Know You're Right", el álbum contuvo éxitos de sus tres álbumes de estudio, así como mezclas y grabaciones de canciones familiares. Después de su lanzamiento, varios seguidores de largo tiempo se quejaron sobre la selección de canciones, justificando que la versión alterna de "Been a Son" (del EP Blew) no era la versión preferida de la banda, y que faltaban canciones como "Sappy" (originalmente lanzada en la compilación No Alternative como "Verse Chorus Verse"), que había recibido significante rotación en los Estados Unidos después de la muerte de Cobain. Los seguidores fuera de los Estados Unidos cuestionaron la inclusión de la versión Unplugged de "All Apologies" (en vez de lanzar la versión del sencillo, incluida en In Utero) y la versión de Bleach de "About a Girl" (cuando la versión Unplugged fue un sencillo muy popular en 1994). También, con un tiempo de duración de menos de cincuenta minutos, había ciertamente suficiente espacio para incluir otros éxitos, como "Love Buzz", "Drain You", "Aneurysm", y "Where Did You Sleep Last Night?" (que sería posteriormente incluida en algunos lanzamientos no estadounidenses del álbum).<br /><br />En noviembre de 2004 finalmente se lanzó el box set, titulado With the Lights Out. Éste contenía una vasta compilación de demos de Cobain, grabaciones de ensayos y rarezas, y canciones en vivo grabadas durante toda la historia de la banda. Seguidores de largo tiempo de la banda tuvieron la oportunidad de escuchar las grabaciones de demos jamás terminados como "Old Age" y "Verse Chorus Verse" (una canción diferente a "Sappy"), grabados en las sesiones de Nevermind. Otra canción notable en el box set fue un demo acústico de una canción llamada "Do Re Mi", grabada por Cobain en su habitación. La canción demostró que inclusive en sus dramáticos días finales, Kurt todavía tenía ese "don" para la melodía que había demostrado años atrás en canciones como "About a Girl".<br /><br />Una compilación de "lo mejor del box set" titulada Sliver: The Best of the Box fue lanzada en otoño de 2005. El CD compiló diecinueve canciones del box set junto a tres canciones no lanzadas, incluyendo una versión de la canción "Spank Thru" del demo de 1985 Fecal Matter. De acuerdo a Rolling Stone, Frances Bean Cobain coloboró en la selección del título y de la portada.[21] El año siguiente vio el lanzamiento de la edición en DVD de Live! Tonight! Sold Out!! con mejoras en la calidad de imagen y material inédito nunca antes visto.<br /><br />En una entrevista en el 2002 con Jim DeRogatis,[22] Courtney Love describió los innumerables casetes de ensayos, demos y grabaciones en la habitación que habían quedado después de la muerte de Cobain. Por ejemplo, una versión de cuatro pistas de "Do Re Mi" fue aparentemente grabada con Kurt en batería, Pat Smear en la guitarra, y Eric Erlandson en el bajo, una semana antes de su muerte. Se espera que cualquier canción de este archivo que no haya sido lanzada vea la luz algún día no muy lejano.<br /><br />Proyectos post-Nirvana <br />Dave Grohl, en 2005, con Foo Fighters.<br /><br />En los años posteriores a la disolución de Nirvana, sus dos miembros vivos siguieron activos. Después de la muerte de Cobain, Grohl grabó una serie de demos que finalmente se convirtieron en el álbum debut de los Foo Fighters. Además, Grohl ha participado como baterista para bandas y artistas como Tom Petty and the Heartbreakers, Mike Watt, Queens of the Stone Age, Tenacious D, Nine Inch Nails, Garbage, Cat Power y Killing Joke, además de participar como guitarrista en el álbum Heathen de David Bowie. También grabó un álbum de canciones de metal con varios de sus cantantes favoritos de metal de inicios de los 80s bajo el nombre Probot. Posterior al fin de Nirvana, Novoselic formó Sweet 75. Más recientemente, fundó Eyes Adrift con Curt Kirkwood (ex-Meat Puppets) y Bud Gaugh (ex-Sublime). También tocó en la banda No WTO Combo con Kim Thayil de Soundgarden y Jello Biafra de Dead Kennedys, que se presentó coincidencialmente en<br />Krist Novoselic, en 2004, en Vancouver (Canadá).<br /><br />una de las fechas en que se realizaba la reunión de la OMC de 1999. Otras colaboraciones de Novoselic incluyen tocar en una canción junto a Johnny Cash para el álbum tributo a Willie Nelson de 1996 Twisted Willie, así como tocar el piano en "Against the 70s" para el álbum de Mike Watt Ball-Hog or Tugboat? (en el que también participó Grohl, y varios músicos de grunge y rock alternativo como Eddie Vedder de Pearl Jam, Flea de Red Hot Chili Peppers y Thurston Moore de Sonic Youth).<br /><br />Más significativamente, Novoselic se ha convertido en un activista político, fundando el comité de acción política JAMPAC para apoyar los derechos de músicos. En 2004, lanzó un libro titulado Of Grunge and Government: Let's Fix This Broken Democracy (Del Grunge y el gobierno: Reparemos esta democracia rota), que cubría su pasado musical y su carrera política. Durante la campaña presidencial en Estados Unidos de 2004, Grohl y Novoselic aparecieron en escena para apoyar la campaña de John Kerry.<br /><br />Aunque Nirvana llegó a un repentino final después de su último concierto en Múnich, los miembros restantes (incluyendo a Pat Smear) ofrecieron una despedida a los seguidores de la banda. Al final de la presentación de Foo Fighters en el festival Bumbershoot de 1997 en Seattle, Grohl saltó hacia la batería, con Novoselic entrando con el bajo en mano. El trío (Grohl, Novoselic y Smear) entusiasmó al público con versiones de "Purple Rain" de Prince y "Communication Breakdown" de Led Zeppelin. La corta actuación sirvió como un agradecimiento a Seattle y a todos los que apoyaron a Nirvana durante su corta pero inolvidable carrera.<br /><br />Licenciamiento <br /><br />A finales de marzo de 2006, la revista Rolling Stone publicó un artículo en el cual afirmaba que Courtney Love tenía un acuerdo con Larry Mestel, ex-presidente de Virgin Records y actual jefe de Primary Wave Music Publishing, para vender el 25 por ciento del catálogo de canciones de la banda (del cual ella poseía un 98 por ciento).[23] Love declaró, ante los temores de varios seguidores que la música de "una banda declaradamente anticorporativa" fuera "expuesta a la sobrecomercialización", que "se mantendría el espíritu de Nirvana". Previamente se especuló que la compañía Elevation Partners, de la cual forma parte Bono, el cantante de U2, compraría parte de los derechos.<br /><br />Miembros <br /> * Kurt Cobain † - Voz, guitarra solista, batería (1987-1994)<br /> * Krist Novoselic - Bajo, guitarra, acordeón (1987- 1994)<br /> * Aaron Burckhard - Batería (1987)<br /> * Dale Crover - Batería (1988, 1990)<br /> * Dave Foster - Batería (1988)<br /> * Chad Channing - Batería (1988-1990)<br /> * Dan Peters - Batería (1990)<br /> * Dave Grohl - 2ª Voz, batería, bajo (1990-1994)<br /><br />Otros miembros <br /><br /> * Jason Everman - 2ª Guitarra (1989, gira de Bleach)<br /> * Pat Smear - 2ª Guitarra (1993-1994, gira de In Utero)<br /> * Lori Goldston - Violonchelo (1993-1994), gira americana de In Utero)<br /> * Melora Creager - Violonchelo (1994, gira europea de In Utero)<br /><br />Kurt Cobain<br />(Nombre artístico de Kurt Poupon; EEUU, 1967 - 1994) Compositor y cantante de rock duro estadounidense, creador y principal miembro del grupo Nirvana.<br /><br />El 20 de febrero de 1967 nace Kurt Poupon en la localidad de Aberdeen, en Washington. Ese niño, que con los años sería conocido como Kurt Cobain, arrastró a lo largo de toda su vida los problemas de su familia que culminaron con la separación de sus padres cuando había cumplido los siete años. Kurt Cobain murió siendo todavía un hombre joven, pero pese a muchos de sus problemas (o quizás gracias a ellos) llegó a convertirse en un ídolo musical mundial. <br /><br /> Kurt Cobain tuvo por primera vez en sus manos una guitarra a los 14 años, cuando se la regaló su tío. A partir de ese momento la música se convirtió en una constante en su vida y fue una herramienta que le resultó especialmente útil para expresar en parte su complicada personalidad. Con el tiempo decide, junto a su amigo Krist Novoselic, formar su primera banda, a la que llaman Fecal Matter. Son sus primeros pasos en el mundo profesional de la música.<br /><br />Pronto Fecal Matter queda corta para las ansias artísticas de Kurt Cobain. Sigue unido a Novoselic para crear un nuevo grupo al que se incorpora el batería Dale Crover. Corren los años 1985 y 86 y Seattle ve nacer los primeros conciertos del mítico Nirvana. Pocos pueden sospechar que alrededor de esta formación y de la misma ciudad se originará una corriente musical que hará historia: el grunge. Ritmos de rock primitivo y desencantado se convierten rápidamente en un himno para la juventud de los años 80. Tanto la música como la estética de Cobain y su grupo influyen decisivamente en la sociedad de entonces. <br /><br /> En el año 1988 Dale Crover ha sido sustituido por Chad Channing en Nirvana. Con el nuevo integrante del grupo se graba su primer trabajo discográfico, Nirvana. Sus dos canciones, Love Buzz y Big Cheese, consiguen ser rotundos éxitos y dan un gran prestigio a la formación de Cobain. Con la fuerza que les otorga su buena aceptación empiezan a trabajar en su primer álbum de estudio, Bleach. Los circuitos alternativos de los Estados Unidos empiezan a albergar los conciertos de Kurt Cobain y sus compañeros con temas como About a girl.<br /><br />En el año 1990 se publica el segundo disco de Nirvana, Nevermind, bajo el sello de la compañía discográfica Geffen. Cobain vuelve a cambiar el batería y es ahora Dave Grohl quien toca en el grupo. Este álbum se convierte en uno de los más importantes de la historia de la música actual al vender más de quince millones de copias. Su single Smells like teen spirit es un verdadero mito para jóvenes de todo el mundo. El éxito rotundo llega a la carrera musical de Kurt Cobain aunque él no deja de lado sus problemas de adicción a la heroína y su personalidad depresiva. <br /> El 24 de febrero de 1992 Kurt Cobain se casa con otra cantante norteamericana, Courtney Love. Es la líder de Hole (un grupo formado por solo mujeres) y se la conoce por su carácter problemático. El suyo será un matrimonio conflictivo en el que abundan las drogas y la violencia y del cual nacerá su única hija, Frances Bean. En el mismo 1992 ve la luz otro de los discos de Nirvana: Incesticide. Es una recopilación de temas inéditos que solo se oyen en los conciertos en directo del grupo, como por ejemplo Sliver o Son of a gun y el preludio de su último disco llamado In utero.<br /><br />Los problemas personales de Kurt Cobain son cada vez más importantes y el cantante intenta suicidarse en dos ocasiones, además de ser internado por una sobredosis en el año 1993. El 5 de abril de 1994 muere de un disparo en la cabeza aunque su cadáver no se encuentra hasta tres días después. Sólo tiene 27 años y la versión oficial es que se ha suicidado, aunque las especulaciones sobre un posible asesinato nunca han dejado de oírse.<br /><br />Tras la muerte de Cobain aparecen en el mercado MTV Unplugged, un álbum realizado en 1993, y una recopilación póstuma hecha por los demás miembros del grupo, From the Mudy Banks of the Wishkah.<br /> <br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/xoAkpseGdqE&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/xoAkpseGdqE&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-61497282803099155192009-06-12T20:52:00.000-07:002009-06-12T21:02:12.999-07:00New York Dolls<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5-QEacqxFbpWIUCVie-dh38rge_bQypfcm3FgNODilPdwQPEWvfCh_mgoY1QxkZ1e54rpsLrvE8YoHav103FZISUacoP5R0bTK5JiZxnZU2qsBWjoTJFyp-J616j4-HmTrEGqMIOvLUL5/s1600-h/newyorkdolls.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 280px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5-QEacqxFbpWIUCVie-dh38rge_bQypfcm3FgNODilPdwQPEWvfCh_mgoY1QxkZ1e54rpsLrvE8YoHav103FZISUacoP5R0bTK5JiZxnZU2qsBWjoTJFyp-J616j4-HmTrEGqMIOvLUL5/s320/newyorkdolls.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5346657416453239410" /></a><br />The New York Dolls es un grupo de música rock formado en Nueva York en 1971.<br /><br />Consiguieron poco éxito durante su vida, pero los New York Dolls ejemplificaron lo que vendría poco después en la era de punk rock e incluso más tarde; las influencias de su estilo travestido y exagerado se notan en la apariencia de muchos grupos de hair metal. Su estilo musical descuidado, pero altamente energético marcó la pauta para muchas bandas de rock and roll posteriores.<br />Inicialmente, el grupo estaba compuesto por David Johansen, los guitarristas Johnny Thunders y Rick Rivetts (quien fue reemplazado por Sylvain Sylvain luego de unos meses), el bajista Arthur Kane y el baterista de origen colombiano William Murcia, conocido como Billy Murcia.<br /><br />Tuvieron su primera gran oportunidad cuando Rod Stewart los invitó a abrir para él en un concierto en Londres. Poco después, Murcia murió de asfixia accidental (luego de desmayarse por efecto de drogas y alcohol, sus groupies lo sumergieron en un baño de agua fría y llenaron su garganta de café). Fue sucedido por Jerry Nolan, aunque el futuro baterista de los Ramones Marc Bell (Marky Ramone) dice haber hecho una audición para tomar el lugar de Murcia. La primera presentación de esta nueva alineación fue en Nochebuena en 1971 en un refugio para desamparados, el infame Hotel Endicott.<br /><br />Los Dolls fueron influenciados por el R&B, los Rolling Stones y bandas anárquicas de proto-punk como MC5 y The Stooges, así como artistas de Glam rock como Marc Bolan y David Bowie. Tomaron su propio camino, creando algo que el crítico Stephen Thomas Erlewine describió "no suena en realidad como nada que haya venido antes de él. Es hard rock con una ocurrente sagacidad consciente de su estado, una celebración del camp y kitsch que conserva una actitud amenazadora y malévola." <br /><br />La energía de Johansen compensaba para lo que entonces era una voz débil; el sonido difuso de la guitarra de Thunders se convirtió casi instantáneamente en el sello personal de la banda, así como la guitarra rítmica minimalística de Sylvain y el pesado estilo de batería de Nolan. Estéticamente, los Dolls se veían como una pandilla de fiesta de Halloween que había asaltado el armario de los Rolling Stones y Marc Bolan y la había hecho aún más exageradamente andrógino. Musicalmente, su repertorio -mayormente escrito por Johansen (quien, por entonces escribía su nombre como Jo Hansen) y Thunders, ocasionalmente por Johansen y Sylvain- era una serie de descuidadamente energéticas expresiones de los bajos fondos de la escena neoyorquina de donde emergían, particularmente a través de los legendarios shows en el Mercer Arts Center. Canciones como "Personality Crisis", "Trash", "Frankenstein", "Vietnamese Baby" y "Jet Boy" fueron series seminales de abuso de guitarra, compensando con actitud lo que les faltaba en habilidad musical. Pero a pesar de todo su abuso, los Dolls no estaban completamente faltos de sutileza; "Subway Train", por ejemplo, fue una pieza todo lo impactante lírica (e incluso musicalmente) que la banda era capaz de ejecutar.<br /><br />Esas y seis otras canciones (incluyendo una versión de "Pills", de Bo Diddley) se convirtieron en su álbum debut epónimo en 1973, New York Dolls, con la disquera Mercury. Producido por Todd Rundgren, algunos críticos piensan que su influencia fue demasiado notoria en el empuje crudo de la banda, mientras que otros piensan que les dio precisamente la guía que necesitaban para permitir que lo mejor de sus singulares gruñidos se mostrase. El álbum recibió críticas positivas, pero las ventas fueron marginales.<br /><br />Para su próximo álbum, el quinteto optó por otro productor legendario, George Morton, quien produjo algunos favoritos de la banda en los 60, incluyendo al girl group The Shangri-Las. Lejos de la atmósfero que prestó a esos mini-épicos, Morton le dio a los Dolls un sonido más magro para el álbum de 1974, Too Much, Too Soon. La composición lírica de la banda parecía titubear levemente mientras que sus versiones de clásicos R&B recordaban algo de la energía original del grupo, particularmente su versión de "(There's Gonna Be A) Showdown", de Archie Bell and the Drells. Los críticos aplaudieron, mayormente, pero el público estuvo aún menos impresionado que con el primer álbum (una votación en una revista los colocó como ganadores del mejor y el peor nuevo grupo de 1973).<br /><br />Mercury abandonó su contrato con los Dolls poco después, y la banda reclutó al sastre británico Malcolm McLaren como su nuevo manager. Las provocativas piruetas que hizo funcionar posteriormente con los Sex Pistols fracasaron para los Dolls, especialmente cuando vistió al grupo en cuero rojo y organizó varias presentaciones frente a una bandera soviética, que alejó a las disqueras que consideraban en esa época la posibilidad de firmar a los Dolls. Excepto por algunos breves períodos, los dos álbumes de los Dolls (considerados clásicos absolutos del proto-punk) han sido producidos sin interrupción desde sus respectivos lanzamientos.<br /><br />Separación <br /><br />Thunders y Nolan se marcharon en 1975 para formar The Heartbreakers con el guitarrista Walter Lure y el cofundador y bajista de Television Richard Hell. Eventualmente reemplazaron a Hell por Billy Rath y fueron de gira, apoyando a sus herederos los Sex Pistols en Inglaterra en 1976, mientras que el resto de los Dolls reclutaron reemplazos y continuaron hasta 1977. The Heartbreakers grabó un álbum de estudio (exclusivo para el Reino Unido) y algunos álbumes informales de presentaciones en vivo (incluyendo un set memorable de un concierto en Max's Kansas City) antes de separarse y reducirse a conciertos aleatorios. Thunders continuó de gira y grabó a través de los 80, lanzando un álbum como solista (So Alone) que recibió buenas críticas y varias recopilaciones de versiones y algunas piezas originales. Sin embargo, nunca llegó a salir de sus problemas con las drogas, y murió en Nueva Orleans en 1991, de una supuesta sobredosis de heroína y metadona. Nolan murió unos meses después, en 1992, luego de un derrame causado por una meningitis.<br /><br />Johansen tuvo una carrera como solista moderadamente exitosa en términos comerciales luego de que los Dolls se separasen definitivamente; su voz había madurado considerablemente, volvió a su pasión original por el R&B (con Syl Sylvain, su antiguo compañero de banda de Dolls, principalmente), y grabó numerosos álbumes como solista mostrándolo (casi sorprendentemene, considerando su pasado con los Dolls) como uno de los grandes cantantes soul blancos de su era. Su cuarto álbum como solista, un set de conciertos llamado Live it Up, tuvo buenas ventas y aportó al menos un clásico de la radio, una brillante mezcla inconsútil de "We Gotta Get Out of This Place" de The Animals. Pero Johansen estaba ya cansado del tipo de audiencias para las que estaba cantando (en una entrevista en televisión, las denominó la "música mental pesada que es muy popular en los mitines de la Juventud de Hitler"), y desarrolló una identidad y estilo alternos: el cantante y frecuentador de salones Buster Pointdexter, cuyo estilo híbrido de pop tropical y soul resultó en uno de los más grandes éxitos bailables de los 80s, "Hot Hot Hot". Eventualmente cambió de dirección una vez más, moviéndose a la música tradicional y el blues con David Johansen and the Harry Smiths, a través de los 90. Un tercer álbum de los New York Dolls (compuesto de sesiones de demos en 1972 con la segunda alineación) fue lanzado en casete en 1981, finalmente llegando a CD como Lipstick Killers en 2000.<br /><br />Syl Sylvain tuvo su propia carrera musical por un tiempo. Formó su propia banda, The Criminals, y grabó un álbum como solista con la discográfica RCA. Incluso pasó algunos años como el compañero de Johansen. Eventualmente trabajó como taxista en Nueva York, lo que describió como el peor trabajo del planeta.<br /><br />Reunión <br /><br />Morrissey organizó una reunión de los tres miembros sobrevivientes de la banda (Johansen, Sylvain y Kane) para el festival Meltdown en el 2004, que fue extremadamente bien recibida. Un LP y DVD en directo han sido lanzados con la disquera Attack, de Morrissey. La película "New York Doll" (http://newyorkdollmovie.com) muestra el génesis de la reunión desde el punto de vista de Kane, contrastado contra el fondo de su conversión a la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días.<br /><br />Todo esto aumentó el shock público causado por la noticia de que Arthur Kane murió inesperadamente el 13 de julio de 2004, de leucemia.<br /><br />En julio de 2005 se hizo un anuncio de que los dos miembros sobrevivientes de la banda irían de gira y producirían un nuevo álbum para la primavera del 2006, con Steve Conte como guitarrista, Sami Yaffa en el bajo, Brian Delaney baterista y Brian Koonin en el teclado.El álbum lleva el nombre "One Day It Will Please Us to Remember Even This".<br /><br />En el 2009 New York Dolls presentaron Cause I Sez So su cuarto álbum de estudio (el segundo despues de la reunion) el 5 de Marzo producido por Acto Records. El productor del disco es Todd Rundgren, quien tambien produjo su album debut. Una de las canciones de ese album Trash fue regrabada para este álbum.<br /><br />Influencia <br /><br />Los Dolls influenciaron una era completa de músicos y bandas como Hanoi Rocks, The Ramones, Mötley Crüe, Guns N' Roses, The Damned y Morrissey (de The Smiths, quien solía ser líder del club de fans de New York Dolls). También fuera una influencia masiva en varios miembros de Sex Pistols, especialmente en el guitarrista Steve Jones, quien dijo que en retrospectiva, se sentía avergonazado de lo mucho que copió el estilo de Johnny Thunders y también el infame de GG Allin que fue tanta su influencia que iba travestido a sus clases cuando estudiaba. . El manager de los Pistols, Malcolm McLaren, estuvo brevemente involucrado con los Dolls al final de sus carreras<br /><br />Fueron también una importante influencia en la escena de rock en Nueva York, habiendo acumulado un seguimiento de culto muy devoto durante sus carreras. Para el momento en que New York Dolls se había separado, Ira Robbins escribe que lograron "singularmente comenzar la escena local de Nueva York que luego genera a los Ramones, Blondie, Television, Talking Heads y otros. Un caso clásico del todo siendo mayor que la suma de sus partes, los Dolls fueron mucho más que una banda. Su devota audiencia original se convierte en la placa de Petri de una escena; emularon a sus héroes y formaron grupos en su imagen." <br /><br />Miembros <br /><br /> * David Johansen: voz.<br /> * Johnny Thunders: guitarra solista.<br /> * Sylvain Sylvain: guitarra rítmica.<br /> * Arthur Kane: bajo.<br /> * Jerry Nolan: batería.<br /> * Rick Rivetts (1971): guitarra rítmica.<br /> * Billy Murcia (1971): batería.<br /> * Steve Conte:nueva guitarra y voz<br /> * Sam Yaffa: actual bajista<br /><br />Discografía <br /><br />Álbumes de estudio <br /><br /> * New York Dolls, 1973<br /> * Too Much Too Soon, 1974<br /> * One Day It Will Please Us to Remember Even This, 2006<br /> * Cause I Sez So, 2009<br /><br />Álbumes en vivo <br /><br /> * Red Patent Leather, 1984<br /> * Return of the New York Dolls: Live From Royal Festival Hall, 2004<br /><br />Álbumes Demo <br /><br /> * Lipstick Killers, 1981 (2000 en casette)<br /> * Seven Day Weekend,1992<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/jhwSHw5kpec&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/jhwSHw5kpec&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-46445730827816085802009-06-12T20:39:00.002-07:002009-06-12T20:49:45.333-07:00Alice in Chains<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhS0qVzr4yt-Jj4r9XCpjr8z2qzaq8jquQvvTYrjbkFhovUieQac0WwxzyNh_nUIl1fPuS17MVmzSdNAaHjZXrom9N3Io_IVOlpl9wUg8n4b95074O86U3CmcYRkjfoE2d5rgSsJpR1Ng0C/s1600-h/Alice+in+Chains.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 296px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhS0qVzr4yt-Jj4r9XCpjr8z2qzaq8jquQvvTYrjbkFhovUieQac0WwxzyNh_nUIl1fPuS17MVmzSdNAaHjZXrom9N3Io_IVOlpl9wUg8n4b95074O86U3CmcYRkjfoE2d5rgSsJpR1Ng0C/s320/Alice+in+Chains.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5346654259311521730" /></a><br />Alice in Chains es una banda de grunge estadounidense, fundada en 1987 en Seattle. Con un nombre que ya en sí mismo denota bastante pesimismo y con un sonido más pesado y orientado al heavy metal que los grupos coetáneos de grunge, aunque dentro de este movimiento, Alice in Chains logró emerger de la escena de Seattle hasta convertirse en una de las bandas más importantes del llamado rock alternativo, llegando a vender en los Estados Unidos unos 14 millones de discos.[1] Partes de la clave de su éxito fueron la combinación de ese sentido de indiferencia que se le supone al grunge con la fuerza del metal y un exclusivo y característico juego armónico en las voces. Apoyándose en la visión depresiva del cantante Layne Staley sobre las drogas y la muerte,[2] y los sutiles y trabajados acordes metálicos del guitarrista Jerry Cantrell, Alice In Chains se colocó rápidamente en el seno del mainstream, ayudados también en gran medida por un agresivo mercadeo.<br /><br />En 2006 se anunció la reunión de todos sus miembros, con la excepción del fallecido vocalista Layne Staley (sustituido por William DuVall, exmiembro de Comes with the Fall) y la edición de un nuevo álbum de estudio, titulado Black Gives Way to Blue, previsto para el 29 de septiembre de 2009.<br /><br />Alice in Chains se formó oficialmente en el año 1987, cuando el baterista y cantante Layne Staley y el guitarrista Jerry Cantrell se conocieron en una fiesta y decidieron formar una banda, ya que compartían gustos musicales y habían estado tocando en bandas de glam metal, estilo predominante en la época.[4] Al poco, Cantrell se topó con el bajista de Gipsy Rose, Mike Starr, quien aceptó la oferta de entrar en la banda. Por último, sólo quedaba vacante el puesto de batería, para lo cual se reclutó a Sean Kinney, quien estaba saliendo con la hermana de Starr. Quedó así conformada la banda y comenzaron a actuar en locales de Seattle.[5] Después de varios nombres, la banda optó por llamarse a sí mismos "Alice in Chains", derivado del nombre de la antigua banda de Staley, "Alice 'N Chainz".<br /><br />El sello Columbia Records les descubrió durante una de sus actuaciones y les ofreció un contrato discográfico en 1989.[6] Después de componer y grabar una serie de demos durante aquel año, se decidieron por entrar en un estudio de grabación para editar su primer EP, We Die Young, en 1990, cuya canción homónima les valió una moderada popularidad en las radios de metal estadounidenses. Sin embargo, las pobres ventas que alcanzó el EP lo convirtieron en una auténtica pieza de coleccionista. Al finalizar el año, Alice in Chains ya había editado un primer LP, bajo el título de Facelift, infuidos por el sonido de Black Sabbath aunque encuadrados dentro del grunge,[5] sonido que comenzaba a granar popularidad hacia finales de los años 80 y que era originario de Seattle, ciudad de origen de la banda. La canción Man in the Box consiguió un inusitado éxito de popularidad gracias, en parte, a la difusión de su vídeo en el influyente canal musical MTV.[7] Gracias también a la gira promocional con Iggy Pop y Van Halen, Facelift alcanzó el disco de oro antes de llegar al final de 1990.[8] La repentina popularidad del disco debut de la banda hizo que la reedición de We Die Young alcanzase rápidamente altas cotas de ventas. Man in the Box consiguió una nominación a los premios Grammy en 1991. Esta fue la primera nominación a los Grammy de una larga retahíla, de las que nunca salió ganador.<br /><br />En 1991 se editó el vídeo de un concierto en el teatro Moore de Seattle, que tuvo lugar el 22 de diciembre de 1990, bajo el nombre de Live Facelift. En ese mismo año se rodó la película Singles a cargo del director Cameron Crowe, donde la banda aparecía tocando la canción It Ain't Like That en un bar, incluyendo otra canción en la banda sonora del film, Would?, inédita hasta la fecha. Ese mismo año, la banda compartió gira con grupos como Megadeth, Slayer, Anthrax o Suicidal Tendencies, antes de editar, un año después, el EP acústico Sap, con la colaboración de Ann Wilson de Heart, Mark Arm de Mudhoney y Chris Cornell de Soundgarden.<br /><br />En pleno apogeo de su éxito, Staley cayó en un profundo abismo resultado de las drogas y una terrible depresión mientras irónicamente la audiencia de la banda crecía considerablemente. Alice In Chains comenzó a trabajar en su siguiente disco, Dirt, en septiembre del mismo año, bajo la producción de Dave Jerden, como había ocurrido con su disco anterior. Su primer single, Would?, ya había aparecido en la banda sonora de Singles y había alcanzado bastante popularidad debido a ello.<br /><br />Comienzo de la popularidad y primeras dificultades <br /><br />Dirt fue editado a finales de 1992 y se colocó en el puesto número 6 del Billboard, alcanzando el primero de los tres discos de platino que consiguió el disco antes de rematar el año.[7] Fue en este momento cuando se comenzó a especular con una posible adicción a la heroína de Staley, provocada en su mayor medida por las oscuras y depresivas letras de Dirt. Fue la edición de la banda sonora de Singles lo que hizo que Would? se convirtiese en uno de los mayores éxitos de la banda, convirtiéndose en un himno de la Generación X.<br /><br />A comienzos de 1993 empezó "Down In A Hole", una intensa gira de seis semanas de duración. Dicha gira fue demasiado para el bajista Mike Starr, quien dejó el grupo para fundar su propio proyecto, "Sun Red Sun", y ser reemplazado por Mike Inez, quien era bajista en directo de la banda de Ozzy Osbourne. La nueva formación debutó en el "Tour Lollapalooza" junto a Dinosaur Jr, Babes in Toyland, Rage Against the Machine, Fishbone, Arrested Development y Tool. Durante el verano de 1993 su popularidad crecía mientras seguían los rumores de abuso de las drogas y la mentalidad de autodestrucción de la banda, especialmente de Staley.[2] Canciones como Junkhead y Angry Chair, con referencias implícitas a la heroína, ayudaron a difundir estos rumores. Ese año, la banda colaboró en la grabación de la banda sonora de la película Last Action Hero con las canciones What the Hell Have I y A Little Bitter, que se convirtieron las primeras contribuciones de Inez con Alice in Chains en un estudio de grabación.<br /><br />A comienzos de 1994, el grupo se lanzó de nuevo al estudio con Jar of Flies, otro EP acústico que, además, alcanzó el número 1 en la lista de álbumes grandes, el primer EP en conseguirlo.[6] Poco después, en marzo, el bajista Mike Inez grabó el disco It's 5 O'clock somewhere con Slash (guitarra de Guns & Roses) en su proyecto Slash's Snakepit.<br /><br />Alice in Chains compartió gira con Metallica y Suicidal Tendencies para promocionar Dirt, aunque la adicción a las drogas de Staley provocó la suspensión de varios conciertos de dicho tour.<br /><br /> Mad Season y gran popularidad <br /><br />A finales de ese mismo año, 1994, y bajo el nombre de "The Gacy Bunch", Layne Staley, Mike McCready (Pearl Jam), Barrett Martin (Screaming Trees) y John Baker Saunders (The Walkabouts) ofrecieron una serie de conciertos en bares locales, lo que se convertiría en el germen de Mad Season. Esta formación grabaría en 1995 su único disco, Above, en el que domina un sonido mezcla de grunge y blues, con la colaboración del vocalista de los Screaming Trees, Mark Lanegan. Este año, la banda volvió a perder en una edición de los premios Grammy, esta vez con la canción I Stay Away, del EP Jar of Flies.<br /><br />La planificación de un nuevo disco de la banda se hizo realidad en abril de 1995, cuando la banda entró en el estudio para grabar su tercer disco grande, finalmente homónimo después de que se barajasen otros nombres, como "Tripod". El disco fue editado en noviembre y alcanzó una enorme popularidad, algo que acabó por destrozar los ánimos de Layne Staley introduciéndose más en el oscuro mundo de la heroína, lo que impidió que se realizase alguna gira promocional. Aun así, el disco debutó en el primer puesto en Estados Unidos y consiguió el disco de platino a las dos semanas.[6]<br /><br />La banda se vio envuelta en una popularidad inusitada, consiguiendo salir del ojo público para un prolongado descanso que terminó en 1996, al grabar una edición de MTV Unplugged. Dicha grabación impresionó a los fans debido a la evidente debilidad de Staley,[5] quien tuvo que ser ayudado varias veces por Cantrell en la ejecución vocal al olvidarse de varios versos y estribillos. La atmósfera creada para la grabación del concierto también contribuyó a la sensación de debilidad y depresión, con un Staley vestido en su totalidad de negro y con un decorado lleno de velas.[5] El disco de la interpretación llevada a cabo en el programa alcanzó el tercer puesto en las listas americanas y llegó a su vez a la certificación de disco de platino.[6]<br /><br />También en 1996, la banda consiguió ser teloneros de Kiss al fallar Stone Temple Pilots en dicha actuación debido a los problemas con las drogas de su vocalista, Scott Weiland. El concierto del 3 de julio, perteneciente a dicha gira, fue el último con Layne Staley como vocalista.<br /><br />Receso y muerte de Staley <br /><br />Cantrell quería mantener unida a la banda e intentó mantenerse en contacto con Staley, pero la salud del vocalista le impedía continuar con su actividad musical. En febrero de 1997, la banda volvió a ser nominada a un premio Grammy por el tema Again, aunque perdió de nuevo. A causa de la inactividad de Alice in Chains, Jerry Cantrell compuso y grabó su primer disco en solitario, Boggy Depot, en 1998. Incluyendo a Mike Inez y a Sean Kinney de Alice in Chains, se consideró a este trabajo como el disco "perdido" de la banda. En dicho álbum también trabajó el bajista de Primus, Les Claypool. Ese mismo año, Staley reunió a los miembros de la banda y grabó con ellos sus dos últimas canciones, Get Born Again y Died, que fueron editadas en el box set de la banda, Music Bank. También se editó el recopilatorio Nothing Safe: Best of the Box, que contiene las canciones más exitosas de la banda. Poco después, se editó el disco en directo Live y otro recopilatorio, Greatest Hits, que consta de los diez mayores éxitos de la discografía de Alice in Chains.<br /><br />Aunque la banda nunca emitió ningún comunicado certificando su ruptura, se considera que ésta vino de la mano de la muerte de Layne Staley el 5 de abril de 2002,[6] a causa de una sobredosis de speedball (combinación de heroína y cocaína), aunque su cuerpo no fue encontrado hasta el día 20 de abril. La muerte de su novia a causa de una endocarditis bacteriana en 1996 había sumido al vocalista en una profunda depresión que intentó combatir por medio de las drogas.<br /><br />La muerte de Staley hizo que el segundo disco solista de Cantrell, titulado Degradation Trip, fuese dedicado a la memoria del fallecido cantante.[7]<br />Alice in Chains durante la gira de 2006: en primer término, el vocalista William DuVall, y, al fondo, el guitarrista Jerry Cantrell.<br /><br />Reunión y actualidad <br /><br />No fue hasta siete años después, en febrero de 2005, cuando se volvió a ver a los miembros de Alice in Chains sobre un escenario, con la excepción de Staley. Kinney, Inez y Cantrell se unieron a vocalistas como Maynard James Keenan (Tool), Patrick Lachman (Damageplan), Wes Scantli (Puddle of Mudd) y Ann Wilson (Heart), para realizar lo que se llamó "Tsunami Benefit" en Seattle, un concierto en favor de las víctimas del tsunami acaecido a finales del año 2004 en el este del Océano Índico, dejando la puerta abierta para una posible reunión de la banda.<br /><br />Dicha reunión se concretó el 20 de marzo de 2006 para el programa de VH1 "Decades Rock Live!", en un programa dedicado a la banda Heart.[7] En dicho programa se representaron los temas Would? con Phil Anselmo (cantante de Pantera y Down) y Rooster, con William DuVall, cantante y guitarrista de Comes with the Fall, y Ann Wilson, vocalista de Heart. Después de esto, la banda se embarcó en una corta gira por Europa y los Estados Unidos y un breve tour por Japón. Coincidiendo con la reunión y gira de la banda, Sony publicó el recopilatorio The Essential Alice in Chains, un doble disco con 28 temas. Para dicha gira se reclutó al vocalista William DuVall y al bajista de Velvet Revolver, Duff McKagan, quien tocó la guitarra rítmica en algunas de las canciones.<br /><br />El 11 de junio de 2009 se reveló que el próximo álbum de la banda llevará por nombre Black Gives Way to Blue y saldrá a la venta el 29 de septiembre de 2009.[3]<br /><br />Miembros <br /><br />Hasta 2002 <br /><br /> * Layne Staley - Vocalista<br /> * Jerry Cantrell - Guitarrista<br /> * Mike Inez - Bajista<br /> * Sean Kinney - Batería<br /><br />Antiguos <br /><br /> * Mike Starr - Bajista<br /><br />Desde 2006 <br /><br /> * William DuVall - Vocalista<br /> * Jerry Cantrell - Guitarrista<br /> * Mike Inez - Bajista<br /> * Sean Kinney - Batería<br /><br />Discografía <br />Fecha de lanzamiento Título Compañía Otra información<br />Julio de 1990 We Die Young Columbia EP<br />20 de agosto de 1990 Facelift Columbia EE.UU. #42,[9] 2x Platino<br />21 de marzo de 1992 Sap Columbia EP, Oro<br />29 de septiembre de 1992 Dirt Columbia EE.UU. #6,[9] 4x Platino<br />25 de enero de 1994 Jar of Flies Columbia EP, EE.UU. #1,[9] 2x Platino<br />7 de noviembre de 1995 Alice in Chains Columbia EE.UU. #1,[9] Reino Unido #37, 2x Platino<br />30 de julio de 1996 Unplugged Columbia directo, EE.UU. #3,Reino Unido #20, Platino<br />29 de junio de 1999 Nothing Safe: Best of the Box Columbia EE.UU. #20, Oro<br />26 de octubre de 1999 Music Bank Columbia 4 CD box set, EE.UU. #123<br />5 de diciembre de 2000 Live Columbia directo, EE.UU. #142, Oro<br />28 de agosto de 2001 Greatest Hits Columbia EE.UU. #112, Oro<br />5 de septiembre de 2006 The Essential Alice in Chains Columbia<br />29 de septiembre de 2009 Black Gives Way to Blue Virgin<br /> <br />Layne Staley 1967-2002<br /><br />Layne nació el 22 de agosto de 1967 en Kirkland, WA. Layne creció con los padres divorciados.<br /> <br /><br />Su primer instrumento fue una batería a la edad de 12 años.<br /><br />En su juventud tocó en diversas bandas de glam alrededor de Seattle.<br /><br />En estas bandas, él cantaba mientras tocaba la batería.<br /><br />Pronto abandonó la batería y se dedicó únicamente a cantar. Su última de banda de glam se llamó Alice 'N chains (notar la N '), todos llevaban ropas de mujer y daban preservativos a la audiencia.<br /><br />En 1987, Layne conoció a Jerry en una fiesta. Jerry le presentó a Mike y a Sean. Deciden empezar una nueva banda. Nace Alicie in chains.<br /><br />El 5 de agosto de 1987 es la fecha del primer concierto como banda.<br /><br />A finales de 1987 firmaron con Columbia Records. Su primer EP se llamó "We Die Young" y fue sacado a la venta en 1990, ahora es una rara pieza de collecionista...<br /><br />Layne Staley el Cantante de Alice in Chains, famoso por su erratica manera de componer las letras y su sufrimiento propio lo llevaron a ser un cantante excepcional. <br />Pero Layne veia su vida como un camino sin final, a lo que se debio en parte a su reciente adiccion a las drogas, mas especificamente a la heroina y a la cocaina, que 11 años despues terminarian con quitarle la vida.<br /><br />Sabiendo de que su viaje por este mundo no iba a a ser largo, dirt, jar of flies, facelift y el disco homonimo fueron la corta expresion de Staley por tratar de que alguien le respondiera sobre su existencia en este mundo.<br /><br />Lo que empezo siendo como el futuro brillante de una banda termino siendo el llanto de muchos millones....igual la prensa no dio puntapie a la muerte de Layne dejando en claro que el no era un icono referente de la generacion X mientras que otros fans incondicionales le debian a Layne el derecho de ponerlo en un monumento debido a su realista forma de ver las cosas durante el corto tiempo que vivio, mas pensando que los 90 no fue una decada muy positiva.<br /><br />Los primeros Sintomas de Layne dieron a la luz en el famoso Unplugged que hicieron despues de muchas dificultades de la banda a poder hacer un tour debido a la condicion en la que se encontraba Staley en ese momento, fue cuando en un momento de la presentacion Layne mezclo las lineas de la cancion Sludge Factory, segun uno de los efectos mas comunes de ambas combinaciones cocaina-heroina, producia confusion, si bien el momento fue humoristico y la gente le dio un aplauso abrasador por tan insignificante error, empezaba lo que seria el primer paso hacia el infierno.<br /><br />Poco despues del recital, alice in chains dio su ultimo concierto con layne en 1996 en Misuri.<br />Layne no volvio a tener contacto con la prensa ni mucho menos con la banda, por ese entonces hizo un supergrupo llamado Mad Season, edito un disco con integrantes de diversas bandas como pearl jam y Helmet.<br />Al comienzo de la decada del '00 la cosa estaba mas que en peor. Apenas los compañeros y el manager vieron en el deplorable estado en el que se encontraba Layne en ese momento.<br />Mark Lanegan, el vocalista del grupo grunge Screaming Trees, dio a asegurar que layne se encontraba en una jaula:<br /><br /> Cita :<br /> Cuando lo iba a visitar a su condominio en Seattle, Layne no atendia la puerta y tenia que lanzarle piedras a su ventana gritandole "layne, layne soy yo mark" pero como no me respondio tuve la dificil decision de irme<br /><br /><br /><br />Al poco tiempo Layne hizo con tom morello guitarrista de rage against the machine/soundgarden un proyecto llamado class of '99 donde hicieron el cover de pink floyd another brick in the wall pt 2, y fue el ultimo material que Staley se presento a cantar.<br /><br />Mas cerca de su muerte en el 2001, blender logro obtener lo que seria la ultima entrevista de Layne Staley vivo.<br />Layne Aseguro, que su partida era inminenete, curiosamente fue entrevistada por una argentina de nombre Adriana Rubio.<br />Su ultimo mensaje fue lo siguiente:<br /><br /> Cita :<br /> "yo se que estoy decayendo, esta p*ta droga es como la insulina que un diabetico necesita", "no uso las drogas para llegar a lo mas alto como la gente cree. Cometi un terrible error cuando empeze a tomar esta m*erda. Mi riñon no esta funcionando bien, estoy todo el dia combustianado y c*agandome en mis pantalones. El dolor que siento es algo que no puedes calmar facilmente".<br /><br /> "yo se que estoy cerca de la muerte". "yo consumi crack y heroina todos estos años. nunca quise terminar mi vida de esta forma. Pero es demasiado tarde. nunca quise la aprobacion de la gente para consumir esta droga de m*erda. No traten de contactar a ningun miembro de alice in chains ELLOS NO SON MIS AMIGOS".<br /><br /> y para cerrar la entrevista en una aparte layne dijo "Lo que esta droga me ayudo todos estos años ahora se me esta volviendo en mi contra".<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/l9jX1KAKp78&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/l9jX1KAKp78&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-102115259888200202009-06-12T20:13:00.000-07:002009-06-14T21:12:38.797-07:00Blind Melon<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgR04ReK-fVNg4AzyfIK3MSs22x7sUSw3UEaWk4CKNZGQqvA3cEFPlO980FC2skAgqXoSJHEmqJ3RCepQP-LU795ozQeF_h9ihwTfrGTNWxuy1z7i0npmGAIcJXmNWCzvlwZiVkQZG1eurd/s1600-h/blindmelon.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 240px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgR04ReK-fVNg4AzyfIK3MSs22x7sUSw3UEaWk4CKNZGQqvA3cEFPlO980FC2skAgqXoSJHEmqJ3RCepQP-LU795ozQeF_h9ihwTfrGTNWxuy1z7i0npmGAIcJXmNWCzvlwZiVkQZG1eurd/s320/blindmelon.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5346650025598836834" /></a><br />Blind Melon es una banda de rock alternativo formada en 1989 en el estado de California. Su actividad se extendió desde 1989 hasta 1995, año de la muerte de su vocalista, Shannon Hoon, aunque fue reformada en 2006 al ser sustituido Hoon por Travis Warren, ex-miembro de Rain fur Rent.<br />La banda se formó en 1989 en la ciudad de Los Ángeles, con miembros procedentes de diversos estados norteamericanos, como Indiana, Pennsylvania o Mississippi, y firmaron un contrato con Capitol Records en 1991. La aparición del vocalista Shannon Hoon en el vídeo musical del tema "Don't Cry" de Guns 'N Roses consiguió una cierta popularidad para el grupo reforzada por la publicación de su primer álbum, homónimo, producido por Rick Parashar, quien había trabajado anteriormente con Pearl Jam. Aunque el disco no consiguió muchas ventas al poco de salir al mercado, el single "No Rain" contribuyó en gran medida a difundir a música de Blind Melon por los Estados Unidos. El vídeo de esta canción, protagonizado por una niña disfrazada de abeja, alcanzó una inusitada y espectacular popularidad, y el disco consiguió superar los cuatro millones de copias vendidas. Este disco presenta influencias del rock de los años '70, el folk y el pop.<br /><br />Para presentar el disco, Blind Melon abrieron en conciertos de Lenny Kravitz, Neil Young, Soundgarden y los Rolling Stones, y encabezaron su propia gira que tuvo que ser suspendida al poco de comenzarse debido al abuso de drogas por parte de Shannon Hoon.<br /><br />En 1994, la banda comenzó a grabar su segundo disco de estudio, Soup, en Nueva Orleans con el productor Andy Wallace. Este álbum fue publicado en 1995 y significó un ligero avance hacia el rock alternativo, con canciones más cortas y recortando la influencia del folk y el pop. Aunque este disco fue un poco más accesible al gran público a pesar de su cambio de estilo, Soup no consiguió las ventas esperadas.<br /><br />Poco después de la edición de este álbum, la banda contribuyó a la grabación de Encomium, un disco en tributo de Led Zeppelin en el que grabaron el tema "Out on the Tiles".<br /><br />La gira de promoción del trabajo estuvo marcada por los constantes problemas de Hoon con las drogas. Éste tuvo que llevarse a su tutor en la clínica de rehabilitación en la que estaba ingresado para que le impidiese reincidir en su adicción, pero debido al constante desobedecimiento por parte del vocalista, este tutor fue despedido a los pocos días de comenzar la gira. Este hecho fue acusado por Hoon, quien, el 21 de octubre de 1995, fue encontrado muerto en el autobús del grupo a causa de una sobredosis de cocaína. Sus compañeros decidieron editar un disco póstumo, titulado Nico, que contiene temas descartados, canciones inéditas y versiones de John Lennon y Steppenwolf. El título del álbum es el mismo que el nombre de la hija de Hoon, que contaba con sólo trece semanas de vida al morir su padre. Los beneficios recaudados por las ventas del disco fueron destinados a la manutención de la hija de Hoon y donados a asociaciones de ayuda a músicos con problemas de adicción al alcohol y a las drogas.<br /><br />Después de un breve intento de seguir adelante por parte de los restantes miembros de Blind Melon, la banda se separó el 4 de marzo de 1996, y sus integrantes se separaron para formar distintos proyectos.<br /><br />En 2002, Capitol Records editó un DVD titulado Classic Masters que contiene Entrevistas videos y entrevistas de la banda. La gran acogida que recibió este DVD hizo que los antiguos miembros editasen Live And The Woodstock 1994 en 2005 junto con un DVD que muestra una actuación de la banda en septiembre de 1995 en Chicago. El 16 de diciembre de 2006 salió a la venta un álbum tributo a Blind Melon sólo en Nueva Zelanda, aunque contiene canciones de grupos de todo el mundo. Poco antes, en abril de ese mismo año, Capitol Records editó Otro DVD en directo, Live at the Palace.<br /><br />El 15 de septiembre de 2006 se anunció una reunificación de la banda con un nuevo vocalista, Travis Warren, proveniente de Rain fur Rent. Poco después, el 9 de noviembre, se publicaron tres nuevas canciones de Blind Melon, "Make a Difference", "For My Friends", y "Harmful Belly", y en agosto de 2007 se les unió otra más, "Wishing Well", que puede ser escuchada en el sitio de la banda en MySpace. El 7 de octubre de 2007, Blind Melon realizó su primer concierto en doce años en la ciudad de Providence, Rhode Island.<br /><br />For My Friends, el nuevo álbum de Blind Melon, salió a la venta el 22 de abril de 2008 en Adrenaline Records. Anteriormente había sido publicado el primer sencillo, "Wishing Well", el 4 de marzo.<br /><br />En septiembre de ese año se publicó el libro A Devil on One Shoulder and an Angel on the Other: The Story of Shannon Hoon and Blind Melon, del periodista musical Greg Prato, basado en la carrera de la banda antes de la muerte de Shannon Hoon.<br /><br />Miembros <br /><br />Actuales <br /> * Travis Warren - Voz<br /> * Christopher Thorn - Guitarra, mandolina y armónica<br /> * Rogers Stevens - Guitarra y piano<br /> * Brad Smith - Bajo, flauta y coros<br /> * Glen Graham - Batería y percusión<br /><br /> Pasados <br /><br /> * Shannon Hoon - Voz (1992 - 1995)<br /><br />Discografía <br /><br /> * 1992. Blind Melon<br /> * 1995. Soup<br /> * 1996. Nico<br /> * 2008. For My Friends<br /><br />Shannon Hoon<br />Richard Shannon Hoon (Lafayette, Indiana, EE. UU., 26 de septiembre de 1967 - Nueva Orleans, Luisiana, 21 de octubre de 1995) fue un cantante y letrista estadounidense que lideró la banda de rock Blind Melon hasta su muerte por sobredosis de cocaína el 21 de octubre de 1995. En vida de Hoon, Blind Melon publicó dos discos, Blind Melon y Soup, en 1992 y 1995, respectivamente, aunque un año después de su muerte, sus ex compañeros editaron el disco Nico con grabaciones descartadas de los anteriores trabajos, que lleva el nombre de la hija de Shannon, Nico Blue. Hoon, cuyo estilo vocal fue comparado a menudo con el de la también fallecida Janis Joplin,[1] consiguió oponerse al estilo reinante en Los Ángeles, el hair metal, para componer canciones basadas en el rock de los años '70, con representantes como Led Zeppelin o Grateful Dead.<br /><br /> Juventud<br /><br />Nacido y criado en Lafayette, Indiana, Hoon empezó a usar su segundo nombre, Shannon, para evitar confusiones con su padre, quien también se llamaba Richard.[2] En el instituto, Hoon despuntó por su pronunciada capacidad deportiva debido a su hiperactividad,[3] destacando en fútbol y lucha. Junto con su fama de buen deportista, Hoon era también conocido en la localidad por haber sido arrestado en más de una ocasión.[4] Se graduó en la escuela de McCutcheon en 1985. Después de dicha graduación, Hoon se empezó a interesar por la música: "Cuando tenía 17 años, me obsesioné porque no tenía nada con lo que identificarme. Me di cuenta de que había malgastado años intentando ser lo que mis padres querían que fuese."[3] Se unió como cantante en una banda de covers de Guns N' Roses,[5] para después formar parte del grupo Syff Kytten.[4] Por esta época, escribiría su primera canción: Change.<br /><br /> Primer trabajo: Blind Melon <br /><br />En 1992, Blind Melon edita su álbum debut homónimo, producido por Rick Parashar, quien había trabajado anteriormente con Pearl Jam en su disco también debut, Ten. Blind Melon consiguió críticas positivas, aunque no demasiado impacto en el número de ventas al poco de salir a la luz.[8] A raíz de la publicación del disco, la banda comienza a girar por los Estados Unidos para promocionar su trabajo, abriendo los conciertos de formaciones y músicos como Ozzy Osbourne, Neil Young, Guns N' Roses o Soundgarden durante los años 1992 y 1993. A medida que la popularidad de la banda comenzaba a subir, también lo hizo el abuso de drogas y alcohol por parte de los miembros de la banda, especialmente de Hoon.[9] La llegada de la fama viene de la mano del primer single del disco, No Rain, que se convirtió en un gran éxito gracias a su vídeo musical.[10] En él aparece una chica joven y obesa, de nombre real Heather DeLoach, llamada popularmente la "chica abeja" debido al disfraz que viste, y que es rechazada de todos los lugares a los que va.[11] Este clip fue dirigido por Sam Bayer, quien fue el creador del vídeo de la canción Smells Like Teen Spirit.[3]<br /><br />Gracias al repentino éxito del tema, el disco llegó al segundo puesto del Billboard, sobrepasando los cuatro millones de ventas sólo en los Estados Unidos y alcanzando dos nominaciones a los premios Grammy (Mejor Artista Nuevo y Mejor Interpretación de Rock).[8] [7] Blind Melon pasó los dos años siguientes girando por todo el mundo. Muchos de los conciertos pertenecientes a estas giras tuvieron que ser interrumpidos a causa de las penas de cárcel o rehabilitación de Hoon o sus comportamientos cada vez más obscenos y extraños. En 1993, Hoon fue arrestado después de desnudarse y orinar sobre un fan durante un show en Vancouver, Canadá. Al año siguiente, durante la participación de Blind Melon en el festival de Woodstock, Hoon salió a escena con el pijama de su novia, claramente bajo los efectos de las drogas.[11] Durante todo aquel concierto, Hoon estuvo haciendo rabiar al público y finalizó la actuación arrojando un conjunto de instrumentos de percusión a los espectadores. Ese mismo año, Hoon provocó otro incidente al agredir a un guarda de seguridad en la entrega de los premios Billboard.[4] Sin embargo el éxito se vio reflejado en la aparición de la banda en la portada de uno de los números de la revista Rolling Stone, en la que salen desnudos.[12] Cuando la banda se introduce en el estudio para grabar el siguiente trabajo, la adicción de Hoon a la cocaína se hace más patente. Posteriormente se produce el nacimiento de su primera hija, Nico Blue, en julio de 1995, poco antes de la publicación del segundo disco de la banda.<br /><br />Segundo trabajo: Soup <br /><br />Después de permanecer un tiempo descansando, Blind Melon graba y edita su segundo álbum, Soup, en 1995. El disco fue recibido por la crítica con aspereza debido a su sonido más oscuro,[4] aunque en el plano comercial fue muy exitoso, ya que el single Galaxie alcanzó el octavo puesto en la lista del Billboard.[7] Después de la edición del trabajo, Hoon vuelve a un centro de rehabilitación para intentar curarse de su adicción a la cocaína. Debido a la reciente edición de Soup, Blind Melon necesitaba una gira de promoción del trabajo, algo complicado al estar Hoon internado en la clínica. A causa de ello y a las presiones del sello discográfico, Hoon hizo que su tutor en la clínica lo acompañase durante la gira.[3] Sin embargo, este tutor no fue capaz de evitar que Hoon recayese en sus problemas con las drogas y fue despedido sólo un mes después de comenzar con el tour.[9] Sin la presencia de este, la adicción y el uso de drogas de Hoon creció de manera considerable.<br /><br />Muerte <br /><br />En la noche del 20 al 21 de octubre de 1995, una semana después de la despedida del tutor de Hoon, y después de un concierto de la banda especialmente malo en Houston,[11] Hoon consumió mucha cocaína durante el trayecto de Houston a Nueva Orleans, donde llamó y habló con su novia por teléfono. A la mañana siguiente, el 21 de octubre de 1995, sus compañeros de banda encontraron su cuerpo sin vida en el autobús del grupo.[9] Ese día, la banda tenía que tocar en Nueva Orleans, un concierto nunca celebrado debido a la muerte del vocalista, acaecida a los 28 años de edad. Shannon Hoon fue enterrado en Dayton, Indiana.[11] En su lápida se pueden leer algunos versos extraídos de la primera canción que compuso, Change:[4]<br /><br />I know we can't all stay here forever<br />So I want to write my words on the face of today<br />And they'll paint it<br /><br />Shannon Hoon, Change<br /><br />La noticia sorprendió a la crítica y al público en general. Howy Boschan, uno de los miembros iniciales de la banda (la había dejado después de sufrir un grave accidente de coche) y coautor de Tones of Home, canción que aparece en el primer disco de la banda, expresó su amistad y tristeza por la muerte del vocalista: "Shannon y yo fuimos buenos amigos, vivimos juntos. Y la última vez que hablé con él le dije que era un estúpido. Me había llamado por los derechos de autor de Tones of Home, y llegó incluso a amenazarme. No era la misma persona que conocí".[3] Mientras tanto, Ed Kowalezk, miembro de Live y amigo de Hoon, se preguntaba "qué es lo que tiene la droga que la hace tan genial." Hoon pasó así a engrosar la larga lista de músicos muertos a causa de las drogas.<br /><br />Un año después de su muerte, los integrantes de la ya desaparecida banda editaron un último álbum, titulado Nico, en el que aún se pueden escuchar las últimas canciones grabadas con Hoon como vocalista. El nombre del trabajo proviene del nombre de la hija de Hoon, que nació pocas semanas antes de la muerte de su padre.[13] El dinero recaudado por las ventas del disco fue donado a fundaciones dedicadas a tratar problemas de drogadicción y a la manutención de su hija.<br /><br />Recientemente se ha anunciado una reunión de los miembros de la banda, reclutando para la ocasión al vocalista de Rain fur Rent, Travis Warren. También se anunció la edición de un nuevo disco de la banda titulado "For My Friends" y que salió a la venta el 22 de Abril de 2008.<br /><br /> Discografía <br /><br />En vida <br /><br /> * Blind Melon (1992) - Capitol Records<br /> * Soup (1995) - Capitol Records<br /><br />Póstuma <br /><br /> * Nico (1996) - Capitol Records<br /> * Letters From a Porcupine (DVD) (2001) - Capitol Records<br /> * Classic Masters (2005) - Capitol Records<br /> * The Best of Blind Melon (2005) - Capitol Records<br /> * Live at The Palace (2006) - Capitol Records<br /> * For my friends (2008)<br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/mFqvIUcfBcw&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/mFqvIUcfBcw&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-15167154596699454192009-06-12T19:55:00.000-07:002009-06-12T20:12:14.066-07:00Inxs<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqXyCwfj5wCkAO972sZ2JCtP4SB49fspPSm6mW_rpFT7T2C6KaKTwjNTn12G3B5csMk4w0v228i4-aPKz2RIISMs9jVaaF_ce_WkHBEMb2opLxtsdfBrqJqL2KBY2talBxf17dDktY1OIY/s1600-h/inxs.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 230px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqXyCwfj5wCkAO972sZ2JCtP4SB49fspPSm6mW_rpFT7T2C6KaKTwjNTn12G3B5csMk4w0v228i4-aPKz2RIISMs9jVaaF_ce_WkHBEMb2opLxtsdfBrqJqL2KBY2talBxf17dDktY1OIY/s320/inxs.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5346643129393474274" /></a><br />INXS es una banda de Rock y New Wave de Australia. Su nombre es el acrónimo de In excess (en exceso). Fue formada el 16 de agosto de 1977 en Sydney.<br />En la escuela Preparatoria, el cantante Michael Hutchence conoció al teclista y guitarrista Andrew Farriss, en medio de una pelea en la que Mike estaba metido. Andrew logró ayudarlo y desde entonces fueron grandes amigos. Por esos años decidieron formar una banda junto al bajista Garry Gary Beers. Paralelamente a la formación de la banda, el guitarrista Tim Farriss (hermano de Andrew) tocaba en distintas bandas junto a Kirk Pengilly. En 1977 ambos grupos se unieron, formando The Farriss Brothers. Dieron su primer concierto el 16 de agosto de 1977, día marcado en la historia de la música por el fallecimiento de Elvis Presley. Un par de años después, cuando el baterista Jon Farriss hubo concluido el colegio secundario, la banda se trasladó de Perth a Sydney y adoptó su nombre definitivo: INXS. En 1979 empezaron a tocar en pubs y grabaron su primer single: "Simple Simon". Tras menos de un año, en 1980, el grupo obtuvo su primer contrato discográfico, el cual dio lugar al lanzamiento de su álbum debut, llamado como ellos mismos, INXS.<br /><br />INXS y Underneath the colours fueron un éxito en Australia, lo que permitió al grupo un contrato con una compañía norteamericana, ATCo Records. INXS debutó en los Estados Unidos en 1983, con el lanzamiento del álbum Shabooh Shoobah y haciendo una gran gira por todo el país. Incluso participaron en el US Festival de aquel año frente a 100.000 personas. Esa extensa gira los convirtió en estrellas del género new wave. En 1984 lanzaron The Swing cuyo single adelanto, "Original Sin" (producido por Nile Rodgers), se convirtió en el primer Nº1 de la banda en Australia y alcanzó algo de notoriedad en Estados Unidos, Reino Unido y sobre todo Francia y Argentina donde fue número 1 también. En 1985 lanzaron el álbum Listen Like Thieves, cuyo sonido es un poco más rockero pero sin dejar de lado sus influencias new wave. La canción "What You Need" se colocó, a inicios de 1986, en el Top 10 en los Estados Unidos, convirtiéndose en el trampolín definitivo para el éxito internacional que sería consolidado con su siguiente disco Kick, de 1987.<br /><br />El grupo había evolucionado hacia un estilo groove más fino y sofisticado, transformando sus influencias de dance, hard-rock y new wave. Esta evolución fue muy acertada, ya que esto convirtió a la banda en superestrellas internacionales que ganaban cifras multimillonarias. El ejemplo más notable lo encontramos con el súper éxito del álbum Kick, vendiendo 11 millones de copias del disco. Conseguirían su primer Nº 1 en USA, con el single "Need You Tonight". Esto unido al Kick World Tour, que mantuvo a la banda dos años en la carretera, provocó que en 1989 la banda se tomara un respiro. Aprovechando esto, cada uno de los miembros empezó a realizar proyectos en solitario, siendo el más notable la participación de Michael Hutchence con el rockero Ollie Olsen creando un disco experimental llamado MAX Q, disco que pasó muy desapercibido en los charts de ventas, pero por el que recibieron buenas críticas.<br /><br />Tras ese paréntesis, los australianos más internacionales de aquel momento, se volcaron en lo que sería su regreso musical, con el nombre de X, (número romano en referencia a los 10 años transcurridos desde su primer disco). Al igual que sus dos anteriores discos, fue producido por Chris Thomas y con 4 millones de discos vendidos, no consiguió superar a su predecesor. Tuvo varios hits, como "Suicide Blonde" (que llegó al Top Ten de los Estados Unidos), "Bitter Tears" y "Disappear". A pesar de que las ventas no fueron las esperadas, INXS se embarcó en su gira más extensa y con más éxito, rematando con su Summer XS el 13 de julio de 1991 en un concierto en el emblemático estadio de Wembley en Londres, que sería grabado en directo y que en parte acabaría siendo publicado ese mismo año con el nombre Live Baby Live.<br /><br />El siguiente disco lanzado por la banda fue Welcome to Wherever You Are, su disco más experimental hasta la fecha. Recibió buenas críticas y fue comparado con el exitoso "Achtung Baby" de U2. El éxito de este se centró principalmente en Europa, llegando a ser Nº1 en Reino Unido. Saldrían algunos éxitos como "Taste It", "Baby Don´t Cry" o "Beautiful Girl", que les valdría una nominación a los Grammy, pero las cifras de ventas fueron bajas. El interés musical en 1992 se estaba centrando en el sonido originario de Seattle, el Grunge, con bandas como Nirvana y Pearl Jam, y los australianos no tuvieron más remedio que adaptarse. Con el disco Full Moon, Dirty Hearts, de 1993, la banda endureció su sonido, pero la fórmula no funcionó, así que se convirtió en su mayor fracaso, tanto a nivel de crítica como a nivel de público. Pese a todo, el single presentación, "The Gift", no tendría tan mala aceptación en algunos países europeos. En dos canciones del disco colaboraron Ray Charles y Chrissie Hynde (de The Pretenders).<br /><br />Para su siguiente lanzamiento, INXS abandonó su compañía Atlantic, con el lanzamiento de "Greatest Hits" donde incluyeron un par de temas nuevos. En el año 1994 firmaron con Polygram Records.<br /><br />Tras tres años de descanso, la banda regresó con energías renovadas con su nuevo disco Elegantly Wasted, un disco que produciría Bruce Fairbairn, quien tuvo la difícil tarea de devolver a la banda a lo más alto. Intentaron utilizar la misma fórmula que con el disco Kick, es decir un sonido mucho más fresco que sus dos trabajos anteriores. Funcionó medianamente y comenzaron una gira mundial. Todo cambió un 22 de noviembre de 1997, cuando en la habitación 525 del Hotel Ritz Carlton de Sydney, fue encontrado el cadáver de Michael Hutchence. Al día siguiente del fatal acontecimiento habría comenzado una mini gira por Australia conmemorando el 20 aniversario de la banda. El 20 de Septiembre de 2005 se incorporó J. D. Fortune como nuevo vocalista del grupo, al ser elegido entre otros 10 cantantes en una competencia de once semanas.<br /><br />INXS tras la muerte de Hutchence <br /><br />A pesar de la muerte de Hutchence, INXS continuó como grupo reclutando a vocalistas temporales, entre ellos Terence Trent D'Arby, Suze DeMarchi y Jimmy Barnes. En 2002, Jon Stevens (quien había estado con la banda desde 2000) fue nombrado el vocalista oficial de INXS. Sin embargo, dejó el grupo en 2003, llegando a grabar una sola canción llamada "I Get Up". El tema fue también usado en la Copa del Mundo de Rugby 2003 y en el juego de video EA Sports Rugby 2004.<br /><br />INXS volvió a ser noticia en 2004 cuando anunciaron que realizarían un reality show titulado Rock Star: INXS. El show se estrenó en la cadena de televisión CBS el 11 de julio de 2005. El 20 de septiembre J.D. Fortune (su nombre verdadero es Jason Dean Bennison) de Ontario, Canadá, ganó la competencia, convirtiéndose así en el nuevo vocalista de la banda. Grabaron el nuevo álbum de la banda, titulado Switch, el cual fue lanzado el 29 de noviembre de 2005. Actualmente se encuentran de gira promocionando el disco y su nuevo cantante.<br /><br />Discografía<br /><br /> Álbumes <br /><br /> * INXS (1980); #164 US<br /> * Underneath the Colours (1981); #15 AU<br /> * Shabooh Shoobah (1982); #46 US<br /> * The Swing (1984); #52 US; #1 AUS<br /> * Listen Like Thieves (1985); #11 US<br /> * Kick (1987); #3 US; #9 UK<br /> * X (1990); #5 US; #2 UK<br /> * Live Baby Live (1991); #72 US; #8 UK<br /> * Welcome to Wherever You Are (1992); #16 US; #1 UK<br /> * Full Moon, Dirty Hearts (1993); #53 US; #3 UK<br /> * Elegantly Wasted (1997); #41 US ; #16 UK<br /> * Switch (2005); #17 US ; #18 AUS; #2 CAN; #7 NZL<br /><br />Compilaciones <br /><br /> * INXSIVE (1982)<br /> * Dekadance (1983)<br /> * Kick Special Edition (1989)<br /> * The Greatest Hits (1994); #112 US; #3 UK<br /> * Shine Like It Does: The Anthology (1979-1997) (2001)<br /> * Definitive INXS/The Best of INXS (2002); #144 US; #15 UK<br /> * The Years 1979-1997 (2002)<br /> * Stay Young 1979-1982 (2002)<br /> * INXS²: The Remixes (2004)<br /><br />Michael Hutchence<br />Nombre completo: Michael Kelland Frank Hutchence<br />Nacido el: 22 de enero de 1960 (fallecido el 22 de noviembre de 1997)<br />Nacido en: Sydney, Australia<br />Altura: 1m 75cm<br />Signo: Acuario<br />Instrumentos: Voz<br />Estado civil: murió soltero con una hija con Paula Yates <br />Michael Hutchence, nacio el 22 de Enero de 1960 en Sidney, Australia, aunque vivio mucho tiempo en lugares como Hong Kong debido a los negocios de su padre Kelland, a pesar de las distancias mantuvo su amistad con Andrew a quien volvio a ver al regresar a Sidney, para comenzar a escribir una pagina mas en la historia de la musica junto a INXS.<br /><br />Es sin duda uno de los cantantes mas carismaticos que dio la musica de los ultimos tiempos, uno de los mejores showman del panorama musical, el mejor cantante del mundo, para la mejor banda del mundo, sus compañeros lo definen como una persona muy genuina, muy calida y extremadamente generosa, pero en el fondo un tipo muy timido.<br /><br />Su mayor lucha fue intentar lograr ser tratado como una persona normal, aunque llamar la atencion de la prensa era algo que no podia evitar, aunque se rehusaba a ser una figura publica su estilo de vida glamorosa no dejaba que su imagen pase por alto.<br /><br />En 1990 comenzo una relacion amorosa con la cantante australiana Kylie Minogue, " Me siento muy feliz de estar con Kylie. He tenido alguna aventurilla, pero hemos vuelto y estoy muy feliz con ella, aunque ambos somos diferentes, eso ayuda a nuestra relacion. Yo respeto su musica y ella la mia . Es una chica encantadora....... " decia Michael.<br />Cuando la relacion de Michael con Kylie finalizo en 1994, comenzo otra con la modelo Helena Christensen , esta relacion fue la que estuvo siempre en el punto de mira de la prensa, Michael ya empezaba a mostrar su antipatia ante los paparazzi, " Yo no obtengo nada cada vez que me sacan una maldita fotografia , o cada vez que alguien escribe alguna mentira ", pero la relacion con Helena termino cuando conocio a su ultima mujer, Paula Yates, con la cual tuvo una hija llamada Heavenly Hiraani Tiger Lily.<br /><br />Pero en el año 1997 la luz se apagaria para Michael, su dudosa muerte en el hotel Ritz Carlton de Sidney, dejo sin palabras a miles de fans que hasta ahora se preguntan el porque de su muerte<br /><br />Poco tiempo antes de morir Michael grabo un disco como solista , que icluye un tema en el cual participa el cantante de U2 , Bono . Pareciera que este ultimo trabajo de Michael fuera una forma de decir adios.......<br /><br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/2-ab_B1SUeY&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/2-ab_B1SUeY&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-79335985204079069362009-06-09T20:31:00.000-07:002009-06-12T19:44:52.726-07:00Pink Floyd<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh5us9CbaamTBR1-dSRMx1X50Vh2TqGbKkqsVJpbKhAbiRpg-zNb6dYupe_w1owitRvQOplE1AM-Kn7WXkZY66wZjzoQezNLo9JCKwCRDKEen_WAdIDQIaTReddOYty6KCEbjTEBccJ-Lo/s1600-h/pink_floyd_wideweb.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 270px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh5us9CbaamTBR1-dSRMx1X50Vh2TqGbKkqsVJpbKhAbiRpg-zNb6dYupe_w1owitRvQOplE1AM-Kn7WXkZY66wZjzoQezNLo9JCKwCRDKEen_WAdIDQIaTReddOYty6KCEbjTEBccJ-Lo/s320/pink_floyd_wideweb.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5345547974464175570" /></a><br />Pink Floyd, grupo Británico de música rock que ha trabajado los subgéneros de rock progresivo, rock psicodélico, sinfónico, ácido, conceptual y espacial. Fueron de los primeros en producir videos y películas musicales a partir de sus trabajos. En los años 1970 fueron el grupo que más discos vendió en todo el mundo y fueron pioneros en el terreno del sonido psicodélico.<br /><br />Pink Floyd nació un día 5 de junio de 1964 a partir de una banda anterior que utilizó distintos nombres, (Sigma 6, T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs), llegando a denominarse The Pink Floyd Sound, para quedarse posteriormente en The Pink Floyd y finalmente sólo Pink Floyd al publicar su primer disco en 1967. El nombre proviene de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council.<br /><br />Los componentes originales de Pink Floyd fueron: Bob Klose (guitarra solista), Syd Barrett (voces, guitarra rítmica), Richard Wright (voces, teclados), Roger Waters (voces, bajo) y Nick Mason (batería). Syd Barrett dominaba la composición influido por el rock psicodélico y el rock surf, lo que propició la salida de Bob Klose, (más cercano al jazz), y dejando un cuarteto más estable.<br /><br />En 1968, Syd Barrett, cuya salud mental se había deteriorado, debido a sus experimentaciones con diversas drogas pesadas, incluido el LSD, comenzó a hacerse cada vez más impredecible y los espectáculos del grupo fueron resintiéndose cada vez más, por tal motivo, el grupo llamó a David Gilmour para asistir a Barrett en la guitarra y voces cuando éste sufriera alguno de sus bloqueos mentales. Sin embargo, esta solución no resultó práctica y los demás simplemente dejaron de llevarlo a los conciertos. Barrett había compuesto la mayor parte del primer álbum del grupo The Piper at the Gates of Dawn (1967) y una pequeña parte del segundo álbum A Saucerful of Secrets (1968). Poco a poco la figura de Barrett se hizo cada vez más ausente, hasta que finalmente dejó de participar en los trabajos con el grupo. Los demás componentes siempre lo recordarían con afecto y llegarían a dedicarle canciones como "Wish You Were Here" y "Shine on you crazy diamond". De esta forma empezaron a componer y liderar el grupo Gilmour y Waters. Finalmente, Barret falleció el 7 de julio de 2006.<br /><br />Después de la banda sonora de la película More (1968), su siguiente disco fue el doble Ummagumma (grabado entre Birmingham y Manchester en 1969), una mezcla de temas en directos por una parte y experimentos de estudio por la otra en la cual cada tema fue compuesto por cada uno de los miembros de la banda, cuyos temas ocupaban la mitad de una cara (unos 10 minutos cada uno).<br /><br />En 1970 lanzaron Atom Heart Mother, (número uno en Reino Unido), en cuya orquestación colaboró Ron Geesin; era un trabajo que sin embargo pareció no satisfacer mucho al grupo. Más acertados se sintieron con Meddle (1971), que incluye "Echoes" de 23 minutos, y la leyenda de haber sido compuesta también con la intención de ser el soundtrack paralelo del "Tercer Acto: Misión a Júpiter" de la película 2001: Una odisea del espacio. El estilo pop-jazz de "San Tropez", la atmosférica "One of These Days", una obra clásica con una voz distorsionada que amenaza con "cortarte en trocitos uno de estos días" y "Seamus", en la que dan rienda suelta a su gusto por la experimentación están también incluidos en el disco. Un álbum menos conocido, Obscured By Clouds, salió en 1972 como la banda sonora de la película La Vallee.<br /><br />A pesar de que Pink Floyd editó pocos singles, como Arnold Layne y See Emily play, cuando produjo el exitoso álbum Dark Side of the Moon, el tema "Money" fue número uno en los Estados Unidos, el disco estuvo alrededor de 14 años en la lista de los 100 principales, rompió varios records y es uno de los más vendidos de todos los tiempos. Dark Side of the Moon es una obra conceptual en la que se mezclan referencias a la neurosis, la locura y la fama, y técnicamente fue una innovación al utilizar un nuevo equipo de 16 pistas en los estudios de Abbey Road con el ingeniero de sonido Alan Parsons a los mandos de la edición, constituyendo un nuevo estándar en la alta fidelidad. El álbum también es fuente de una leyenda urbana que dice que fue concebida como banda sonora alternativa de la película El Mago de Oz de 1939, versión que fue desmentida por el grupo.<br /><br />Dark Side of the Moon junto con los tres siguientes discos, Wish You Were Here, Animals y The Wall se suelen considerar como la cumbre de la carrera de Pink Floyd.<br /><br />Wish You Were Here se publicó en 1975 como un tributo a Syd Barrett que contiene letras explícitas sobre su proceso y separación. En el álbum destacan el tema "Shine On You Crazy Diamond", básicamente instrumental y que recibió los elogios de la crítica, y "Wish You Were Here", que dio título al trabajo.<br /><br />Por 1977, cuando se publicó Animals, Pink Floyd comenzó a recibir críticas por ser excesivamente pretenciosos y flojear en la composición, perdiendo la senda de la simplicidad del rock and roll anterior. Animals contiene largas canciones asociadas a un tema, tomado en parte de la novela Rebelión en la granja (Animal Farm) de George Orwell, que utiliza cerdos, perros y ovejas como metáfora de la sociedad contemporánea, estando más presente en la instrumentación la guitarra que en sus otros trabajos.<br /><br />En 1979 se publica la opera rock The Wall, concebida principalmente por Roger Waters, que devolvió a Pink Floyd a las listas de éxitos y que actualmente es el tercer disco más vendido en la historia. Entre otros, el tema "Another Brick in the Wall, Part II", una crítica a la educación infantil, fue número uno y se convirtió casi en himno contra el sistema educativo (principalmente al sistema educativo inglés). Otro tema, "Comfortably Numb", que nunca se editó como single, se convirtió en pieza fundamental de todas las listas y hoy en día es una de las canciones más conocidas del grupo, teniendo como curiosidad que es la única canción de sus últimos cuatro discos en la que no hay continuidad con la canción anterior ni siguiente. Con The Wall el grupo hizo una gira mundial con un colosal montaje que incluía la construcción de un muro gigante que iba ocultando el escenario y que finalmente era destruido, todo ello siguiendo la historia de esta obra conceptual. El álbum fue coproducido por Bob Ezrin, quien fue llamado para servir como mediador entre Gilmour y Waters, debido a las continuas discusiones que se producían entre ambos. Ezrin había producidos discos para Alice Cooper y el grupo KISS. Además de como productor, Ezrin participó en la composición del tema "The Trial".<br /><br />El carísimo montaje de The Wall generó grandes pérdidas económicas y fue una piedra más en los engranajes de la banda, unido a que se hizo patente el liderazgo de Roger Waters, creando frecuentes conflictos con los otros miembros del grupo y llegando a provocar la salida de Richard Wright, que volvió a participar en algunos conciertos de la gira pero ya contratado por un salario fijo, (irónicamente esto permitió que Wright fuera el único que ganara algo de dinero).<br /><br />The Wall es una obra conceptual, una opera rock con una historia completa pensada para ser llevada al cine, aunque hasta 1982 no vio la luz la película Pink Floyd: The Wall, adaptada por el propio Roger Waters, dirigida por Alan Parker y protagonizada por Bob Geldof, el líder del grupo Boomtown Rats. La película contiene notables escenas de animación realizadas por Gerald Scarfe, colaborador desde hacía tiempo de los Pink Floyd, y que siguieron la misma línea de sus diseños para la carpeta del doble álbum de 1979. En la película se incluyeron temas que no figuran en el álbum original y que completan la historia, y lamentablemente excluyeron "Hey You", una pieza magnífica.<br /><br />En 1983 vio la luz The Final Cut (literalmente el último corte, que anunciaba su último trabajo juntos), que retomaba trabajos no incluidos en The Dark Side Of The Moon y que mantenía su misma atmósfera, algo más oscura quizás. También significó la aparición de canciones relacionadas con temas de actualidad, algo impuesto por Roger Waters y que ha seguido haciendo en su carrera en solitario, como el corte "The Fletcher Memorial Home" en el que se refleja la rabia de Waters en relación a la intervención británica en la Guerra de las Malvinas. Algo más habitual en el grupo como la crítica social, pero orientado a otra de las fobias de Waters a partir de aquí, es el tema "Two Suns in the Sunset" sobre el cinismo y el miedo de la guerra nuclear. Aunque el álbum fue publicado por Pink Floyd como grupo, parece claro que ya respondía al proyecto personal de Waters y es clara la continuidad sonora, estética y temática con su posterior carrera en solitario. Quizás salvo por la estela de éxito de The Wall y la emoción de los seguidores del grupo ante su disolución, el tema "Not Now John" apareció durante algún tiempo en las listas de éxitos.<br /><br />Después de The Final Cut, los componentes del grupo separaron sus carreras y comenzó una batalla legal por los derechos del nombre de la banda, fundamentalmente entre Roger Waters y David Gilmour, ya que mientras el primero deseaba su desaparición definitiva "para dejar con honra al mítico grupo", el segundo quería continuar el trabajo con el resto de miembros. Roger Waters abandonó formalmente Pink Floyd en 1985 con el fin de apoyar su postura legal respecto a la existencia del grupo. Finalmente David Gilmour y Nick Mason consiguieron los derechos sobre el nombre Pink Floyd, aunque Roger Waters mantuvo sus derechos sobre gran parte de la obra anterior del grupo, especialmente sobre el concepto teatral de The Wall.<br /><br />Así, en 1987 Pink Floyd publica el álbum A Momentary Lapse of Reason sin Roger Waters, en el que también participó Richard Wright como músico de sesión.<br /><br />En 1994 se publicó The Division Bell, en el que Richard Wright volvió a figurar como miembro de Pink Floyd. Pink Floyd no ha vuelto a publicar nuevo material desde entonces y aunque no están oficialmente disueltos, no hay ningún signo sobre nuevos trabajos.<br /><br />En el año (2000) se publicó el concierto de las giras 1980 i 1981 del The Wall bajo el titulo The Wall Live: Is there anybody outhere? siendo la compilación de las grabaciones realizadas en los cinco conciertos que componian esta gira ofrecida por el grupo. Se han publicado numerosas recopilaciones de la obra de Pink Floyd, de las cuales la última Echoes (2001) ha causado bastante controversia, ya que muchos temas se han ensamblado con continuidad pero en distinto orden que en sus discos originales, mientras que de otros temas como "Shine On You Crazy Diamond" y "Marooned" se han eliminado partes completas. En el 2003 se lanzó el álbum commorativo de los 30 años del Dark Side of the Moon el cual es el primero de los discos de la banda en ser publicado en el formato SACD (Super audio CD)<br /><br />El 2 de julio del año 2005, luego de una larga historia de peleas y demandas, Roger Waters se reunió con sus antiguos compañeros para una presentación de solo 4 temas en el concierto de Live 8, El histórico concierto fue la primera presentación de Roger Waters con la banda luego de 24 años de separación, para el grupo también fue su primer concierto juntos luego de 11 años de inactividad. Videos de este concierto pueden ser vistos en la pagina de AOL (aquí). La BBC condujo una encuesta en la cual Pink Floyd resultó ganador como Mejor Espectáculo del Live8 y las ventas de sus discos se elevaron en casi un mil por ciento, David Gilmour donó el excedente de las ganancias declarando que "no sería ético hacer dinero por un evento cuyos principios son la caridad y la solidaridad..."., En septiembre y a tan sólo unos meses del evento, fue publicada la opera tan esperada por sus fans "Ça Ira" de Roger Waters.<br /><br />El 7 de julio del año 2006, Syd Barrett fue encontrado muerto en Londres, donde estaba internado.<br /><br />Carreras en solitario<br /><br />Todos los miembros de Pink Floyd han publicado discos en solitario con diverso grado de éxito comercial y de crítica, destacando los álbums The Pros and Cons of Hitch Hiking con Eric Clapton como guitarra principal y Amused To Death ambos de Roger Waters. También fue un hito musical la recreación que hizo Roger Waters del espectáculo The Wall, (Berlín 1990), junto a varios colaboradores , entre ellos destacan Bryan Adams, Paul Carrack, Cyndi Lauper, Van Morrisson, Sinead O'Connor y Scorpions además de La Rundfunk Coros & Orquestra del Este de Berlín y la banda Militar de las Fuerzas Sovieticas en Alemania. Concierto único con una espectacular puesta en escena delante de más de 300.000 personas donde un año antes se levantaba el Muro de Berlín, esta vez levantando entre público y artistas el aclamado The Wall de proporciones enormes, superando las giras de 1980-1981 con Pink Floyd y suponiendo la mas impresionante puesta en escena de esta gran Opera Rock. Después de años de retraso, Roger Waters finalmente publicó el 25 de septiembre la Opera "Ça Ira"[2] (2005).<br /><br />Nick Mason sólo ha lanzado un álbum llamado Profiles y la banda sonora del documental La Carrera Panamericana.<br /><br />Richard Wright ha publicado tres obras en solitario: Wet Dream (1978), Identity (1984) y su último trabajo Broken China lanzado en 1996.<br /><br />David Gilmour[3] ha lanzado varios álbumes, siendo el más popular el primero de ellos titulado Dave Gilmour (1978). Luego de la partida de Roger Waters lanzó un álbum llamado About Face (1984) que también fue lanzado en video y destaca en su trayectoria un DVD llamado David Gilmour In Concert (2002) el cual es conocido por muchos como el "Pink Floyd acústico". En 6 de marzo de 2006, día de su cumpleaños número 60, lanzó su tercer trabajo en solitario llamado On An Island, el cual cuenta con numerosos e importantes invitados; incluso el mismo Richard Wright toca los teclados. Desde este mismo mes David Gilmour se embarcó en una gira de presentación de su última obra por Europa y EEUU; en sus primeras presentaciones ha sorprendido a los fanáticos con interpretaciones de temas clásicos como "Arnold Layne", "Echoes", y "Wot's... Uh The Deal".<br />MAS SOBRE Pink Floyd:<br />Fecha Nacimiento: 5-6-1964<br />Lugar Nacimiento: Cambridge uk <br />Web Oficial: http://www.pinkfloyd.co.uk/ <br />Web Club Fans: http://orthon.webcindario.com/PINK.php <br />*De mi gusto Pink Floyd con Syd Barret era el mejor.<br /><br />Syd Barrett<br /><br />Roger Keith Barrett (* Cambridge, Inglaterra, 6 de enero de 1946 - † Cambridge, Inglaterra, 7 de julio de 2006), conocido como Syd Barrett, fue uno de los fundadores del grupo de rock progresivo Pink Floyd.<br /><br />Fue el líder como cantante, guitarrista y compositor de la banda en su primer y exitoso álbum The Piper at the Gates of Dawn (1967). A medida que la fama de Pink Floyd crecía, su abuso de drogas psicoactivas (especialmente LSD) fue afectándole cada vez más, llegando a incapacitarlo para actuar en conciertos o asumir cualquier responsabilidad como parte del grupo. Sólo dos años después de la fundación de Pink Floyd, Syd dejó la banda e intentó una breve carrera en solitario que fructificó en dos álbumes, tras los cuales se retiró, recluyéndose desde entonces en la casa de sus padres. Pink Floyd sobrevivió a su pérdida, pero la enfermedad mental de Syd tuvo un profundo efecto en las letras de sus nuevos líderes, Roger Waters, y el sustituto con la guitarra de Syd, David Gilmour, alcanzando bajo su batuta sus mayores éxitos (Dark Side of the Moon, Wish You Were Here y The Wall) con temas muchas veces inspirados en la desintegración de su antiguo líder.<br /><br /> Infancia y juventud <br /><br />Su padre murió cuando tenía 12 años, lo que marcó su personalidad. Desde niño sintió debilidad por el arte, en concreto, por la pintura y la música. A la edad de 15 años, tuvo su primera guitarra eléctrica, fabricó su propio amplificador e inició su primera experiencia musical tocando en un grupo: Geoff Mott and the Mottoes.<br /><br />Inició sus estudios de secundaria en la Cambridge High School, donde conoció a Roger Waters, dos años mayor que él, lo que no impidió que surgiese una buena amistad entre ambos. Allí también conoció a David Gilmour, quien le enseñó a tocar los primeros acordes de guitarra y que más tarde le sustituiría en la banda. Roger Waters, consciente del talento de Syd Barrett, le invitó a unirse al grupo The Abdabs, formado por Roger Waters, Rick Wright, Nick Mason y Bob Klose. Éste último se sentía más cercano al jazz, por lo cual tuvo problemas con Syd, que prefería el blues. Klose dejó la banda a petición de sus padres, para terminar sus estudios de arquitectura.<br /><br />Triunfo con Pink Floyd <br /><br />Fue entonces cuando Syd Barrett propuso un nuevo nombre para la banda: The Pink Floyd Sound, en memoria de dos viejos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council. En el Thompsan Private Record Company, un estudio de grabación situado en el sótano de una casa en Hemel Hampstead, la banda grabó sus dos primeras canciones: "Lucy Leave" (una versión de "Gloria") y otra versión de Slim Harpo, llamado "I'm a King Bee".<br /><br />El debut en vivo del grupo se produjo en el Roundhouse, el 15 de octubre de 1966. Syd Barrett tenía talento para componer. Lo hacía desde los 16 años, cuando compuso "Effervescing Elephant" y lo continuó en canciones como "Interstellar Overdrive", lo que facilitó que la banda empezara a ganarse su reputación como grupo "experimental", lejano y distinto a lo que era la escena musical por aquella época.<br /><br />En 1967 el grupo firmó un contrato con la compañía discográfica EMI, que publicó su primer single: "Arnold Layne", compuesto por Syd Barrett, canción que hacía referencia a un suceso ocurrido en un colegio mayor femenino en el que habían robado ropa interior femenina. El segundo single de la banda "See Emily Play”" supuso un enorme éxito, lo que originó la entrada del grupo en los estudios Abbey Road para grabar lo que sería su primer LP: The Piper at the Gates of Dawn. Para muchos críticos, nunca una banda avanzó tanto en su primer trabajo, referente por excelencia de la psicodelia británica. Todos los temas fueron compuestos por Syd Barrett, excepto "Take Up Thy Stethoscope & Walk", por Roger Waters, pero esta composición pasa inadvertida al lado de temas como "Astronomy Domine", "Interstellar Overdrive", "The Gnome" o "Flaming", en los que Syd Barrett dejaba un sello en la historia de la música que nadie ha podido igualar.<br /><br />Problemas con las drogas y salida de Pink Floyd <br /><br />Para entonces, sus problemas con las drogas, en especial el LSD, eran patentes, arruinando algunas actuaciones del grupo con episodios lamentables, como el famoso colapso que sufrió en una entrevista para una cadena norteamericana. Fue Roger Waters quien decidió tomar las riendas del grupo y le propuso permanecer en la banda sólo como compositor, llamando a David Gilmour, para sustituirle en las actuaciones en directo. La idea era tener un grupo de 5 miembros y que Syd participara con ellos sólo en las grabaciones y ocasionalmente en los conciertos que él quisiera, pero el mánager del grupo decidió que esto no era "rentable".[cita requerida]<br /><br />En el año 1968 Pink Floyd, grabó y editó su segundo trabajo: A Saucerful of Secrets, una continuación del primer trabajo de la banda, incluyendo como último tema del álbum la canción "Jugband Blues", compuesta por Syd Barret, el canto del cisne de un artista irrepetible, grabado y producido por Philip Burgos, quien en años anteriores fue gran amigo y mentor de otros grandes artistas de la talla de Jimi Hendrix.<br /><br />En 1975 el álbum Wish You Were Here fue un homenaje del grupo a su fundador, que para entonces se mantenía en un cerrado ostracismo, alejado de la prensa y de la escena del rock. Cuando el grupo se encontraba grabando el álbum y estaban terminando las mezclas, la banda vio a un tipo gordo en la sala de grabación al que nadie conocía. Cuando se acercaron, vieron que era Syd, totalmente irreconocible, con el cabello muy corto y las cejas afeitadas (tal como se ve al personaje de Pink en la película "Pink Floyd - The Wall").<br /><br />Carrera en solitario y ocaso definitivo <br /><br />En 1969, Syd Barrett se puso en contacto con EMI y propuso la idea de grabar algunas canciones que había compuesto. La discográfica dudó en aceptar la petición del músico en un principio, pero el éxito de Pink Floyd fue razón suficiente para rescatar al fundador. Primero habló con Malcolm Jones para que fuese su productor y después de unas sesiones entró David Gilmour. De esta tentativa, surgió su primer disco en solitario: The Madcap Laughs, producido por David Gilmour, Roger Waters y Malcolm Jones y con colaboraciones de The Soft Machine. Un disco que hay que "exprimir" y asimilar, no apto para mentes cerradas, pero distinto a lo que cualquier otro artista de la época hubiera hecho, caótico, depresivo, incoherente, brillante. Carente de mayores arreglos, Gilmour tuvo la idea de publicar los temas en bruto. Por ello, en la mayoría de las canciones se escucha tan sólo la voz de Barrett y su Fender Telecaster. Cabe destacar de este trabajo canciones como "Dark Globe", "Here I Go" , "Octopus" , "Golden Hair" (un poema de James Joyce), "Feel" (mezcla de bohemia e incoherencia) o "If It's In You" (con su voz desentonando sobre una melodía que cautiva al oyente). Muchas canciones, según señala Malcolm Jones en su libro "The Making of The Madcap Laughs", que Barrett había grabado con gran entusiasmo, quedaron fuera del álbum al entrar Gilmour en la producción, entre ellas "Opel" y "Bob Dylan Blues".<br /><br />En el año 1970, había compuesto nuevos temas y David Gilmour produjo el disco Barrett, al que se unió Richard Wright. Y aunque Barrett no dejó de brillar en sus composiciones, éstas fueron más arregladas musicalmente, quitándole la magia propia del álbum anterior. Destacan canciones como "Baby Lemonade", "Dominoes", "Waving my Arms in the Air" o "Effervescing Elephant".<br /><br />Después de este último trabajo Barrett hizo ambiguas y ocasionales presentaciones en vivo, de las que se guardan grabaciones de muy mala calidad. Intentó una nueva banda en 1972 llamada "Stars", con la que fracasó en su primera presentación en vivo, de la que no se guarda grabación alguna. En 1974, a petición de muchas personalidades del rock, como David Bowie, regresó a los estudios Abbey Road en una sesión de cuatro días, que dejó grabaciones carentes de voz con secuencias de acordes y blues, ninguna con título, excepto una llamada "If You Go". Años más tarde, se publicó The Peel Sessions (con cinco temas que grabó con David Gilmour en el bajo, para la BBC en febrero de 1970) y Opel álbum recopilatorio con catorce canciones dejadas de lado en las sesiones de 1969 y 1970. En 1993 EMI publicó Crazy Diamond-The Complete Syd Barrett una atractiva caja con tres CD: The Madcap Laughs, Barrett y Opel, cada uno con media docena de temas extra y un librito con información y fotos. Durante su largo retiro vivió en casa de sus padres, alejado de cualquier intento de volver a los escenarios o componer nuevas canciones. Tras permanecer alrededor de veinte años en el más absoluto anonimato una publicación musical inglesa le entrevistó en casa de sus padres en Cambridge (pese a la oposición de su madre) para descubrir que decía no recordar al grupo Pink Floyd ni a sus antiguos amigos.[cita requerida]<br /><br />Aunque al principio se especuló equivocadamente que fue debido a complicaciones de su diabetes, el 7 de julio del 2006, el músico falleció a los 60 años, como consecuencia de un cáncer pancreático.<br /><br />A los pocos días de su fallecimiento, David Gilmour y Roger Waters, en representación del grupo, hicieron un comunicado conjunto que expresaba la consternación de la banda por la muerte de Syd, junto a ellos se encontraba su viuda Meli Barrett.<br /><br />Discografía en solitario <br /><br /> * The Madcap Laughs 1970<br /> * Magnesium Proverbs 1966-1970<br /> * Barrett 1970<br /> * Syd Barrett: The Peel Sessions 1988<br /> * Opel 1988<br /> * Crazy Diamond: The Complete Syd Barrett 1993<br /> * The Best of Syd Barrett - Wouldn't You Miss Me? 2001<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/7HkQvhoymTc&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/7HkQvhoymTc&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-57247584856086780862009-06-09T20:10:00.000-07:002009-06-09T20:29:30.627-07:00The Smiths<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXHTXSxMldZ_AiMGUkyTTqE7KG14qwSRFPsC-eGah01r1cHJ3962P1eFrSNHgk1ia-EtY5NzGx4XRCB9QHNX16xfzqZ1NBkMcKlFPpnLqW2Ne46KUQ1FVPwiDd7nErNpv-j0C_cXxC6Zjd/s1600-h/the_smiths.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 214px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXHTXSxMldZ_AiMGUkyTTqE7KG14qwSRFPsC-eGah01r1cHJ3962P1eFrSNHgk1ia-EtY5NzGx4XRCB9QHNX16xfzqZ1NBkMcKlFPpnLqW2Ne46KUQ1FVPwiDd7nErNpv-j0C_cXxC6Zjd/s320/the_smiths.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5345535733361303122" /></a><br />The Smiths fue una banda de indie rock formada en Manchester, Inglaterra en 1982 por el cantante Morrissey y el guitarrista Johnny Marr. La banda disfrutó de un éxito considerable hasta su separación en 1987. Su música ha sido de gran influencia en la música indie británica, y en los '90, una gran influencia para el Britpop.<br /><br />Dos de las cosas más notables del grupo fueron su polémico cantante con sus no menos polémicas letras y la música compuesta por Marr, que devolvía la guitarra al frente de la banda en una época en la que el techno pop gozaba de gran salud en las listas de éxitos inglesas. La música de la banda se nutría de influencias de rock de los 60 y 70, especialmente del rockabilly y del glam rock, estilo entre cuyas bandas representativas se hallaban algunos ídolos de Morrissey como los New York Dolls y Marc Bolan.<br />Miembros principales<br /> * Morrissey - voz y piano<br /> * Johnny Marr - guitarra, teclados, mandolina, Bajo, armónica<br /> * Andy Rourke - Bajo, cello<br /> * Mike Joyce - batería, coros<br />Otros miembros<br /> * Dale Hibbert - bajo (1982)<br /> * Craig Gannon - guitarra rítmica (1986)<br />La banda fue fundada en 1982 por dos jóvenes de Manchester, Johnny Marr y Steven Patrick Morrissey, aunque este último es más conocido por su apellido, Morrissey. Marr estaba buscando gente para formar una banda cuando unos amigos suyos le hablaron acerca de un joven que vivía cerca y que tenía un estilo particular de escribir, aunque le advirtieron que era difícil de tratar. Era Morrissey, un joven cuya vida era difícil y se refugiaba en la literatura (especialmente en Oscar Wilde, al que haría más de un homenaje en muchas de sus canciones), y ya era conocido en algunos círculos de Manchester, habiendo cantado en una banda llamada The Nosebleeds de corte punk y en la cual no encajaba por su estilo vocal y actitud en el escenario. Había intentado hacer periodismo musical pero había desistido. Es entonces cuando Marr se pone en contacto con él, iniciando una historia musical hoy mítica.<br /><br />Mike Joyce fue reclutado como batería tras una corta audición y Dale Hibbert bajista al comienzo, pronto fue reemplazado por Andy Rourke, amigo de Marr.<br /><br />El origen del nombre se basa en la historia de David Smith, quien denunciara ante la policía de Manchester la identidad de los asesinos de los páramos (Moors Murders). Sin embargo, en una entrevista en 1984 Morrissey dijo que llamó así a la banda porque era el nombre más común y corriente y pensaba que era hora de que la gente más corriente se mostrara al mundo. [1]<br /><br />La banda firmó con el sello discográfico Rough Trade Records y editó su primer single, "Hand in Glove", el 13 de mayo de 1983. El single fue promocionado por el DJ John Peel pero aun así no le fue bien en las listas, suerte que mejoraría con los siguientes, "This Charming Man" y "What Difference Does It Make?". La banda comenzó a generar un notable culto de seguidores, en parte debido a la identificación de los seguidores con las letras de Morrissey.<br /><br />"The Smiths" (el primer álbum)<br />El homónimo disco debut de la banda fue editado en 1984 y llegó hasta el puesto número 2 de las listas inglesas y resultó ser más calmado y con menos energía que lo que apuntaban sus sencillos. En él existen múltiples referencias a la literatura y cultura pop que admiraba Morrissey. La portada del disco, por ejemplo, está compuesta por una foto de Joe Dallesandro en la película de Paul Morrissey, Flesh. Durante toda su carrera la banda se caracterizaría por utilizar imágenes de películas o fotos de estrellas pop en las portadas de sus sencillos. Entre las incontables referencias literarias se hallaba una canción nombrada con una cita del escritor Jack Kerouac, "Pretty Girls Make Graves".<br /><br />Este disco generó varias controversias relacionadas sobre todo con "The Hand That Rocks The Cradle" y "Reel Around the Fountain". Ambas provocaron acusaciones del tabloide británico The Sun y la revista The Sounds por promover la pedofilia. "Suffer Little Children", canción que trataba sobre la tortura y asesinato de varios niños cometido por Ian Brady y Myra Hindley en Manchester durante la infancia de Morrissey, causó la ira del abuelo de una de las víctimas que lo escuchó en un pub, a pesar de que la canción no apoyaba los asesinatos ni a los asesinos. Morrisey incluso llegó a trabar amistad con Ann West, madre de la víctima Lesley Ann Downey, mencionada en la canción.<br /><br />Después de la publicación del álbum, la cantante Sandie Shaw -idolatrada por Morrisey- versionó el tema "Hand in Glove" y un par de temas más, escritos por Morrisey y Marr, y donde participaron éste con Mike Joyce y Andy Rourke. El éxito del sencillo hizo que los Smiths tocaran descalzos -al estilo de Sandie Shaw en los 60- en el show Top of the Pops.<br /><br />En 1984 también se publicaron dos sencillos que aparecieron en el álbum: "Heaven Knows I'm Miserable Now" (el primer tema de la banda que entro entre los 10 primeros puestos de las listas) y "William, It Was Really Nothing" (que usualmente se considera escrita por Morrisey sobre su amigo Billy Mackenzie, cantante de The Associates), contiene a una de las canciones más conocidas del grupo, "How Soon Is Now?", como cara B. El año concluyó con la recopilación Hatful of Hollow, que incluía singles, caras B, y versiones de los temas que habían sido grabados a lo largo del año anterior para los shows de John Peel y Jensen. Las versiones para estas sesiones de radio fueron considerados por muchos (incluyendo a la banda) como superiores a las de los sencillos y el álbum debut.<br /><br />"Meat Is Murder"<br />A principios de 1985 la banda lanzó su segundo álbum, Meat Is Murder. Este álbum fue mucho más estridente y político que su predecesor, e incluía una canción (la pista titular) a favor del vegetarianismo (Morrissey le había prohibido al resto del grupo que fuesen fotografiados comiendo carne), el republicanismo liviano de "Nowhere Fast", y las canciones en contra del castigo corporal "The Headmaster Ritual" y "Barbarism Begins At Home". Musicalmente, la banda se volvió más aventurera, con Marr agregando riffs de rockabilly en "Rusholme Ruffians" y Rourke un solo de Bajo de funk en "Barbarism Begins At Home".<br /><br />El álbum fue precedido por el relanzamiento de la cara B "How Soon Is Now?" como sencillo, que originalmente no aparecía en el álbum pero fue agregada en ediciones subsiguientes. "Meat Is Murder" fue el único álbum de la banda que llegó al primer puesto de las listas británicas.<br /><br />Además de que el álbum tenía mayor contenido político, Morrissey introdujo sus posturas políticas en sus entrevistas, causando aún más controversia. Entre sus blancos se encontraban la administración de Margaret Thatcher, la familia real, y el Band Aid, sobre el cual Morrissey afirmó: "uno puede tener gran preocupación por la gente de Etiopía, pero es otra cosa ocasionar una tortura diaria a la gente en Inglaterra".[1]<br /><br />El siguiente sencillo "Shakespeare's Sister" (que no estaba en el álbum) no tuvo mucho éxito en las listas, al igual que el sencillo que sí estaba en el álbum, "That Joke Isn't Funny Anymore". Muchos lo consideraron una elección extraña para un sencillo, por sus guitarras grabadas al revés y la ausencia de un gancho melódico consistente. Pero el sencillo de septiembre de 1985, "The Boy With the Thorn in His Side", fue un indicador de lo que se vendría.<br /><br />"The Queen Is Dead"<br />Durante 1985 la banda completó agotadoras giras por el Reino Unido y los Estados Unidos mientras grababan su siguiente álbum de estudio, The Queen Is Dead, que fue lanzado en junio de 1986, inmediatamente después del sencillo "Bigmouth Strikes Again". Este álbum, con su típica mezcla de lo sombrío ("Never Had No One Ever", que parecía referirse a los estereotipos de la banda), lo humorístico ("Frankly, Mr Shankly", un supuesto mensaje al jefe de Rough Trade Geoff Travis disimulada como una carta de renuncia de un trabajador para su superior) y varias canciones que sintetizaban ambos lados ("There Is a Light That Never Goes Out" y "Cemetary Gates"), llegó al puesto número 2 de las listas de Reino Unido, y suele ser considerado su mejor obra. En 1989, la revista SPIN ubicó a "The Queen Is Dead" en el primer puesto de su lista de "The Greatest Albums Ever Made" ("Los Mejores Álbumes Jamás Grabados"). Muchas otras listas de mejores álbumes de la historia de otras publicaciones ubicaron a este álbum en la cima o cerca de ella, entre los diez mejores, incluyendo NME y Melody Maker.<br /><br />Sin embargo, no todo estaba bien dentro de la banda. Una disputa legal con Rough Trade retrasó la salida del álbum por casi siete meses (había sido completado en noviembre de 1985) y Marr estaba comenzando a sentir el estrés causado por la agotadora agenda de la banda. Mientras tanto, Rourke fue explusado de la banda a principios de 1986 por sus problemas con la heroína. Se enteró por medio de una nota de Post-it pegada en el parabrisas de su auto, que decía "Andy - you have left The Smiths. Goodbye and good luck, Morrissey." ("Andy - has dejado los Smiths. Adiós y buena suerte, Morrissey") [2]. Fue temporalmente reemplazado por el bajista Craig Gannon pero readmitido después de 2 semanas, por lo que Gannon se convirtió en el guitarrista rítmico. Este quinteto grabó los sencillos "Panic" y "Ask" (con Kirsty McColl en coros), y fue de gira por el Reino Unido; luego de que la gira terminara en octubre de 1986, Gannon fue expulsado.<br /><br /> "Strangeways, Here We Come", y la disolución de la banda <br /><br />1987 comenzó bien para la banda: el single "Shoplifters of the World Unite" (una de las canciones de los Smiths favoritas de Morrissey) fue lanzado a principios del año y tuvo éxito y causó algo de controversia entre padres, sobre la posibilidad de que incitara a los chicos a robar. Fue seguido por un segundo compilado, The World Won't Listen (el título se refiere al comentario de Morrissey sobre su frustración por la falta de reconocimiento de la banda en el mainstream, aunque irónicamente el álbum llegó al segundo puesto en los charts), y el single "Sheila Take A Bow", el segundo (y último) éxito de la banda que llegó a los primeros diez lugares. Otro compilado, Louder Than Bombs, fue preparado para el mercado norteamericano y contenía gran parte del mismo material que The World Won't Listen, pero con la adición de "Sheila Take A Bow" y de material de Hatful Of Hollow, ya que ese compilado no había sido lanzado aún en los Estados Unidos.<br /><br />A pesar de su éxito, diferencias personales dentro de la banda - incluyendo un aumento de la tensión en la relación entre Morrissey y Marr - dejó a la banda al borde de la disolución, y cuando Strangeways, Here We Come (llamado así por la prisión Strangeways de Manchester) fue lanzado en septiembre de 1987, la banda ya había dejado de existir. La separación fue atribuida al hecho de que a Morrissey le molestaba el trabajo de Marr con otros artistas, y a que Marr se sentía frustrado por la poca flexibilidad musical de Morrissey. Marr, en particular, odiaba la obsesión que tenía Morrissey por hacer versiones de artistas de pop de los años 1960, como Twinkle y Cilla Black. Refiriéndose a las canciones que la banda grabó en su última sesión juntos (lados B para el single "Girlfriend In A Coma, que salió antes del lanzamiento del álbum, Marr dijo, "Yo escribí "I Keep Mine Hidden", pero odié a "Work Is a Four Letter Word". Eso fue el colmo, realmente. No formé un grupo para tocar canciones de Cilla Black"<br /><br />Strangeways... también llegó al segundo puesto en Reino Unido pero no alcanzó el mismo éxito en los EE. UU. La canción "Paint A Vulgar Picture" fue algo profética, dado que las canciones del grupo fueron reeditadas en una innumerable cantidad de compilaciones. El infame video de 30 segundos de "Girlfriend In A Coma" logró algo de rotación en MTV en los EE.UU. El álbum fue recibido con indiferencia por parte de los críticos, pero los cuatro miembros lo consideran su álbum favorito de la banda. Un par de sencillos del álbum fueron lanzados con viejas demos y versiones en vivo como lados B, y al año siguiente salió "Rank", un álbum en vivo que fue grabado en 1986, cuando Gannon formaba parte de la banda, que repitió el éxito de sus LPs anteriores.<br /><br />Carreras solistas<br /><br />Inmediatamente tras la separación, Morrissey comenzó a grabar como solista, colaborando con el productor de "Strangeways..." (Stephen Street) y el mancuniano Vini Reilly, guitarrista de The Durutti Column. El álbum, Viva Hate (en referencia al fin de los Smiths), salió seis meses más tarde y llegó al primer puesto en ventas. Morrissey sigue tocando y grabando como solista.<br /><br />Johnny Marr regresó a la música en 1989 con Bernard Sumner (de New Order) y Neil Tennant (de los Pet Shop Boys) en el supergrupo Electronic. Electronic editó tres álbumes a lo largo de la década siguiente. Marr también fue miembro de The The, grabando dos álbumes con la banda entre 1989 y 1993. Marr además trabajó como sesionista y colaborador con artistas como The Pretenders, Pet Shop Boys, Billy Bragg y Black Grape. En el 2000 fundó otra banda, Johnny Marr And The Healers, que obtuvo moderado éxito, y más tarde trabajó como músico en el álbum de Oasis Heathen Chemistry. Además, ha trabajado como productor.<br /><br />Andy Rourke y Mike Joyce continuaron trabajando juntos, como sesionistas de Morrissey (1988-1989) y Sinéad O'Connor, entre otros, además de trabajar juntos. Andy Rourke grabó y salió de gira con la banda británica de country alternativo Proud Mary. Adicionalmente, Rourke está formando un grupo con otros bajistas como Peter Hook (de New Order y Joy Division) y Mani (de los The Stone Roses y Primal Scream), llamado Freebass.<br /><br />Asuntos pendientes<br />The Smiths fueron reunidos en un juzgado en 1996 para resolver una demanda por regalías (royalties) de Joyce contra Morrissey y Marr, quienes sólo les permitieron a Joyce y a Rourke obtener un 10% de lo que la banda ganaba por grabaciones y presentaciones (las regalías por composición no eran relevantes, ya que Rourke y Joyce nunca fueron acreditados como compositores de la banda - Rourke sí compuso sus partes de bajo, pero desconocía los mecanismos que creaban regalías en la creación de obras musicales en ese momento. Por esta razón, Rourke sigue sin recibir crédito y regalías por su trabajo en la creación de las canciones de los Smiths).<br /><br />Morrissey y Marr argumentaron que los otros dos miembros siempre habían estado de acuerdo con esa división de regalías, pero la corte falló a favor de Joyce, y ordenó que se le pagaran un millón de libras y recibiera un 25% desde ese momento.<br /><br />Como las regalías del grupo habían estado congeladas por dos años, y bajo gran presión financiera para sostener a su familia, Rourke se conformó con una suma menor para pagar deudas, y continuó recibiendo 10%. Morrissey fue descrito por el juez como "agresivo y poco confiable".[2]<br /><br />El álbum solista de Morrissey de 1997, Maladjusted, incluyó una canción titulada "Sorrow Will Come in the End", que se refería al caso, y que fue omitida de la versión británica por miedo a una denuncia por difamación. Morrissey (pero no Marr) apeló contra el veredicto sin éxito.<br /><br />Como resultado de este caso, una reunión de los Smiths parecía algo imposible, a pesar del aparente cambio en la relación entre Marr y Morrissey en los recientes años. Tanto Johnny Marr como Morrissey afirmaron en repetidas ocasiones en entrevistas que no había forma alguna de que una reunión volviera a suceder.<br /><br />En 2005, VH1 intentó reunir a la banda para su show Bands Reunited, pero el programa abandonó sus intentos luego de que su anfitrión Aamer Haleem no lograra convencer a Morrissey.<br /><br />A fines de noviembre de 2005, en una aparición en la estación de radio BBC 6 Music, Mike Joyce afirmó que estaba atravesando por problemas financieros, y que había tenido que recurrir a vender items raros de la banda en eBay. Algunos minutos de una pista instrumental nunca completada llamada "The Click Track" fue presentada en el show.<br /><br />Morrissey atacó a Joyce en una declaración pública en la página www.true-to-you.net. La relación entre Joyce y Rourke se congeló como resultado de la declaración de Morrissey que reveló que Joyce había engañado a la justicia al no declarar que, entre otros, Rourke tenía derecho a activos que fueron tomados por sus abogados, de Morrissey. Decía que Rourke había sido privado del pago de regalías por parte de Morrissey ya que habían sido tomadas por Joyce quien fue obligado a declarar que otros (Rourke, Lillywhite y Street) tenían un interés en los fondos que él intentaba conseguir.<br /><br />En enero de 2006 Johnny Marr + The Healers tocaron en Manchester v Cancer, un show a beneficio para el cáncer que fue organizado por Andy Rourke y su Production Company Great Northern Productions.<br /><br />Por primera vez en 20 años Johnny Marr y Andy Rourke se reunieron en el escenario, y tocaron "How Soon Is Now?" <br /><br />Abundan rumores de futuras colaboraciones - con la excepción de Joyce, quien al parecer ha perdido el apoyo de Rourke.<br /><br />Rourke expandió su carrera como DJ con un programa de radio.<br /><br />cantantes como : Noel galagher entre otros cantaron las canciones que cantaban ellos como por ejemplo : there is a light that never...<br /><br />Discografía<br /> Álbumes de estudio [editar]<br /><br /> * The Smiths (1984: UK – 2; US – 150)<br /> * Meat Is Murder (1985: UK – 1; US – 110)<br /> * The Queen Is Dead (1986: UK – 2; US – 71)<br /> * Strangeways, Here We Come (1987: UK – 2; US – 55)<br /><br />Álbumes en directo <br /><br /> * Rank (en vivo, 1988 [1986]: UK – 2; US – 77)<br /><br />Albumes recopilatorios<br /> * Hatful of Hollow (compilado, 1984: UK – 7)<br /> * The World Won't Listen (compilado, 1987: UK – 2)<br /> * Louder Than Bombs (compilado, 1987: UK – 38; US – 62)<br /> * Best...I (compilado, 1992: UK – 1; US – 139)<br /> * ...Best II (compilado, 1992: UK – 29)<br /> * Singles (compilado, 1995: UK – 5)<br /> * The Very Best of The Smiths (compilado, 2001: UK – 31)<br /> * ``The Sound Of The Smiths´´ (compilado, 2008)<br /><br />Singles en Reino Unido <br /><br />Singles en el Reino Unido y sus posiciones en los charts:<br /><br /> * "Hand in Glove" (1983: 124)<br /> * "This Charming Man" (1983: 25)<br /> * "What Difference Does It Make?" (1984: 12)<br /> * "Heaven Knows I'm Miserable Now" (1984: 10)<br /> * "William, It Was Really Nothing" (1984: 17)<br /> * "How Soon Is Now?" (1985: 24)<br /> * "Shakespeare's Sister" (1985: 26)<br /> * "That Joke Isn't Funny Anymore" (1985: 49)<br /> * "The Boy With the Thorn in His Side" (1985: 23)<br /> * "Bigmouth Strikes Again" (1986: 26)<br /> * "Panic" (1986: 11)<br /> * "Ask" (1986: 14)<br /> * "Shoplifters of the World Unite" (1987: 12)<br /> * "Sheila Take a Bow" (1987: 10)<br /> * "Girlfriend in a Coma" (1987: 13)<br /> * "I Started Something I Couldn't Finish" (1987: 23)<br /> * "Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me" (1987: 30)<br /> * "This Charming Man" (1992 re-issue [1983]: 8)<br /> * "How Soon Is Now?" (1992 re-issue [1984]: 16)<br /> * "There Is a Light That Never Goes Out" (1992 [1986]: 25)<br /> * "Ask" (1995 re-issue [1986]: 62)<br /><br />*Steven Patrick Morrissey, nacido el 22 de mayo de 1959, es un cantante y compositor británico de Davyhulme, cerca de Mánchester, en Inglaterra.<br /><br /><br />Saltó a la fama en los ochenta como líder de la banda inglesa The Smiths. Cuando la banda se separó en 1987, Morrissey comenzó una prolífica carrera como solista. Sus principales influencias van desde Oscar Wilde a Goethe, además de ser fanático de la música pop y del cine.<br />Morrissey nació en el Park Hospital, ahora conocido como Trafford General Hospital, en Davyhulme el viernes 22 de mayo de 1959. Es hijo de Peter Morrissey, un portero del hospital, y de Elizabeth Dwyer, una bibliotecaria. Sus padres, irlandeses, habían emigrado a Inglaterra momentos antes del nacimiento de Morrissey. Ellos, junto con Jackie, su hermana mayor, educaron a Morrissey en Hulme, Mánchester. En 1965, la familia se trasladó a Queen Square en Hulme, cerca de Moss Side, en el 384 de Kings Road en los suburbios de Stretford. En 1969, muchas calles viejas del distrito fueron demolidas. Morrissey ha mantenido una relación íntima y afectiva con su madre a lo largo de su vida; sin embargo, la relación con su padre fue tensa durante años, e incluso inexistente en ocasiones.<br /><br />Cuando Morrissey era niño desarrolló intereses que lo marcaron. Entre ellos se encontraban grupos musicales femeninos de los 60s y cantantes como Sandie Shaw, Marianne Faithfull y Timi Yuro. También tenía interés por el movimiento inglés de los 50s llamado Kitchen Sink enfocado al drama, así como por las obras del dramaturgo, novelista y poeta Oscar Wilde y también John Keats. Un suceso que a Morrissey le causó un gran impacto cuando era niño fue una serie de asesinatos cometidos entre 1963 y 1965 por una pareja, un hombre y una mujer. Esta serie de crímenes, que tuvo como víctimas fatales a cinco niños, fueron llamados por la prensa The Moors Murders ("Los Asesinatos de los Páramos"). Tiempo después, Morrissey respondió a estos hechos con la controvertida canción "Suffer Little Children" en el primer álbum de The Smiths.<br /><br />En su adolescencia, la capacidad atlética de Morrissey lo salvó en gran parte del acoso escolar. Sin embargo, él ha expuesto este período como una época en la que a menudo se sentía solo y presionado. Como adolescente, Morrissey experimentó la soledad y la depresión y para combatir eso, se medicaba para tratar las depresiones que lo seguirían por el resto de su vida. Morrissey es una persona con un buen nivel académico, trabajó en un departamento de desempleo y en áreas administrativas del Gobierno Británico. En su tiempo libre, cuando vivía en casa de su madre, se concentró en la novela y en publicaciones referentes a dos de sus grandes héroes: el actor James Dean y el grupo New York Dolls.<br /><br />Morrissey se pasó al estilo Punk Rock y se unió a Nosebleeds escribiendo varias canciones. Poco después, la revista inglesa New Musical Express publicó una de sus canciones, cuando la banda ya se había separado. Un año más tarde en 1978, Morrissey sustituyó al desaparecido cantante Wayne Barrett.<br />**Para mí es el mejor de todos los cantantes, mi ídolo de toda la vida, les recomiendo de manera especial el Bona Drag y el Oye Esteban.<br />Saludos y hasta otra oportunidad.<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/9wUDhb3viCc&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/9wUDhb3viCc&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-27486355574409773592009-06-07T21:36:00.000-07:002009-06-07T21:45:18.029-07:00Radiohead<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhW5C6gBvSl-zUi1FPb__PMXmax_PbcEKVS7O4brq5AOqmAwEL6JSCpFj9EHedL_P_WpO2Enq3nCb5gV0A-AaxeOI-ABUYkrpfGIlMzSeNI-Q4IqBFJybg0xPgn33FxKnPJgR2lFllak4Ig/s1600-h/radiohead.JPG"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhW5C6gBvSl-zUi1FPb__PMXmax_PbcEKVS7O4brq5AOqmAwEL6JSCpFj9EHedL_P_WpO2Enq3nCb5gV0A-AaxeOI-ABUYkrpfGIlMzSeNI-Q4IqBFJybg0xPgn33FxKnPJgR2lFllak4Ig/s320/radiohead.JPG" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5344813046391310658" /></a><br />Radiohead (inicialmente On A Friday) es un grupo inglés de rock alternativo. El quinteto, formado por un grupo de amigos de colegio en 1985, sacó su primer sencillo, "Creep" (1992), del álbum debut de la banda Pablo Honey (1993), el cual se convirtió en un gran éxito a nivel mundial, en la época en que el grunge (con bandas como Nirvana y Pearl Jam) y el rock alternativo dominaban las radios y los principales listados de música, y posteriormente se consideró a la banda como one-hit wonders. Sin embargo, la banda logró capturar la atención de miles de fanáticos del Reino Unido con su siguiente álbum, The Bends (1995), ganando admiradores gracias a las densas atmósferas logradas con tres guitarras, y al expresivo estilo de cantar (generalmente en falsetto) de su líder, Thom Yorke. El tercer álbum de estudio de la banda, OK Computer (1997), le brindó a la banda la fama mundial y éxito crítico. El álbum, que hablaba de temas de alienación y globalización, ha sido aclamado como uno de los mejores de los 90.[1]<br /><br />Entre las primeras influencias de Radiohead se encontraban bandas de rock alternativo y post-punk como The Smiths, The Cure, Pixies, R.E.M., Joy Division y Magazine. Con los álbumes Kid A (2000) y Amnesiac (2001), la música de la banda tomó un rumbo menos convencional, con influencias de música electrónica (tales como Aphex Twin), el jazz, la música experimental, la música avant-garde y la música clásica. Hail to the Thief es editado en 2003.<br /><br />Aunque álbumes como Kid A y Amnesiac han sido materia de discusión entre los seguidores, Radiohead es considerado uno de los grupos musicales más creativos de su era,[2] y ha logrado atraer a múltiples seguidores a sus conciertos e influir en grupos y artistas de varios géneros. Radiohead ha tenido un sorprendente éxito comercial, pero la banda se ha destacado por mantener independencia política y musical,[3] pese a haber trabajado para EMI, uno de los más grandes sellos discográficos, con la cual no renovaron contrato discográfico, prefiriendo firmar con el sello discográfico independiente, XL Recordings. La banda lanzó de forma independiente y sin intermediarios su séptimo álbum de estudio, In Rainbows, mediante descarga por Internet en formato digital desde la página web de In Rainbows al precio que decidía el comprador (incluso gratuitamente). Posteriormente, se editó en formato físico (CD y vinilo).<br /><br />En el año 2004 la revista Rolling Stone los situó en el puesto 73 de su lista de The Immortals (Los inmortales)<br />El estilo musical de Radiohead, notable por su variedad y experimentación, puede ser explicado por los variados gustos musicales de sus integrantes. El guitarrista principal de la banda, Jonny Greenwood, es un músico que toca desde la guitarra hasta instrumentos como el ondas Martenot, el banjo, la viola y la armónica. El cantante y líder Thom Yorke, además de escribir la mayoría de las letras, toca diversos instrumentos y se enfoca en la manipulación digital del sonido, a través de la música electrónica. Es más, él y Greenwood aparecen en los créditos de Hail to the Thief en la ejecución de un ordenador portátil.<br /><br />A pesar de que Yorke y Greenwood son vistos en general como las principales influencias creativas en la banda, y la creación de las letras es un trabajo casi independiente de Thom Yorke (con algunas excepciones), el sonido del grupo es principalmente un trabajo en conjunto, y todos los integrantes del grupo son citados por igual en los créditos de sus discos. Por ejemplo, Ed O'Brien es usualmente el guitarrista y vocalista de apoyo de la banda, pero es también el responsable de varios de los ruidos y efectos sonoros que se escuchan en sus temas (como en el final de “Karma Police”). Desde las sesiones de grabación de Kid A y Amnesiac los integrantes de la banda se han sentido menos restringidos a tocar siempre su instrumento y a menudo cambian de roles según lo que requiera la canción, a pesar de que en los shows en vivo los puestos suelen ser más fijos.<br /><br />El espíritu creativo de la banda se ve también reflejado en la cercana relación del grupo con sus productores, en particular con Nigel Godrich, quien trabajó como ingeniero en The Bends y luego como productor junto con la banda en OK Computer y en los tres álbumes que le siguieron, además de producir el disco en solitario de Thom Yorke, The Eraser (2006). Godrich ha sido nombrado a menudo como el “sexto radiohead”, en alusión al trabajo de George Martin con los Beatles. Sin embargo, esta asociación se rompió temporalmente, debido a la decisión de la banda de trabajar con Mark "Spike" Stent en las sesiones de grabación de In Rainbows, pero finalmente volvieron a contar con Godrich para producir este disco.<br /> * Thom Yorke - voz, guitarra rítmica, piano, ordenador portátil, teclados y pandereta.<br /> * Jonny Greenwood - guitarra solista, teclados, circuito análogo, Ondas Martenot, piano, glockenspiel, laptop, theremín, toy piano, percusión y Rhodes<br /> * Ed O'Brien - guitarra, percusión, efectos de sonido, piano y voz.<br /> * Colin Greenwood - bajo, teclados, sintetizador, sampler, contrabajo y Pandero.<br /> * Phil Selway - batería y percusión.<br />Radiohead se formó a mediados de los años ochenta, en la escuela Abingdon (un colegio privado para varones) en Oxford, Inglaterra, a la cual acudían el baterista Phil Selway, el guitarrista Ed O'Brien, el cantante/guitarrista Thom Yorke, el bajista Colin Greenwood y su hermano Jonny. Todos provenían de familias de clase media y empezaron a tocar en el salón de música de la escuela, tomando el nombre del único día de la semana en que podían ensayar: On a Friday ("en el viernes"). Entre las tempranas influencias de On a Friday se encuentran The Smiths, Morrissey, Joy Division, Magazine, Queen, R.E.M., The Cure, Roxy Music y Elvis Costello. La banda tocó en su primera fiesta en septiembre de 1986, en un bar de Oxford. Jonny era el miembro más joven de la banda, y al principio sólo tocaba la armónica, hasta que pudo persuadir a sus compañeros de tocar la guitarra.<br /><br />Cuando los cinco miembros de la banda dejaron Oxford para asistir a la universidad, suspendieron casi cualquier actividad con el grupo, practicando solamente en días festivos, aunque planeando regresar a la banda. Finalmente, después de cuatro años de inactividad, en los cuales todos los miembros excepto Jonny finalizaron sus carreras, la banda regresó en 1991. On a Friday comenzó a lanzar demos, entre ellos el demo Manic Hedgehog, y volvieron a tocar conciertos. La popularidad de la banda en la región de Oxfordshire creció hasta el punto de aparecer en la portada de Curfew, una revista local de música. Aunque Oxfordshire y la región del valle del Támesis habían tenido una escena de música independiente activa a finales de los años ochenta y comienzos de los noventa, esta se centró en bandas de shoegazing como Ride y Slowdive. On a Friday no era visto como un grupo que encajara en este género, y comentaron que habían perdido rastro de éste cuando habían regresado de la universidad.<br /><br />Pablo Honey y The Bends (1992-1995) [editar]<br /><br />A medida que los conciertos de On a Friday comenzaron a aumentar, varias discográficas empezaron a mostrar interés por la banda. Finalmente, el grupo firmó un contrato por seis discos con EMI. A instancias de la empresa la banda cambió su nombre al de una canción de los Talking Heads del álbum True Stories (1987), llamada "Radio Head". El EP debut de la banda, Drill, fue producido por los managers de la banda Chris Hufford y Bryce Edge. Sin embargo, poco después de lanzar Drill en mayo de 1992, la banda contrató a Paul Kolderie y Sean Slade (conocidos por sus trabajo con Pixies y Dinosaur Jr.) para producir su primer álbum de estudio. El álbum debut de la banda, Pablo Honey, se grabó en tres semanas en un estudio de Oxford, en otoño de 1992.[5]<br /><br />Con el lanzamiento de su primer sencillo, "Creep", a finales de 1992, la banda comenzó a recibir atención de la prensa musical británica, aunque no siempre favorable. NME los llamó "una imitación cobarde de una banda de rock",[6] mientras que "Creep" fue retirada de BBC Radio 1 por considerársela "muy depresiva".[7] La banda lanzó en 1993 Pablo Honey, comenzó una gira por Norteamérica y lanzó el irreverente sencillo Pop is Dead (que no formaba parte del álbum). El grupo estuvo a punto de separarse cuando "Creep" se convirtió inesperadamente en un éxito repentino en Estados Unidos. Canciones del álbum como "Anyone Can Play Guitar", "Stop Whispering" y "Thinking About You" hicieron que a la banda se le reconociera como los "Nirvana británicos". La gira de promoción de Pablo Honey duró casi dos años, y la popularidad del álbum creció internacionalmente, gracias principalmente al éxito de "Creep," que se mantiene como la canción de mayor éxito de la banda a nivel mundial.<br /><br />Poco después la banda comenzó a trabajar en su segundo disco. El trabajo con el veterano productor John Leckie contribuyó significativamente al sonido de su segundo álbum. Jonny recuerda que lo mejor de trabajar con Leckie es que no les dictaba en absoluto que hacer, permitía que ellos lo resolvieran. Sin embargo, las presiones dentro de la banda estaban muy altas, debido a que se sentían sofocados por el éxito de "Creep" y a la necesidad de hacer otro hit igual, o mejor. John Leckie recuerda la presión de hacer canciones como "Sulk", "The Bends", "(Nice Dream)", o "Just", éxitos instantáneos en Estados Unidos. Finalmente la banda dejó el estudio en un intento por relajar la atmósfera y se fue de gira por Australasia, el Lejano Oriente y México.<br /><br />My iron lung EP (1994) contenía la canción del mismo nombre y fue lanzado mientras la banda estaba de gira, marcando una transición entre el pop-rock de Pablo Honey y los sonidos más profundos de su segundo álbum. Habiendo pulido y completado las canciones de su nuevo trabajo en el viaje, volvieron a Inglaterra, donde completaron su álbum en una quincena hacia finales de 1994, mezclándolo y lanzándolo en mayo de 1995. La banda finalmente alcanzó el éxito en Gran Bretaña (en medio del éxito de Oasis) y se ganó nuevos fans gracias a las densas atmósferas sobrecargadas de guitarras, que recuerdan curiosamente al disco The Unforgettable Fire de U2, como también el expresivo canto, a menudo en falsete, de Thom Yorke. El álbum produjo los singles "Fake Plastic Trees", "Just" y "High and Dry", pero el mayor éxito vino con el último single, "Street Spirit (Fade Out)", que alcanzó el Top 5 en Gran Bretaña.<br /><br />En el verano (boreal) de 1995 Radiohead fue de gira con R.E.M., una de sus mayores influencias y, por aquel entonces, una de las bandas de rock más importantes del mundo. Después de que R.E.M. elogiara a Radiohead los dos grupos continuaron una relación cercana y a menudo Michael Stipe actuó como mentor para su amigo Yorke. El ruido provocado por tener como fans a los R.E.M. y la rotación de vídeos como "Just", contribuyó a hacer conocido a Radiohead fuera de Gran Bretaña.<br /><br />Phil Selway comenta que cuando salió The Bends todo el mundo decía que era muy anticomercial, y doce meses después ya se le consideraba un clásico del pop. También dice que la discográfica estaba preocupada por no tener ni siquiera un hit en el álbum, y que terminaron teniendo cinco Top 30. Sin embargo, aunque aclamado por la crítica, en el resto del mundo no logró tener el mismo éxito comercial que “Creep”. Destacó igualmente la colaboración de Caroline Lavelle tocando el violonchelo.<br /><br />OK Computer (1996-1998) [editar]<br /><br />Después de The Bends, Yorke dijo que el próximo álbum querían producirlo ellos mismos.Ya tenían una canción para éste: “Lucky”, que fue grabada en septiembre de 1995 para un álbum de caridad: The Help Album, de la ONG War Child. Radiohead también compuso dos canciones para la adaptación de 1996 al cine del clásico Romeo + Julieta: "Talk Show Host" y "Exit Music (For a Film)". La primera era una remezcla de uno de los lados B de Street Spirit (Fade Out), un single de The Bends. La segunda era una canción nueva, para ser incluida eventualmente en un nuevo álbum y que también fue utilizada en la película Infidelidad.<br /><br />Con la ayuda de Nigel Godrich, Radiohead produjo su siguiente disco comprando su propio equipo de grabación y comenzando a trabajar a comienzos de 1996. Hacia julio ya habían grabado cuatro canciones con el coproductor Godrich, en su estudio de ensayo, Canned Applause, un cobertizo cerca del pueblo de Didcot, en Oxfordshire. Su plan era mantenerse alejados de los lugares convencionales de grabación. Habiendo aprendido con The Bends, la banda decidió interpretar y perfeccionar sus canciones tocando en vivo, saliendo de gira brevemente como banda de apoyo de Alanis Morissette, antes de completar el álbum. El resto de éste se grabó en la mansión del siglo XV de la actriz Jane Seymour. Las sesiones de grabación fueron relajadas, la banda se la pasó tocando todo el tiempo, grabando las canciones en los diferentes cuartos y escuchando a todo volumen a DJ Shadow, Ennio Morricone y la canción de los Beatles "I Am the Walrus" para inspirarse. Desafortunadamente, un poco de la misma tensión de las sesiones de The Bends apareció de nuevo durante la etapa de selección de las canciones que compondrían el disco. Hacia finales de año el álbum estaba listo y en febrero/marzo de 1997 se mezcló y se masterizó.<br /><br />Radiohead lanzó OK Computer en junio y julio de 1997, alcanzando un favor aún mayor de la crítica, que no tardó en considerarlo la cumbre del rock en la última década, junto a discos tan importantes de los 90 como Nevermind, de Nirvana. Un álbum de rock melódico y sonidos hipnóticos con varios toques de electrónica y experimentación, y una voz que desgarra las letras; en OK Computer Radiohead introduce elementos musicales poco comunes, experimentando con sonidos de ambiente, ruidos y electrónica. El disco incluye los singles "Paranoid Android", "Karma Police" y "No Surprises" (elegida como la mejor canción de 1997 para la revista argentina Los Inrockuptibles), además de otra canciones favoritas del público como "Let Down" (cuyo lanzamiento como single estaba planeado, aunque luego se canceló). OK Computer ganó un Grammy al mejor disco de rock alternativo y fue nominado a disco del año.<br /><br />OK Computer estuvo acompañado por un tour mundial, llamado Against Demons ('Contra Demonios'), el más grande de la banda hasta el momento. Grant Gee, el director del vídeo de No Surprises, acompañó a la banda en su gira y la filmó, para luego hacer el documental Meeting People Is Easy ('Conocer gente es fácil'), lanzado en 1999. El documental muestra la mala voluntad de la banda con la industria de la música y el agotamiento que sufrieron sus integrantes luego de casi un año de gira (desde mediados de 1997 hasta mediados de 1998). Radiohead también lanzó una compilación de sus videos musicales (7 Television Commercials, a principios de 1998- en VHS-) y dos EP's: No Surprises/Running From Demons (1997) y Airbag/How Am I Driving? (1998) durante este tiempo. El más notable es el segundo, que marcó una transición entre el rock alternativo progresivo de OK Computer y sus próximos trabajos, de un sonido más "atmosférico".<br />Agotados por la fama y la interminable gira de OK Computer de 1997 y 1998, los miembros de la banda pasaron el año siguiente en relativa calma. Thom Yorke después admitiría que durante ese período la banda estuvo cerca de separarse y que él mismo había desarrollado un tipo de depresión. La única aparición de Radiohead en los escenarios en 1998 fue a finales de ese año, para el concierto de Amnesty International el 10 de diciembre en París. En 1999 Thom y Jonny tocaron solos en el Tibetan Freedom Concert (Concierto por la Liberación del Tíbet) en Ámsterdam, interpretando además una nueva canción: "Egyptian Song" (la cual luego sería "Pyramid Song"). Posteriormente presentarían en una transmisión por Internet la también inédita "Knives Out". Ninguna de estas canciones se vería editada comercialmente hasta 2001.<br /><br />A principios de 1999 Radiohead empezó a trabajar en un sucesor para OK Computer, pero de una manera menos organizada que con los anteriores discos. A pesar de que ya no había ninguna presión o un plazo límite de la discográfica, las tensiones durante este período estuvieron altas. Los diferentes integrantes tenían distintas visiones sobre el futuro de la banda y Yorke estaba experimentando un bloqueo creativo. Finalmente todos los miembros siguieron la nueva dirección hacia la cual se encaminaba la banda, redefiniendo sus lugares en ésta. Por primera vez la banda grabó sin considerar tocar en vivo previamente, apartándose con el director Nigel Godrich en una serie de lugares que van desde estudios en París y Copenhague hasta su propio estudio recién construido en Oxford para crear aproximadamente 40 nuevas canciones, de las cuales 30 luego formarían los siguientes discos de la banda y acompañarían los lados B[8] de los singles. La banda se negó a crear una especie de secuela estilizada de OK Computer. El resultado fue un estilo más minimalista y texturado, con menos guitarras y más variedad de instrumentos musicales (como el Ondas Martenot, beats electrónicos, cuerdas y claxons de jazz), pero manteniendo algo de las letras y los ganchos musicales de sus anteriores discos. Finalmente el álbum estuvo terminado a principios de 2000, después de casi 18 meses.<br /><br />Kid A, lanzado el 2 de octubre de 2000, fue el primero de los dos discos que salieron de esas grabaciones. Kid A muestra un salto hacia una experimentación electrónica más profunda: claustrofóbico, a veces exuberante y abrasivo y con letras aún más complejas, el álbum sorprendió tanto a la industria musical como a los fans de Radiohead debido a la salida de las convenciones del pop y a la diferencia con sus anteriores trabajos. La banda se negó a lanzar algún single de Kid A, aparentemente sugiriendo que el álbum debía ser escuchado como una totalidad (sin embargo, la canción Optimistic fue pasada ocasionalmente en las radios). En vez de singles, una serie de “Video Blips” o “Antivideos” de 30 segundos fueron creados por los director de videos musicales Chris Bran y Shynola. Estos videos de animación parecen encajar con el estilo anticomercial del disco.[9]<br /><br />A pesar de ser un álbum poco común, Kid A ubicó a Radiohead en lo más alto de los charts mundiales, debutando en el número 1 en varios países, a pesar de que su antecesor había alcanzado como mucho el puesto 22. El éxito de Kid A es atribuido a lo esperado que era el álbum después de OK Computer, y a que todas las canciones estuvieran tempranamente disponibles en la red de Internet de intercambio de archivos, Napster, acostumbrando a los fans a su nuevo estilo musical.[10]<br /><br />Al igual que su predecesor, Kid A ganó el premio Grammy al mejor disco alternativo y una nominación a disco del año, apareciendo, además, en varias listas de los mejores discos del año. Pero mientras la prensa seguía marcando a Radiohead como una de las más importantes bandas de rock, Kid A no inspiró sólo elogios. Jonny Greenwood explicó que muchísima gente estaba esperando una especie de combinación entre OK Computer y The Bends, con más guitarras. Sin embargo, el disco cimentó la imagen del grupo como la de una banda misteriosa e innovadora. Mientras que muchos fans quedaron perplejos u horrorizados, otros ven en Kid A uno de los mejores trabajos de Radiohead.<br /><br />Inspirada en Naomi Klein y su manifiesto anti-globalización, la banda realizó una gira europea en una gran tienda libre de logos corporativos, realizando sólo tres fechas en pequeños teatros en Norteamérica. Las entradas para estos shows se vendieron prácticamente al instante y atrajeron a muchas celebridades. Junto con canciones de Kid A (que fueron modificadas para tocarlas en vivo luego de terminado el álbum), la banda interpretó canciones que habían sido compuestas, pero no lanzadas. También lanzaron una edición especial de Kid A, con la forma de un libro para niños e incluyendo arte adicional hecho por Stanley Donwood y Tchock (el seudónimo de Thom Yorke).<br /><br />El siguiente álbum de Radiohead, Amnesiac, fue lanzado en junio de 2001 y contiene más canciones de las mismas sesiones de grabación de Kid A. Concebidos como álbumes complementarios, los dos discos son similares en estilo e influencias. Amnesiac muestra al sonido de la banda, aún más que antes, como una especie de fusión entre música electrónica, jazz avant-garde y art-rock; aunque, a diferencia de Kid A, presenta canciones algo más accesibles, como la balada de piano Pyramid Song (el primer single de Radiohead desde 1998) y el single guitarrero Knives Out. Amnesiac es visto a veces por los críticos como el menos “consumado” de los dos discos y ha sido criticado por su falta de cohesión. Sin embargo, a pesar de no compararse en ventas con su predecesor, obtuvo cierta consideración de la crítica y tuvo un moderado éxito comercial. Después del lanzamiento de Amnesiac la banda se embarcó en una gira de varios meses, tocando principalmente en grandes lugares al aire libre, y visitando Europa, Japón y Norteamérica; sin embargo, el tour fue mucho más corto que el de OK Computer, cuatro años antes. Radiohead también participó en su propio minifestival veraniego en South Park, Oxford, junto con artistas como Beck, Sigur Rós, Supergrass y Humphrey Lyttelton (que tocó la trompeta en “Life in a Glass House”, la canción que cierra Amnesiac).<br /><br />“I Might Be Wrong”, tema planeado originalmente para ser el tercer single de Amnesiac, se convirtió finalmente en el primero y hasta ahora único, disco de la banda en vivo. Lanzado en noviembre de 2001, I Might Be Wrong: Live Recordings contiene material de Kid A y Amnesiac de recitales en Berlín, París y Londres, entre otros lugares, además de incluir una canción que no había sido incluida antes en un álbum: "True Love Waits", una de las favoritas de los fans. En este miniálbum, las interpretaciones de "The National Anthem", "I Might Be Wrong", y "Like Spinning Plates" son bastantes diferentes que en sus respectivas versiones de estudio.<br />Mientras realizaban la gira de Amnesiac la banda compuso nuevo material entre julio y agosto de 2002. Usando esa oportunidad para terminar sus canciones ante sus fans, la banda completó el álbum en tan sólo dos semanas, en un estudio de Los Ángeles con Nigel Godrich, realizando sólo unas grabaciones adicionales posteriormente en Oxford. Según algunas entrevistas, la banda estaba buscando bajar sus tendencias perfeccionistas y lograr un sonido más “en vivo”.<br /><br />La banda lanzó su sexto álbum, Hail to the Thief, en junio de 2003. El disco es considerado como un intento de destilar sus sonidos más electrónicos y experimentales y combinarlos con el rock guitarrero de sus primero álbumes. Con 14 canciones y casi una hora de duración, es el disco más largo de Radiohead. Hail to the Thief recibió, en general, buenas críticas; sin embargo se opinó que el álbum cortaba con la tendencia de redefinir géneros que había iniciado OK Computer y que Radiohead había mostrado en sus dos discos posteriores. Fue nominado al Grammy por mejor disco alternativo, la quinta nominación de la banda en ese rubro (contando el EP Airbag/How Am I Driving?)<br /><br />El título de Hail to the Thief fue considerado por la prensa un comentario acerca de las controvertidas elecciones para presidente de 2000 en EEUU, pero Thom Yorke negó esto, diciendo que el título del álbum tiene un sentido más amplio y que, si sólo se refiriera a esas elecciones, sería bastante superficial. La banda ha comentado que temían una represalia en los Estados Unidos por el título y las letras políticas del disco, y que se sintieron aliviados cuando ésta no ocurrió.<br /><br />Hail to the Thief debutó en el puesto 3 en el chart Billboard en EE. UU., siendo el cuarto álbum consecutivo de la banda en debutar en el número 1 en Gran Bretaña. El primer single, There, There, llegó hasta el puesto 4 en los charts británicos, siguiéndole Go to Sleep y 2+2=5 (que alcanzaron los puestos 12 y 15, respectivamente).<br /><br />Después del lanzamiento del disco la banda se embarcó en una gira mundial de alrededor de un año, pero estuvo marcada por largos descansos; ya para esta época la mayoría de los miembros de Radiohead tenían familias e hijos. A muchos les pareció que la banda estaba mucho más relajada que en sus anteriores giras, riendo en sus entrevistas y bailando en el escenario. Después de terminar la gira (a mediados del 2004) la banda comenzó a componer nuevo material, pero posteriormente se tomaron un descanso debido al nacimiento del hijo de Ed O'Brien. Libre de cualquier obligación por contrato, Radiohead pasó el resto del 2004 descansando y trabajando en proyectos en solitario, grabando juntos esporádicamente. También lanzaron un DVD: The Most Gigantic Lying Mouth of All Time.<br />Mientras realizaban la gira de Amnesiac la banda compuso nuevo material entre julio y agosto de 2002. Usando esa oportunidad para terminar sus canciones ante sus fans, la banda completó el álbum en tan sólo dos semanas, en un estudio de Los Ángeles con Nigel Godrich, realizando sólo unas grabaciones adicionales posteriormente en Oxford. Según algunas entrevistas, la banda estaba buscando bajar sus tendencias perfeccionistas y lograr un sonido más “en vivo”.<br /><br />La banda lanzó su sexto álbum, Hail to the Thief, en junio de 2003. El disco es considerado como un intento de destilar sus sonidos más electrónicos y experimentales y combinarlos con el rock guitarrero de sus primero álbumes. Con 14 canciones y casi una hora de duración, es el disco más largo de Radiohead. Hail to the Thief recibió, en general, buenas críticas; sin embargo se opinó que el álbum cortaba con la tendencia de redefinir géneros que había iniciado OK Computer y que Radiohead había mostrado en sus dos discos posteriores. Fue nominado al Grammy por mejor disco alternativo, la quinta nominación de la banda en ese rubro (contando el EP Airbag/How Am I Driving?)<br /><br />El título de Hail to the Thief fue considerado por la prensa un comentario acerca de las controvertidas elecciones para presidente de 2000 en EEUU, pero Thom Yorke negó esto, diciendo que el título del álbum tiene un sentido más amplio y que, si sólo se refiriera a esas elecciones, sería bastante superficial. La banda ha comentado que temían una represalia en los Estados Unidos por el título y las letras políticas del disco, y que se sintieron aliviados cuando ésta no ocurrió.<br /><br />Hail to the Thief debutó en el puesto 3 en el chart Billboard en EE. UU., siendo el cuarto álbum consecutivo de la banda en debutar en el número 1 en Gran Bretaña. El primer single, There, There, llegó hasta el puesto 4 en los charts británicos, siguiéndole Go to Sleep y 2+2=5 (que alcanzaron los puestos 12 y 15, respectivamente).<br /><br />Después del lanzamiento del disco la banda se embarcó en una gira mundial de alrededor de un año, pero estuvo marcada por largos descansos; ya para esta época la mayoría de los miembros de Radiohead tenían familias e hijos. A muchos les pareció que la banda estaba mucho más relajada que en sus anteriores giras, riendo en sus entrevistas y bailando en el escenario. Después de terminar la gira (a mediados del 2004) la banda comenzó a componer nuevo material, pero posteriormente se tomaron un descanso debido al nacimiento del hijo de Ed O'Brien. Libre de cualquier obligación por contrato, Radiohead pasó el resto del 2004 descansando y trabajando en proyectos en solitario, grabando juntos esporádicamente. También lanzaron un DVD: The Most Gigantic Lying Mouth of All Time.<br />Radiohead volvió al trabajo a principios de 2005. Como resultado del trabajo de la banda, Thom y Jonny estrenaron una nueva canción: "Arpeggi", en marzo de 2005. Poco después Thom interpretó un set acústico con "Nude" (apodada "Big Ideas"), vieja canción en la que llevaban trabajando más de 10 años y que había sido tocada antes solamente en presentaciones en vivo; “House of Cards”, una nueva canción; reviviendo “Reckoner” (que tampoco había salido en un disco) y “Last Flowers [to the Hospital]”, un tema que quedó del período de OK Computer. Radiohead no tocó en vivo en el 2005.<br /><br />En septiembre de 2005 la banda grabó una nueva canción (“I Want None of This”) para el álbum de caridad de War Child: Help: A Day in the Life, una secuela del compilado de 1995 para el cual Radiohead colaboró con “Lucky”. El álbum se vendió mucho por Internet, y la canción de Radiohead fue la más descargada del disco.<br /><br />Radiohead retornó a los estudios a finales de 2005, publicando de vez en cuando sus avances en su blog “Dead Air Space”. Las grabaciones continuaron a principios de 2006, pero esta vez la banda eligió a Mark “Spike” Tent como productor en vez de Nigel Godrich, con quien habían trabajado desde los tiempos de OK Computer. Según Ed O'Brien, el cambio se realizó en buenos términos y se debió a que se sentían muy cómodos trabajando con Godrich, y a que querían desafiarse a ellos mismos. Sin embargo, Nigel siguió de cerca sus sesiones de grabación y trabajará con la banda en el futuro.<br /><br />Se desconoce si volverán a firmar con la discográfica EMI o con alguna otra compañía o si siquiera volverán a firmar un contrato, debido a que la banda parece estar disfrutando de su actual libertad creativa. En una entrevista en abril de 2006, Thom Yorke dijo que planean firmar con una compañía eventualmente, pero bajo sus propios términos y no saben si volverá a ser con EMI.[11]<br /><br />Desde mayo a junio de 2006 la banda tocó en Inglaterra y en grandes ciudades de Europa y Norteamérica, regresando a Europa para dar más conciertos en agosto de 2006. Thom también mencionó que tienen planeado el lanzamiento de un nuevo DVD en 2007 con su actuación en el recital de Bonnaroo.<br /><br />Además de interpretar viejas canciones y nuevas versiones de “Arpeggi”, “Nude” y “House of Cards”, Radiohead presentó 10 nuevas canciones en 2006: "Bangers 'n' Mash", "Jigsaw Falling into Place" (antes "Open Pick"), "15 Step", "4 Minute Warning", "Spooks", "Bodysnatchers", "Go Slowly", "Videotape", "Down Is the New Up" y "All I Need". Según entrevistas recientes, estas canciones representan sólo una porción del nuevo material de la banda. O’Brien también dijo que planean hacer algunas sesiones de grabación con Godrich después de su actual gira, a pesar de que la banda ha mostrado su satisfacción con algunas canciones de sus anteriores sesiones. Radiohead pasó el resto del 2006 preparando su nuevo material para lanzarlo en 2007, y Yorke dijo que no pensaban volver a salir de gira hasta que el álbum estuviera completo, como así ha sido.<br />El día 1 de octubre de 2007, después de casi 4 años de espera, Radiohead anunció en su sitio web que su nuevo álbum, In Rainbows, estaba terminado y que podía efectuarse una pre-compra del mismo en formato digital para descarga o en formato físico como envío postal. Esta decisión se tomó sin haber concretado aún ninguna firma discográfica para la distribución de los discos, posible causa del particular método usado. El formato físico del álbum comprende dos CDs y dos discos de vinilo, así como extras en forma de fotografías digitales y librillo de letras. La mayor novedad del otro sistema de distribución, la descarga, ha sido que el usuario-comprador puede poner su propio precio a In Rainbows, adquiriéndolo incluso gratuitamente desde la web In Rainbows. La descarga se activó el 10 de octubre de 2007, y se cerró a finales de ese año.<br /><br />Radiohead firmó un contrato con la discográfica XL Recordings para distribuir el material de forma convencional, el cual se puso a la venta el 31 de diciembre de 2007 en todo el mundo, excepto en Estados Unidos, donde salió un día después. A pesar de la operación de lanzamiento previa vía Internet de manera prácticamente gratuita, In Rainbows debutó en el número 1 de las listas inglesas cuando a principios del 2008 lanzaron el formato CD en las tiendas de discos, y la placa estuvo considerada entre los mejores discos del 2007, y uno de los mejores de su carrera, en prácticamente todos los medios de occidente, desde Spin y Rolling Stone hasta Wired.[12]<br /><br />In Rainbows es un disco de rock básicamente. La batería de Philip James Selway toma un rol nunca antes tan importante en la música de la banda y donde las guitarras de Jonny Greenwood trabajan en torno a capas que se van adicionando una tras otra desde el uso mínimo de la guitarra hasta construcciones sónicas complejas en una misma melodía. Thom Yorke busca la mayor contundencia en una expresión clara de ánimos e imágenes en cada canción. A diferencia de su placa anterior, se apela más a lo que puedan darles las melodías combinadas de guitarra, bajo y batería, luego de un proceso de aprendizaje de una década y media por senderos variados, dejando al sampler como una capa más de agregado a la estructura general, presentando un disco de canciones en sí, aunque pueda leerse también como una obra compacta. Las guitarras recobran un fuerte protagonismo, aumentando su volumen y peso en canciones como "Bodysnatchers" o buscando punteos más deudores del jazz o el rockabilly como "Jigsaw Falling Into Place" o "15 Step" o alcanzando nuevas cotas dentro del sonido brit pop con "Weird Fishes/Arpeggi", siempre in crescendo dentro del esquema melódico. El álbum no deja de explorar nuevas posibilidades sonoras volviendo a sus instrumentos de base, consolidando un set de canciones pensadas para ser tocadas en directo (el álbum se tocó en vivo un año antes de lanzarse a modo de ensayo y revisión de las mismas), ampliando el panorama sonoro de la banda dentro del espectro musical actual (incluso tocando tangencialmente armatostes sónicos como el dub de Burial) y sin perder su identidad como banda de rock.<br /><br />El grupo anuncia a Jigsaw Falling Into Place como primer single. El video sale el 14 de enero del 2008 en Reino Unido, al mismo tiempo que la edición en CD. El segundo single, Nude, sale el 31 de marzo, a pesar de no editarse un video oficial. El tema All I Need, quinto del álbum, se usa como promo en MTV para la campaña MTV EXIT el día 1 de mayo, acompañado de un video que sería puesto a disposición de MTV para otros canales de televisión.<br /><br />Como forma de venganza (calificada por los medios de esa forma), EMI lanza el 2 de junio una serie de discos llamada Radiohead: The Best Of, que dispone los grandes éxitos del grupo entre 1992 y 2003.<br /><br />En julio del 2008 el grupo estrena su tercer sencillo, House Of Cards, cuyo video fue filmado sin cámaras, utilizando una técnica para capturar imágenes haciendo rotar un láser a 360 grados.<br /><br />Anteriormente los músicos organizaron un concurso con Aniboom donde la propuesta era realizar un video animado con algún tema de In Rainbows. Los finalistas atrajeron tanto los gustos de la banda que hubo 4 ganadores en vez de 1, el dinero de premio (10.000 dolares) de los ganadores adicionales fue suministrado por la misma banda, el video de "Reckoner" de uno de los ganadores fue declarado oficial y subido en la página oficial de la banda a mediados de octubre del 2008.<br /><br />En la 51º entrega de los premios Grammy, Radiohead ganó el premio al mejor álbum de música alternativa por su disco ‘In Rainbows’. La premiación se llevó acabo en Los Angeles, donde también Radiohead se presentó en vivo, aunque en aquella presentación, solamente estuvieron presentes Jonny Greenwood y Thom Yorke, respaldados por una Banda de Marcha americana.<br /><br />En Marzo de 2009, continunando con la gira del álbum "In Rainbows", visitaron Latinoamérica. Luego de 15 años, se presentaron en México, y, por primera vez, en Brasil, Argentina, Chile.<br />En mayo del 2009, el bajista de la banda, Colin Greenwood, se ha encargado de difundir por diferentes medios (BBC News, NME, entre otros) que el grupo ya habría comenzado a ensayar lo que sería su nuevo álbum de estudio.<br /><br />Greenwood aclara que tienen muchas ideas en lo que se refiere al disco, pero que todavía no deciden nada si no hasta que esté terminado, por ahora ha declarado que se encuentran "recortando y pegando". El encargado de producir este disco sería Nigel Godrich quien también produjo el ya conocido Ok Computer.<br /> * El primer manager del grupo, Peter Janey, nunca confió demasiado en los miembros de Radiohead y por eso acabó siendo despedido al cabo de pocas semanas. Poco después volvería para OK Computer. Colaboró especialmente en la producción del disco junto con su hermano Santi Coide Biel.<br /> * Habiendo tocado en alrededor de 800 conciertos, Radiohead muy pocas veces (casi nunca) ha repetido un “setlist” de canciones exactamente. Ed O'Brien dijo que una de las peores cosas en la música es si una banda toca el mismo grupo de canciones cada noche.[18]<br /> * Algunos de los artistas que han sido invitados por Radiohead para abrir sus espectáculos: Beck, Deerhoof, Sigur Rós, Supergrass, Kraftwerk, Spiritualized, Sparklehorse, Stephen Malkmus (de los Pavement), Kid Koala, Low, Clinic, Four Tet, Petertronios y The Beta Band.<br /> * Durante los inicios de su carrera, Radiohead abrió los espectáculos de bandas como R.E.M., The Frank And Walters, PJ Harvey y Belly.<br /> * Los miembros de Radiohead aparecieron en el capítulo de 2001 “Scott Tenorman Must Die" de la serie animada South Park.<br /> * La canción de Radiohead “Paranoid Android” aparece como final en el anime Ergo Proxy.<br /> * El pianista estadounidense Christopher O'Riley ha versionado canciones de Radiohead en sus discos True Love Waits (2003) y Hold Me To This (2005).<br /> * La banda norteamericana Anthrax hace un cover a "The Bends".<br /> * “You And Whose Army?” es sampleada por el grupo de rap The Roots en su canción “Atonement” de su álbum Game Theory.<br /> * La canción "High & Dry" ha sido versionada por Jamie Cullum, y también fue interpretada en español, y con ritmo de son cubano, primero por El Lele de Los Van Van de Cuba, en el disco Rhythms del Mundo (2006), inspirado en el trabajo de Buenavista Social Club, y más recientemente por el uruguayo Jorge Drexler.<br /> * El disco OK Computer se grabó en versión reggae y dub por Easy Star All-Stars en un disco llamado Radiodread (2006), siguiendo el estilo de otro llamado Dub Side of the Moon, con versiones en reggae del disco Dark Side of the Moon, de Pink Floyd.<br /> * Se han hecho dos tributos de cuerdas llamados "Strung Out On Kid A " y "Strung Out On OK Computer", basados en los discos Kid A y OK Computer.<br /> * La banda norteamericana Korn hizo un cover de la canción "Creep" en su álbum MTV: Unplugged.<br /> * Peter Janey, coproductor del disco OK Computer, declaró en 2006 que "jamás se podrá hacer un disco mejor que OK Computer".<br /> * La banda de alternative metal, System of a Down, tocó en algunos de sus conciertos el tema Paranoid Android.<br /> * El músico irlandés Damien Rice versiona "Creep" en algunos de sus conciertos, y en ocasiones la mezcla con su tema titulado "The Blower's Daughter".<br /> * El músico argentino Palo Pandolfo, ex integrante de "Don Cornelio y la Zona" y "Los Visitantes", versiona en su disco "Antojo" el tema Karma Police, cantándolo en castellano.<br /> * El álbum "OK Computer" fue seleccionado como el mejor disco de la historia por una encuesta realizada por el Channel 4, destinada a recopilar material para confeccionar el documental Los mejores 100 discos de la historia.<br /> * El vocalista del grupo estadounidense R.E.M., Michael Stipe, sostuvo que OK Computer es el mejor disco que ha escuchado en su vida. "Está realizado de forma impecable y es fascinante", afirmó.<br /> * En Glastonbury del 2003, Moby dice al micrófono, poco antes de interpretar su propia versión de Creep: "Ésta es una canción que en verdad quiero tocar, sobre todo cuando alguien de otra banda le pide a tu banda que la toque" (con lo que insinuó que tenía el permiso de Radiohead).<br /> * En los créditos de la película Crepúsculo suena la canción 15 Step.<br /> * En la década de los noventa, la banda fue considerada por la critica especializada como el equivalente contemporáneo de Pink Floyd.<br /> * En los créditos de la película mexicana Bajo la sal suena la canción Videotape.<br /> * Originalmente "Creep" era una canción melancólica que escribió Yorke en alusión a una mujer que conoció en la universidad, y la canción resultó para los demás integrantes un tanto melosa y molesta, por lo que incluso el guitarrista principal intentó sabotearla en el estudio de grabación, encendiendo la distorsión de su guitarra durante el coro y tocando los acordes con mayor violencia, lo cual inesperadamente le dio el toque idóneo para convertirla en el éxito mundial que es ahora.<br /> * 2+2=5 parece haber estado inspirada en el libro 1984 de George Orwell porque la letra tiene claras referencias (2+2=5, "are you such a dreamer to put the world to right?" -¿eres tan soñador como para enderezar al mundo?-,"you have not been paying attention!" -¡no has estado prestando atención!-).<br /> * El nombre del album Kid A sugirió durante su lanzamiento una especie de juego en el que posteriormente habría de lanzarse un "Kid B", donde se incluyeran las canciones que no alcanzaron a ser grabadas en la versión final del album, los lados B. La complementariedad con el album posterior, Amnesiac, apoyó la noción original sobre el juego entre un "Kid A" y un "Kid B", pero que finalmente no llegó a concretarse, quedando el nombre del segundo album como actualmente se conoce.<br /> * En la parte posterior del Ep de 1995 llamado Just aparece la imagen de Don Francisco.<br /> * En la serie The Big Bang Theory, en el episodio 18 de la 2º Temporada, Sheldon le dice a Penny que él, al ser un físico, conoce de todas las cosas del universo. Ésta, ante la respuesta, le pregunta si sabe quiénes son Radiohead. Sheldon queda perplejo, y le dice que él sabe de todas las cosas "importantes" del universo.<br /><br /> * Pablo Honey (1993)<br /> * The Bends (1995)<br /> * OK Computer (1997)<br /> * Kid A (2000)<br /> * Amnesiac (2001)<br /> * Hail to the Thief (2003)<br /> * In Rainbows (2007)<br /><br /> * Drill EP (1992, incluye demos de 1991)<br /> * Itch (1994)<br /> * My Iron Lung (1994)<br /> * No Surprises/Running From Demons (1997)<br /> * Airbag/How Am I Driving? (1998)<br /> * I Might Be Wrong: Live Recordings (grabación en vivo, 2001)<br /> * COM LAG (2plus2isfive) (2004)<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/TBRdet5Ehyo&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/TBRdet5Ehyo&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-65108882040150753532009-06-07T20:50:00.000-07:002009-06-07T20:55:09.369-07:00Mujercitas Terror<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhp0N3oaXhG9XBl1MHIWTTykpctzSgzBdwaEStx_2qldc6938fHcGB0nPIZvgVqorlVFAzPElcj54SJ4BEjlxGejFzyW-t9-cwRxf0B9HE8fbYDFb_pdmvJdK7NSxcC4b1bEO4aUYRnj7H5/s1600-h/mujercitasteeror.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 232px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhp0N3oaXhG9XBl1MHIWTTykpctzSgzBdwaEStx_2qldc6938fHcGB0nPIZvgVqorlVFAzPElcj54SJ4BEjlxGejFzyW-t9-cwRxf0B9HE8fbYDFb_pdmvJdK7NSxcC4b1bEO4aUYRnj7H5/s320/mujercitasteeror.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5344800081829454370" /></a><br />MUJERCITAS TERROR "¡La gente común no nos importa!" Después de años de batallar el under, editaron su disco debut. Y le cuentan al Si! de su particular relación y de la amistad que los une a Omar Chabán. Natalia Laube. Especial para Clarín Había una vez un joven manos de tijera que trabajaba en una oficina de correo y una chica escuálida que iba, ilusionada, a un casting. Viajaban en el mismo tren y el destino quiso que se pusieran a charlar. El, Marcelo Moreyra, y ella, Daniela Zahra, hoy cuentan su anécdota convertidos en simbióticos compañeros de banda, de casa y de vida. "Desde ese día somos inseparables", cuenta ella, seis años después. Marcelo prefiere aclarar para que no oscurezca: "Somos mejores amigos, porque el amor arruina todo. Cuando conocés mucho a alguien, llega un punto en el que tenés que hacer un proceso inverso. No es bueno saber tanto: si no hay sorpresa, no pasa nada". Después de varias idas y venidas (por la banda pasaron diez integrantes) el grupo hoy se completa con Federico Losa y Walter Bianquet. Cuando estudiaba artes plásticas, Daniela hizo un grabado que hoy ilustra la tapa de su demorado disco debut. "De ahí mismo salió el nombre de la banda, aunque Marcelo después sumó Terror', porque sentía que faltaba algo", comenta. Les gusta tanto estar juntos que no les queda tiempo para otras personas: "No tenemos bandas amigas, pero es por elección. Si le dedicáramos tiempo a eso, no habríamos podido grabar un disco. La gente te reclama mucho y la banda se come todo, así que sólo salimos para tocar y para comprar cigarrillos". La vida ermitaña dio sus frutos: sus canciones (por momentos remiten a la primera época de El Otro Yo) destilan rockabilly, punk y oscuridad. Las comparaciones con la estética marca Tim Burton pueden no ser casuales, aunque a ellos los cansa un poco: "Tenemos otras influencias, como Tiny Tim, de quien Burton tomó un montón de cosas. ¡O las Shangri-Las!". Pero el gran maestro local de Mujercitas resultó ser Omar Chabán: "La segunda vez que tocamos fue en Cemento, eran como las cuatro de la mañana y nos estaban re-boludeando con el sonido. Nos bajaban las voces o silenciaban las guitarras; era desesperante. Apareció Omar y los cagó a pedos a todos. A él le encantó enseguida la banda, pero nos quería cambiar el look: Ay, chicos, ¡no se vistan tan de negro!'", recuerda la bajista a carcajadas. Y sigue: "Cuando Omar estuvo en la isla del Tigre, íbamos a verlo casi todos los sábados y nos quedábamos a dormir. La idea era pasarla bien, a pesar del bajón que era todo". Y la sonrisa de Daniela se desdibuja: "Me parece que la gente se está dando cuenta de que Omar es un gran tipo. Al menos la gente del rock, ¿no? Porque la gente común... ¡no nos importa!".(http://www.myspace.com/mujercitasterroroficial)<br />*Diré solo de esta banda que es una de las mejores que escuché, por su parte digan uds. lo que opinan al oirla. <br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/5uyJvyadLrM&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/5uyJvyadLrM&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-19712284658141573892009-06-07T20:36:00.000-07:002009-06-12T19:53:48.577-07:00Heroes del Silencio<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8jBq-rM-sd1I8juHJUPYYg3SBmHYsaeHHBrH7LhVrN9yQLnY2zjOG4jYqvUbCa8_3cketYbPBYab_AJ7T9hAEWftmE1n0Va-3HZMsyxZwDeEhkDvD3nKlcTszlovucoGkNyLElRt7e-nU/s1600-h/heroes-del-silencio1.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 239px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8jBq-rM-sd1I8juHJUPYYg3SBmHYsaeHHBrH7LhVrN9yQLnY2zjOG4jYqvUbCa8_3cketYbPBYab_AJ7T9hAEWftmE1n0Va-3HZMsyxZwDeEhkDvD3nKlcTszlovucoGkNyLElRt7e-nU/s320/heroes-del-silencio1.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5344797122976402450" /></a><br />El grupo Héroes del silencio se formó en la ciudad de Zaragoza a mediados de la década de los ochenta, dándose a conocer de inmediato por toda la región. Fue el momento en el que Enrique Bunbury entra a formar parte del grupo de Juan Valdivia y su hermano, Zumo de Vidrio.<br /><br />Debido a su rápido éxito, pronto fichan por la discográfica EMI y, a finales de 1987, el grupo presenta su primer mini-álbum, titulado 'Héroe de leyenda'.<br /><br />Tras este mini disco, Héroes del silencio se presentan en Madrid, en el Festival de San Isidro, donde dan a conocer la fuerza de sus canciones y su calidad en directo.<br /><br />En 1988 publican su primer álbum, 'El mar no cesa', con el que alcanzan el disco de platino en muy poco tiempo.<br /><br />En 1990 los Héroes del silencio editan su segundo disco, titulado 'Senderos de traición'. Precisamente, el tema que dio título al disco fue número uno en las listas españolas. El disco vendió más de 400.000 copias solo en España.<br /><br />Al año siguiente participan en el festival de Berlín, junto a un elenco de artistas. Durante ese año y el siguiente, dan giras por toda Europa, promocionando su disco y cosechando grandes triunfos.<br /><br />En 1993 publican 'El espíritu del vino', que llegó a ser número uno en numerosas países, entre los que destacan España, México, Alemania y Suiza.<br /><br />En 1994 realizan giras por Latinoamérica y participan en vídeos promocionales de la MTV. En 1995 marchan a Inglaterra para preparar su nuevo trabajo. El resultado será 'Avalancha', un álbum grabado en Los Angeles.<br /><br />Tras la gira mundial de Avalancha, Heroes del Silencio sacan un disco titulado 'Parasiempre', que a la postre resultaría ser el último disco del grupo, ya que la formación se disolvió tras este trabajo.<br /><br />Medicina Humeda<br />Permanece atenta<br />a los rasgos de la muerte<br />por amor al transparente<br />de la cárcel de los bosques<br /><br />di algo que no es real<br />las plantas generosas quizás<br />no te dejen ir<br />donde las caras se desdoblan<br /><br />lo que el ojo no ve<br />se cubre de enfermedad<br />figurando ser un rostro<br />el águila devora a la serpiente<br />Europa se aburre<br />balbucea en vez de hablar<br />y debería parar<br />de fabricar sus tinieblas<br /><br />Santa María<br />Sabina??? dice<br />Dios es azul<br />las costelaciones dicen<br />cobayo, barache, bastón y cruz<br /><br />di algo que no es real<br />las plantas generosas quizás<br />no te dejen ir<br />donde las caras se desdoblan<br /><br />los espectros conocidos<br />con nombre de gravedad<br />entre sus pliegues de piel un derrumbe???<br />que me incitará a explorar <br /><br />Enrique Bunbury<br /><br />Enrique Ortiz de Landázuri Izarduy, conocido como Enrique Bunbury, es un músico español, nacido el 11 de agosto de 1967 en Zaragoza. Fue vocalista de la legendaria banda Héroes del Silencio y comenzó después su carrera como solista, convirtiéndose en una importante figura en el ámbito musical latinoamericano.<br /><br />El nombre artístico Bunbury está tomado de un personaje de la obra de teatro La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde.<br /><br /> Inicios <br /><br />Su andadura musical comenzó a los doce años, cuando se compró su primera guitarra eléctrica con cinco mil pesetas que había ahorrado. Empezó a tocarla en 1980 en un grupo de colegio llamado Apocalipsis. Entre 1981 y 1983 tocó la batería, fue cantante de una banda llamada Rebel Waltz, y tocó el bajo en Proceso Entrópico, nombre que se les ocurrió viendo un viernes la aparición de un fakir comiendo cristales en el programa "Un, Dos, Tres" de Chicho Ibáñez Serrador.<br /><br />Héroes del Silencio <br /><br />Tras dejar Proceso Entrópico, Bunbury pasó a ser el vocalista de un grupo llamado Zumo de Vidrio que se convirtió en la semilla de Héroes del Silencio. En esa formación estaban Enrique y Juan Valdivia (Segovia, 3 de diciembre de 1965) que junto a Pedro Andreu, crearon los primeros Héroes del Silencio (1984).<br /><br />Con el apoyo de Cachi (DJ de Radio Zaragoza), y del periodista Matías Uribe (columnista musical del Heraldo de Aragón), Héroes del Silencio comenzó a darse a conocer. En sus comienzos, consiguen el segundo puesto en el concurso de Pop Rock de Huesca, por detrás de unos más experimentados Proscritos grupo que seguía la estela de otros con más difusión como La Frontera. Un concierto ofrecido en 1987 en la sala En Bruto -en el que consiguieron agotar localidades y dejar a cientos de seguidores fuera- pone al cuarteto en el punto de mira. Gustavo Montesano -ex Olé Olé- se fijó en ellos y les allanó el camino para firmar su primer contrato con la multinacional EMI.<br /><br />Entonces se publicó "Héroe de Leyenda", en 1987, un maxisingle, fórmula muy común por aquel entonces en la industria discográfica española con los grupos noveles. De este disco se vendieron más de 30.000 copias en su momento, y posteriormente se publicaría también en CD.<br /><br />Menos de un año más tarde publicaron su primer LP, "El Mar No Cesa", también producido por Montesano y que de inmediato se convirtió en disco de platino. Mar adentro o Flor venenosa pasaron a ser canciones de referencia para jóvenes de finales de los 80 y principios de los 90. Sin embargo, el grupo quedó descontento de la producción de este primer álbum, demasiado pop para una banda que en directo era pura adrenalina, como anécdota queda la sorpresa que se llevaron cuando descubrieron que por las noches mientras el grupo estaba ausente el productor metía en el disco arreglos basados en trompetas de sintetizador tratando de darle un enfoque comercial al álbum. El empeño de Enrique, Juan, Joaquín y Pedro impidió tal decisión.<br /><br />En Calatayud (Zaragoza) les vio el ex componente de Roxy Music Phil Manzanera quien llevaba algún tiempo en España y acababa de producir discos a grupos nacionales. Phil se interesó por Héroes tras verles en directo y decidió apostar por ellos. Phil Manzanera produciría Senderos de Traición (1990). Quedan de ese disco éxitos como Entre dos tierras o Maldito duende. Pero no hay que olvidar que la compañía por aquel entonces ya apostaba fuerte por ellos. Los videoclips también ayudaron a la difusión del disco muchísimo todo hay que decirlo, pues mostraban la estética del grupo por aquel momento. Cadenas como Canal +, pondrían una y otra vez sus vídeos en espacios como el de Los 40 o El Gran Musical. Actuaron en playback en programas como "Un, Dos, Tres" con Jordi Estadella, pero se negaron a tocar en otros como Vip Noche de Telecinco presentado por Emilio Aragón. Sus primeros pasos internacionales fueron una apuesta modesta y hecha poco a poco a base de recorrerse países como Suiza y sobre todo Alemania, donde se convertirían en un grupo de culto,siendo allí tan famosos como en España.<br /><br />Un concierto contra el racismo en Alemania, donde Héroes del Silencio mostró su personalidad y carácter sobre el escenario, les hizo dar un salto enorme en su carrera. Sus componentes se dieron a conocer internacionalmente cantando sus canciones en español. En Alemania consiguieron el disco de oro, también en Italia. Giraron por Austria, Suiza, Bélgica y Escandinavia. Prueba de ello es que se les empezó a dedicar espacio en canales europeos y sudamericanos. Tras la locura de "Senderos de traición" y su larga gira por todo el mundo, Héroes se darían un respiro de más de un año en el que Bunbury viajaría a lugares como la India. ¿Paréntesis espiritual? suponemos que sí, a tenor de lo que impregna a más de un tema su siguiente disco en cuanto sonoridades y textos.<br /><br />Con el lanzamiento internacional de El Espíritu del Vino (1993), Héroes del Silencio se embarcó en una gira que les llevó por más de 20 países. El disco también producido por Phil Manzanera. La muestra de su impacto en el mercado extranjero es el libreto interior del disco, en el que los textos de las letras de las canciones venía ya en dos idiomas, castellano e inglés. Héroes quería dar a conocer sus canciones cantando en su idioma natal pero querían ser entendidos por el público de habla no hispana.<br /><br />El Príncipe Felipe recibiría a Héroes en audiencia y se declararía admirador y seguidor de su música. Según el VHS "Rarezas" (EMI), Bunbury declaró, a la salida, que era republicano. Tiempo más tarde, también diría que la foto en la que sale el grupo con el Príncipe sólo la pondría en el baño de su casa.<br /><br />Avalancha (1995) fue el último disco de estudio de Héroes del Silencio. Para esta ocasión contaron con Bob Ezrin (productor de Pink Floyd, Peter Gabriel o Alice Cooper). El grupo experimenta un cambio en su sonido, con guitarras más duras y textos más directos en algunos momentos.<br /><br />A continuación realizaron otra gira mundial que pasó por Estados Unidos, México, Argentina, Guatemala y numerosos países americanos y europeos. Tras la publicación de Parasiempre (1996), un doble CD en directo, anunciaron su separación y un descanso indefinido para iniciar proyectos en solitario.<br /><br />Durante la gira de 1996 (que incluía conciertos de marzo a septiembre) Bunbury, para quien el tour se estaba convirtiendo en un suplicio, decidió ir grabando maquetas en diferentes estudios americanos con la intención de hacer esos meses más llevaderos. En el tramo español de la gira, la banda llevó como teloneros al grupo colombiano Aterciopelados, a quienes Bunbury les grabaría posteriormente coros en el álbum La pipa de la paz (1997).<br /><br />Carrera en solitario <br /><br /> Radical Sonora <br /><br />Bunbury grabó en Los Ángeles, San Juan de Puerto Rico y en Ciudad de Guatemala. Meses después se marchó a Marruecos con ese material y allí compuso nuevos temas y dio forma a los que ya llevaba bajo el brazo. Con el apoyo de Phil Manzanera se marchó a Londres para concebir Radical Sonora (1997), su álbum debut como solista. Manzanera fue su productor. El primer disco en solitario de Enrique lo separó totalmente del sonido de Héroes. Su apuesta se acercaba a la electrónica, a la música árabe y al tecno-rock más psicodélico.<br /><br />Bunbury arriesgó, quería investigar sobre nuevas tendencias y sobre él mismo. ¿El resultado? Dispar. La crítica le aclamó con cautela y el público le dio la espalda. En la presentación del disco y de la gira en el Pabellón Príncipe Felipe de Zaragoza, Enrique fue vituperado e incluso, un grupo de militantes fanáticos de Héroes le lanzaron un trozo de adoquín, que se supone no se encontraba en ninguna parte del propio pabellón. Enrique, indignado llegó a decir que le habían aguado el concierto. En aquel concierto se escuchó a parte de la multitud vitorear «Héroes, Héroes». Dejando a un lado el tema del fundamentalismo musical, cabe pensar que parte del público de Héroes no estaba dispuesto a aceptar el cambio de sonoridad de Bunbury. Enrique pecó de autosuficiencia y no tuvo en cuenta que era un cambio muy brusco. La gira de Radical sonora se convirtió en una pesadilla para Bunbury. Cuando finalizó el tour por España sufrió una crisis muy profunda que incluso le hizo plantearse abandonar la música. Se sentía incomprendido: "Necesito un público que me haga crecer como músico, no que me haga tocar toda la vida Entre dos tierras y encima como lo hacía con Héroes".<br /><br />Decidió entonces, pasado un periodo no muy largo de tiempo, dar un salto al vacío con Pequeño (1999), un álbum con aires de cabaret y de sonidos mediterráneos, que planteó inicialmente como su último álbum: «Me propuse hacer el disco que me saliera, y me salió Pequeño. Me daba igual si la gente no lo entendía. Quería hacerlo y si me tenía que retirar, pues me retiraba. Así me lo planteé.»<br /><br />Pequeño<br /><br />La cosa empezó a cambiar. A pesar del relativo -más bien escaso- apoyo de marketing de su discográfica, Pequeño caló en el público. Canciones como "Infinito" o "El viento a favor" encumbraron nuevamente a Bunbury, que volvió al primer plano de la actualidad musical.<br /><br />Empezó a reconciliarse con el público y abrió el espectro no sólo a jóvenes, sino también a mayores. Pequeño fue disco de platino, como ya lo había sido Radical sonora, y con él consiguió éxito en México y Argentina, donde Bunbury comenzaba a consolidarse como figura de culto para algunos. Entretanto, el artista recibió una nominación a los Grammy Latinos por El extranjero en la categoría de Mejor Interpretación Pop Masculina, premio que a la postre fue a parar a manos de Fito Páez, exitoso cantante argentino.<br /><br />Terminada la etapa de Pequeño, Bunbury se fue a Tarragona a componer su tercer disco en estudio. Antes publicó, como regalo para los fans, un directo grabado en el Hard Rock Café de Ciudad de México, Pequeño cabaret ambulante (2000), con el que pretendió reflejar el espíritu de «[...]la gira que más he disfrutado en mi vida.»<br /><br /> Flamingos <br /><br />El artista se tomó casi nueve meses para realizar un disco complejo hasta que nació Flamingos (2002), en el que hay canciones con más de 150 pistas de sonido. Le acompañaban en Avinyonet de Puigventós (Gerona) su banda de nueve músicos y se acercaron a los estudios de Music Lan muchos amigos del zaragozano. Por allí pasaron Jaime Urrutia, Quimi Portet, Shuarma (Elefantes), Carlos Ann, Kepa Junkera, Adrià Puntí, etc. que fueron dejando su huella en un disco denso, marcado por la ruptura matrimonial de un Bunbury que posa vestido de boxeador para la portada del disco. El mensaje es evidente: "Me han golpeado, pero tengo ganas de levantarme y pelear", de ahí canciones como "contar contigo" o "no se fíe". Todo el disco en su conjunto es una metáfora hacia su trágica separación, con letras muy comprometidas.<br /><br />La apuesta musical de Bunbury da sus frutos. Es disco de oro de salida, el lanzamiento es todo un éxito en México y Argentina, y se cuelga el cartel de "no hay billetes" en los primeros conciertos en España. En varias capitales mexicanas se forman colas de más de 4.000 personas para que Bunbury firme un disco.<br /><br />Un año y medio de gira. Más de 150 conciertos y más de 300.000 discos vendidos entre España y América consolidan la figura de un artista que ya tiene estatura de estrella. Bunbury se paseó durante 2002 y 2003 por los principales escenarios de México (Auditorio Nacional), Argentina (Estadio Obras) o Nueva York (Central Park). El colofón al interminable tour Flamingos fue un DVD que publicó en septiembre de 2003, titulado "Una cita en Flamingos", que recoge dos conciertos y multitud de información sobre la gira más importante en su carrera.<br /><br />El Viaje A Ninguna Parte <br /><br />En 2004 saca El viaje a ninguna parte, un disco doble en el que muestra su lado mas viajero, con ritmos, música y letras muy en consonancia con su personalidad cosmopolita, destacando "Canto (el mismo dolor)". Uno de los dos CD El Viaje a Ninguna Parte versión Turismo, está inspirado en el viaje que realizo hacia Centroamérica, específicamente Nicaragua, donde permaneció durante meses. Canciones como "En la pulpería de Lucita" "Palo de Mayo" y "El aragonés errante" están repletas de simbolismos típicos del país.<br /><br />Freak Show <br /><br />En 2005 salió al mercado un CD+DVD del llamado Freak Show:La Película, un disco con un DVD con imágenes intercaladas de varios de los conciertos que realizó entre finales del 2004 y principios del 2005 en la gira "Freak Show" donde combinaba sus actuaciones con números de circo y actuaciones circenses en escenarios paralelos. Fue un montaje costoso, idea de Enrique para homenajear el mundo del circo, fundiéndolo con su música. Fue un inmenso éxito de crítica y, sobre todo, de público, que llenó la carpa en todas las ciudades que visitó, y vendió miles de ejemplares del CD+DVD publicado.<br /><br /> El 2005 por la mitad <br /><br />En 2005 y a través de su página web Enrique Bunbury anuncia la disolución de El Huracán Ambulante (la banda que le acompañó durante los últimos 8 años), la cancelación del resto de su gira por España y América y su temporal retiro (sin fecha de regreso) de los escenarios.[1] Después de esto desapareció la oficina de gestión que tramitaba los asuntos de las giras y conciertos (Solo & management). A raíz de esto se creó la nueva oficina Rock & chicken, que es gestionada por Nacho Royo principalmente, y que ha corrido con la organización de los conciertos de Héroes del silencio de 2007.<br /><br />En el primero de los dos conciertos de despedida que mantuvo de su gira (Zuera y Cambrils), se retiró en la quinta canción ('Sácame de Aquí' perteneciente a su disco Flamingos) para no volver, suspendiendo además el segundo y último concierto de esta etapa que cerraba. Esta era la tercera vez que no completaba una actuación en la provincia de Zaragoza. La primera ocasión tuvo lugar en la sala Oasis de Zaragoza. Se había suspendido el primer concierto de la gira 2003 en Villarreal y este iba a ser el primero de la comentada gira, pero en la séptima canción, "Infinito", abandonó el escenario y la actuación se canceló definitivamente. La segunda ocasión había tenido lugar en las fiestas del Pilar, el día 12 de octubre de 2004 en el Paseo de la Independencia de Zaragoza, cuando sólo actuó durante una de las dos horas que se habían estipulado, al no volver a salir después del primer descanso.<br /><br />En 2006 saca a la venta Canciones 1996-2006, un recopilatorio de temas de sus álbumes en solitario. Durante este año, realiza colaboraciones en los discos de varios grupos, como Revólver o Quique González. También ha colaborado en el último disco/recopilatorio de Pereza llamado Los Amigos de Los Animales.<br /><br />Enrique participa en el nuevo vídeo de Jaime Urrutia, Nada por aquí. Este tema pertenece a su disco El muchacho eléctrico, donde Bunbury participó también en la canción citada. El videoclip fue rodado en exteriores, principalmente en la antigua estación de tren de Entrevías, Madrid.<br /><br />El tiempo de las cerezas <br /><br />En 2006 Enrique Bunbury y Nacho Vegas se encuentran en el Puerto de Santa María los videos y fotos promocionales de su nuevo trabajo discográfico. El título inicial era Bunbury y Vegas aunque también se barajó la posibilidad de que fuese al revés, Vegas y Bunbury. Este disco se publica el 18 de septiembre de 2006 con el título final de El tiempo de las cerezas.<br /><br />Se lanza como primer videoclip "Días extraños", cantado por Nacho Vegas. El videoclip puede visualizarse de forma gratuita desde la web oficial del dúo. Posteriormente en su firma de autógrafos en Ciudad de México decide la presentación de cinco conciertos en el teatro Metropolitan de la misma ciudad y uno en el Liceu de Barcelona, además, filmaría durante su estancia el videoclip de "Puta Desagradecida", que servirá para promocionar su disco en tierra azteca.<br /><br /> El regreso de Héroes del Silencio <br />Artículo principal: Héroes del Silencio Tour 2007<br />Bunbury al frente de Héroes del Silencio en el concierto de la banda en Sevilla en octubre de 2007.<br /><br />Finalmente, el Heraldo de Aragón publicó que Héroes del Silencio regresaban para La Expo 2008. Se vieron junto a Gonzalo Valdivia ensayando en el pabellón municipal de Osera de Ebro. La reunión con Héroes del Silencio, según anuncian en un comunicado, tiene como objetivo celebrar el 20 aniversario de sus primeras grabaciones. A esto se añadió la colaboración del Real Zaragoza, que lo anuncio como parte de uno de los múltiples actos en honor de su 75 aniversario. Además de tocar en Zaragoza dos noches, ofrecieron conciertos en Sevilla, Cheste (Valencia), Buenos Aires, Guatemala, Los Ángeles, México D.F. -también dos noches- y Monterrey.<br /><br />La expectativa por la vuelta fue tal que las entradas tanto en México como en España se agotaron a los dos días de haberse puesto en venta el 1 de marzo (tardaron dos días porque la página web en la que se vendían se colapsó y tuvieron que posponer la venta). Lograron así un récord en México de venta anticipadas de entradas (alrededor de 23 horas), ventas superiores a la primera visita de los Rolling Stones a México, y a bandas de la talla de Aerosmith.<br /><br />En total, los 10 conciertos contaron con la asistencia de más de 500.000 personas. En España, el concierto de Cheste (Valencia) fue uno de los más multitudinarios de la historia del pop-rock español y, debido a la enorme afluencia de público (se estima que intentaron acceder al recinto cerca de 100.000 espectadores), se formaron colas kilométricas en la carretera que unía Valencia y alrededores con el circuito de velocidad.<br /><br />Hellville de Luxe <br /><br />Este es el título de su nuevo álbum de estudio: "Hellville de Luxe", nombre de la casa-estudio que el cantante zaragozano tiene en El Puerto de Santa María, su actual residencia; salió a la venta el día siete de octubre de 2008. La producción es de Phil Manzanera y ha sido grabado y mezclado en los estudios Music Lan, en Avinyonet de Puigventós, provincia de Gerona, y masterizado en Sterling Sound, Nueva York. El primer single que se desprende de este material es: "El hombre delgado que no flaqueará jamás". Este single fue presentado el veinte de agosto de 2008 en un programa especial de la cadena Rock & Gol, presentado por Juan Pablo Ordúñez, El Pirata. Distintos medios de comunicación acusaron a Bunbury de plagio en este tema al utilizar versos extraídos de dos poemarios de Pedro Casariego.[2] El artista reconoció la utilización de dichos versos, y se defendió del mismo argumentando que "Dos frases no hacen plagio"[3]<br /><br />También estrenó nueva banda tras la disolución de "El Huracán Ambulante", que le acompañará durante la gira de promoción de este nuevo álbum (concierto inaugural el seis de septiembre de 2008, en Zaragoza, en la Feria de Muestras; en febrero estará visitando América) y que está conformada por Álvaro Suite, Robert Castellanos, Jorge “Rebe” Rebenaque, Ramón Gacías y Jordi Mena.<br /><br />Las consecuencias <br /><br />A principios de junio de 2009, se anunció que el nuevo disco de Bunbury, su sexto trabajo en solitario, vería la luz a finales de octubre del mismo año. Por el momento sólo se sabe que llevará el título de 'Las consecuencias' y que cuenta con la colaboración de Miren Iza, cantante del grupo Tulsa, en varios temas.<br /><br />Discografía <br /><br />En solitario <br /><br />Estudio<br /><br /> * Radical Sonora (1997)<br /> * Pequeño (1999)<br /> * Flamingos (2002)<br /> * El viaje a ninguna parte (2004)<br /> * Hellville de Luxe (2008)<br /> * Las Consecuencias (anunciado para octubre de 2009)<br /><br />Directos, singles y recopilaciones<br /><br /> * Los Singles (5 Cds) (1999)<br /> * Pequeño cabaret ambulante (2000)<br /> * Una cita en Flamingos (DVD) (2003)<br /> * Freak Show: la película (DVD+CD) (2005)<br /> * Canciones 1996-2006 (2 CDs+DVD) (2006)<br /> * Bunbury & Vegas: Liceu BCN 30 de noviembre de 2006 (DVD, 2007)<br /> * Los vídeos 1996-2007 (DVD) (2007)<br /><br />Con Héroes del Silencio [editar]<br /><br />Estudio<br /><br /> * El Mar No Cesa (1988)<br /> * Senderos de traición (1990)<br /> * El Espíritu del Vino (1993)<br /> * Avalancha (1995)<br /><br />Directos, rarezas y recopilaciones<br /><br /> * La última daga (primera maqueta) (1986)<br /> * Héroe de Leyenda (1987)<br /> * En directo (1989) Ed. Limitada<br /> * Senda 91 (1991) (Directo) Ed. Limitada<br /> * Caja especial (1994) Ed. Limitada<br /> * Parasiempre (1996) (Directo) (Disco doble)<br /> * Rarezas (1998)<br /> * Edición del Milenio (2000) (Caja de 4 CD´s)<br /> * Canciones 1984-1996 (2000) (Disco doble)<br /> * Músicos, Poetas y Locos (2 CDs)<br /> * Antología Audiovisual (2004) (DVD + CD)<br /> * El Ruido y la Furia (2005) (DVD + CD)<br /> * El mar no cesa (2006) Ed. Especial 2CD<br /> * Senderos de traición (2006) Ed. Especial 2CD<br /> * El espíritu del vino (2006) Ed. Especial 2CD<br /> * Avalancha (2006) Ed. Especial 2CD<br /> * The Platinum Collection (2006) 3CD + 2DVD<br /> * Héroes del Silencio: Tour 2007 (Deluxe Boxset) (2007)<br /> * Tesoro: Diario fotográfico Tour 2007 + Concierto Cheste (Valencia)<br /><br />Otros proyectos <br /><br /> * Una cita Con Elvis (1998)<br /> * Panero (Con Carlos Ann, Bruno Galindo y José María Ponce) (2005)<br /> * Los Chulis (2004- )<br /> * Bushido (Con Carlos Ann, Shuarma de Elefantes y Morti de Skizoo) (2004)<br /> * Una noche con Panero (2006)<br /> * Bunbury & Vegas: El tiempo de las cerezas (2006)<br /><br />Los Chulis <br /><br /> * Los Chulis Ballad Of A Thin Man - Single (2004).<br /> * Los Chulis Barquito de Nuez - Single (2004) .<br /> * Los Chulis En el alambre - Single (2005).<br /> * Los Chulis La Última Curda - Single (2005) .<br /> * Los Chulis Hasta Siempre Comandante - Single (2006).<br /> * Los Chulis Principiantes - Single (2006).<br /> * Los Chulis O'Malley del arrabal - Single (2006).<br /> * Los Chulis Rezaré - Single (2006).<br /> * Los Chulis Tragedia - Single (2006).<br /> * Los Chulis Quiero ser como tú (2007)<br /> * Los Chulis Redención (2007)<br /> * Los Chulis Frío (2007)<br /><br />Producciones <br /><br /> * Los Chulis Frío - Single (2007)<br /> * Los Chulis Redención - Single (2007)<br /> * Los Chulis Quiero ser como tú - Single (2007)<br /> * Bunbury & Vegas El tiempo de las cerezas - 2 CD (2006)<br /> * Los Chulis Tragedia - Single (2006)<br /> * Los Chulis Rezaré - Single (2006)<br /> * Los Chulis O'Malley del arrabal - Single (2006)<br /> * Los Chulis Principiantes - Single (2006)<br /> * Los Chulis Hasta Siempre Comandante - Single (2006)<br /> * Los Chulis La Última Curda - Single (2005)<br /> * Los Chulis En el alambre - Single (2005)<br /> * Bunbury Freak Show - CD + DVD (2005)<br /> * Los Chulis Barquito de Nuez - Single (2004)<br /> * Los Chulis Ballad of a thin man - Single (2004)<br /> * Bunbury El Viaje A Ninguna Parte - 2 CD (2004)<br /> * Bunbury Flamingos - CD (2002)<br /> * Bunbury Pequeño Cabaret Ambulante - CD (2000)<br /> * Elefantes Azul - CD (2000)<br /> * Bunbury Los Singles - 5 CD (1999)<br /> * Bunbury Pequeño - CD (1999)<br /> * Bunbury Radical Sonora - CD (1997)<br /> * Héroes del Silencio Parasiempre - CD (1996)<br /> * Amaral Lo quiero oír de tu boca - Demo (1996)<br /> * Niños del Brasil El Imperio De Los Sentidos - CD (1996)<br /> * Varios artistas Zaragoza Vive - EP (1995)<br /> * Varios artistas Zaragoza Vive - CD (1995)<br /> * Las Novias Todo/Nada Sigue Igual - CD (1994)<br /> * Las Novias Sueños en blanco y negro - CD (1992)<br /> * Héroes del Silencio Senda ´91 - 2 EP (1991)<br /> * Héroes del Silencio En Directo - Mini LP (1989)<br /><br />Colaboraciones<br /><br /> * Raphael 50 años después - CD (2008)<br /> * Lila Downs Ojo de Culebra/Shake Away - CD (2008)<br /> * Andrés Cabas Amores Difíciles - CD (2008)<br /> * Aurora Beltrán Clases de baile - CD (2008)<br /> * Shuarma, Universo (Ed. para Latinoamérica) CD (2008)<br /> * Jaime Urrutia En Joy - (2007)<br /> * Ariel Rot Dúos, tríos y otras perversiones - CD (2007)<br /> * Raphael Cerca de ti - CD + DVD (2006)<br /> * Varios artistas Podré tornar enrere el tributo a Sopa de Cabra - CD (2006)<br /> * Varios artistas Natural de Aragón - CD (2006)<br /> * Revolver Básico 3 - CD (2006)<br /> * Quique González Ajuste de cuentas - CD (2006)<br /> * Pereza Los amigos de los animales - CD (2006)<br /> * Jaime Urrutia El muchacho eléctrico - CD (2005)<br /> * Carlos Ann Descarado - CD (2005)<br /> * Skizoo Habrá Que Olvidar - Mini LP (2005)<br /> * Los Piratas Fin de la segunda parte - CD + DVD (2004)<br /> * Varios artistas Bambino: Por ti y por nosotros - CD (2004)<br /> * Varios artistas Pana, Pijama, Lana: Tributo a El Niño Gusano - CD (2004)<br /> * Varios artistas Arde la calle: Un tributo a Radio Futura - CD (2004)<br /> * Andrés Cabas Contacto - CD (2003)<br /> * Raphael De Vuelta - CD (2003)<br /> * Jaime Urrutia, Enrique Bunbury, Andrés Calamaro y Loquillo ¿Dónde estás? 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Ahí mismo comenzaron una casual conversación, y Morrison le dio a leer a Manzarek la letra de Moonlight Drive, un poema que Jim acababa de escribir, entonces Ray le pidió a Jim que le cantara el tema, con el cual Manzarek quedó fascinado, y decidió unirse a su banda.<br /><br />Ray Manzarek ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychedelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y un bajista no identificado, grabaron el 2 de septiembre una demo de 5 temas. Esta demo fue parcialmente pirateada, y esa fue la única manera de conseguirla hasta su aparición en el Box Set de The Doors, publicado en 1997.<br /><br />Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito), que también daba título al libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception.<br /><br />The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su novedoso bajo Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del órgano con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan.<br /><br />Muchas de las canciones originales se hicieron en conjunto. Morrison aportaba las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa en California, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I Love You" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks "All Day and All of the Night" (1965), y el vocalista de este grupo, Ray Davies demandó a The Doors.<br /><br />Para 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog, y ese mismo año se cambió al prestigioso Whisky a Go Go.[1] El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vio debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. El 18 de agosto, después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra. Así empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de "The End", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción, "Father? Yes son?, I want to kill you", "Mother? I want to fuck you".<br />El LP homónimo de The Doors, lanzado en enero de 1967, causó sensación en los círculos musicales. En este disco aparecían muchas de las grandes canciones de su repertorio, incluyendo el drama musical, "The End". La banda, habiendo tocado las canciones durante los dos años anteriores y teniendo sistematizada las mismas, grabó el álbum en un par de días, a finales de agosto y principios de septiembre de 1966, casi enteramente en vivo en el estudio y muchas canciones en una sola toma. Morrison y Manzarek también dirigieron una innovadora forma de promocionar su primer single, "Break On Through", filmando un video promocional, un significativo avance en el género de los vídeos musicales.<br /><br />Su segundo single, "Light My Fire", puso al grupo junto con Jefferson Airplane y The Grateful Dead entre los mejores nuevos grupos estadounidenses de 1967. La versión sin el largo solo de teclado y guitarra se lanzó en abril, pero no alcanzó la cima sino hasta julio.<br /><br />En mayo de 1967, el grupo hizo su debut nacional grabando una brillante versión de "The End" para la CBC en los Yorkville Studios, en Toronto (Yorkville era la versión canadiense del Haight-Ashbury). Esta versión permaneció inédita hasta la salida del DVD "The Doors Soundstage Performances" a principios de los años 2000.<br /><br />Rápidamente la banda ganó reputación con un estimulante, revoltoso y entretenido acto. Con su buena pinta, presencia magnética y sus pantalones de cuero, Jim Morrison se volvió un ídolo rock y un "sex symbol", aunque se veía limitado con las restricciones morales del estrellato. Antes de su presentación en el "Show de Ed Sullivan" los censores de la CBS exigieron a Morrison que cambiara la letra de Light My Fire, en la línea "Girl, we couldn't get much higher" (Nena, no podríamos habernos elevado más), por la posible referencia a las drogas, 15 minutos antes de que la banda se presentara el 17 de septiembre de 1967. Morrison les preguntó qué es lo que debería decir en vez de "higher", y de respuesta recibió que él era el poeta y algo se le tenía que ocurrir. Robby Krieger presa del nerviosismo preguntó a Morrison de qué forma cambiaría la letra y Jim decidió no hacer cambio alguno. Morrison cantó la línea original y se presentó en la televisión en vivo, con una CBS sin capacidad de pararlo. Ed Sullivan, furioso, se negó a estrecharle las manos a los miembros de la banda, y nunca más fueron invitados. Al escuchar que no volvería, Morrison respondió, "We just did the Ed Sullivan Show"[1] (Simplemente hicimos el Show de Ed Sullivan)- para la época, una aparición de ese estilo generaba toda una gama de sucesos. Morrison insistió que el nerviosismo causó que olvidara cambiar la línea como excusa. También presentaron un nuevo single, "People Are Strange", el cual repitieron para el Show del DJ "Murray The K" el 22 de septiembre.<br /><br />Morrison fomentó su fama de rebelde cuando, el 10 de diciembre fue arrestado en New Haven, por hablar mal sobre la policía al público. Morrison dijo que un celoso oficial le había lanzado gas lacrimógeno al sorprenderlo con una chica en los bastidores. El grupo terminó un exitoso año. El 24 de diciembre la banda grabó "Light My Fire" y "Moonlight Drive" en vivo para el Show de Jonathan Winters. Del 26 al 28 de diciembre, el grupo tocó en The Winterland San Francisco. Tocaron sus dos últimas fechas del año en Denver, el 30 y 31 de diciembre, coronando un año de giras casi constantes.<br />Strange Days fue el segundo LP de The Doors, lanzado en septiembre de 1967. Recibió un disco de oro y llegó al #3 del Billboard. Sin embargo Paul Rothchild, el productor, lo consideró un fracaso comercial, por más que hubiese significado un triunfo artístico:<br />Todos pensamos que era el mejor álbum. Significativamente, también fue el que tuvo las ventas más débiles. Confiábamos en que iba a ser más grande que cualquier cosa que The Beatles habían hecho. Pero no había single. El disco se nos murió.<br />Paul A. Rothchild<br /><br />Contrariamente a este punto de vista, uno podría discutir que el álbum igualmente tuvo buenas ventas, consiguiendo dos top 30, un top 3 en los charts norteamericanos y una certificación de platino.<br /><br />"Strange Days" consiste parcialmente de canciones que no se incluyeron en el trabajo debut. Este álbum impone un sentimiento extraño y bizarro, conteniendo algunas de las canciones más psicodélicas de The Doors. Incluye canciones como "Strange Days", "People Are Strange", "Love Me Two Times" y "When the Music's Over", siendo ésta un poema épico comparable a la famosa "The End".<br /><br />El álbum también incluye "Moonlight Drive", que fue una de las primeras canciones escritas por Jim Morrison para The Doors. Había sido grabada en 1965 (demo) y en 1966 (con la intención de incluirla en el primer álbum). En 1967 la versión final fue grabada y lanzada en "Strange Days".<br /><br />El álbum fue #3 en Estados Unidos en 1967 y es el número #407 en los Mejores 500 Albums de Todos los Tiempos de la Rolling Stone. "People Are Strange" llegó al #12 en el chart de los Estados Unidos y "Love Me Two Times" la siguió, consiguiendo un respetable #25, probando la consistencia de The Doors luego del suceso de su álbum debut.<br />Las sesiones de grabación para el tercer álbum que tuvieron lugar en abril fueron muy tensas como consecuencia de la creciente dependencia del alcohol por parte de Morrison. Acercándose al clímax de su popularidad, The Doors tocó en una serie de eventos a la intemperie, lo que condujo a frenéticos enfrentamientos entre los fans y la policía, particularmente en el Chicago Coliseum el 10 de mayo.<br /><br />La banda empezó a variar su material a partir de su tercer LP, Waiting for the Sun, cansados de su repertorio original, y empezaron a escribir material nuevo. Se volvió su primer LP #1, y el single "Hello, I Love You" fue su segundo y último single #1 en los Estados Unidos.También incluye la canción "The Unknown Soldier", del cual dirigieron otro videoclip, y "Not to Touch the Earth", extraído de su legendaria pieza conceptual, Celebration of the Lizard, aunque fueron incapaces de grabar una versión satisfactoria de la pieza entera para el LP. Fue puesta a la venta años más tarde en una compilación de Grandes Éxitos, y en su disco Absolutely Live.<br /><br />Después de un mes de escandalosas actuaciones en el Singer Bowl en New York, realizaron su primera gira fuera de Estados Unidos, una minigira por Europa. La banda celebró una conferencia de prensa en el Institute of Contemporary Arts en Londres y tocó en el Teatro The Roundhouse. Los resultados del viaje fueron televisados en la cadena británica Granada Television, en un show llamado The Doors Are Open y luego sacado en video a la venta. La banda toco algunos conciertos mas en Europa, incluyendo un show en Ámsterdam sin Jim Morrison, después de que tuviera un colapso por el uso de drogas. Morrison volvió a Londres el 20 de septiembre y se quedó allí por un mes.<br /><br />El grupo tocó nueve conciertos más en Estados Unidos, y se puso a trabajar en su cuarto LP. 1969 será un año difícil para The Doors, pero empieza con un show a estadio lleno en el Madison Square Garden en Nueva York el 24 de enero y un exitoso single, "Touch Me" (lanzado en diciembre de 1968), que alcanzó el nº 3 en los Estados Unidos.<br /><br />Ese mes Morrison asistió a una producción de teatro que cambió el rumbo de su vida, y la del grupo. En el Bovard Auditorium The Living Theatre de la University of Southern California, se toma el escenario con un show que invitó a la gente a dejar a un lado sus inhibiciones y abrirse paso a al la libertad. Esto atrajo la búsqueda de libertad de Morrison, resultando en una sesión improvisada la tarde siguiente, el 25 de febrero, la legendaria sesión "Rock is Dead", a la venta en el Box set de 1997, dando paso a uno de los episodios más controvertidos de la vida de Morrison.<br /><br />El incidente ocurrió el 1 de marzo de 1969, en el Dinner Key Auditorium en Miami, Florida. El auditorio de 6.900 asientos había sido sobrevendido hasta doblar la capacidad del salón, y los fans estaban sofocados y sin aire acondicionado. Desde el momento en que la banda caminó por el escenario, Morrison empezó a gritar al micrófono:[2]<br />Ahora escuchadme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse."<br /><br />Estoy hablando de pasarlo bien, Estoy hablando de pasarlo bien este verano. Todos, venid a L.A., salid de aquí, vamos a acostarnos en la arena y a enterrar nuestros dedos en el océano, y vamos a pasarlo bien. ¿Estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos?<br />¡Ahora escuchadme! Yo solía pensar que todo esto era una gran broma. Solía pensar que era algo para reirse. Entonces estas últimas noches conocí a algunas personas que estaban haciendo algo ¡Estaban tratando de cambiar el mundo! ¡Yo quiero unirme a ese viaje! Quiero cambiar el mundo. Cambiarlo. Siiiiií... cambiarlo.<br /><br />Después de unos minutos Morrison cambió el tono:<br />Ahora escuchadme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse. ¡Estoy hablando de divertirse! ¡Estoy hablando de bailar! ¡Quiero ver a todos de pie y bailando! ¡Quiero veros bailando en la calle este verano! Quiero veros divertiendoos. Quiero veros correr por ahí. Quiero veros pintando la ciudad. Quiero veros haciendo ruido. Quiero veros gritar. Quiero ver diversión. ¡¡¡Quiero ver vuestra diversión !!!.<br /><br />La grabación se acerca su final con las siguientes palabras:<br />¡CUALQUIER COSA QUE QUERÁIS HACER! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO!<br /><br />El incidente queda inconcluso. Morrison dijo: "Gasté mucho tiempo en el juicio de Miami. Casi un año y medio. Pero supongo que fue una valiosa experiencia porque antes del juicio tenía una mirada infantil y poco realista acerca del sistema judicial Americano. Mis ojos se han abierto un poco."<br /><br />Aunque el incidente de Miami dañó la reputación de la banda, Morrison quedó algo tranquilizado con sus resultados. Luego dijo: "Pienso que fue sólo alimentar la imagen que se estaba creando alrededor mío.. y a eso le puse fin en una gloriosa tarde".<br /><br />Aunque Morrison recibía gran parte de la atención, incluyendo su imagen en las carátulas de los discos, para él era categórico que todos los miembros de la banda debían recibir igual reconocimiento. Antes de un concierto en el cual el animador anunció el grupo como "Jim Morrison y The Doors", Morrison se negó a aparecer hasta que se anunciara al grupo de nuevo como "The Doors". Mientras Morrison nunca se sintió cerca de su familia real, era extremadamente protector con los miembros de su banda. Según se dice, una vez le dijo a Ray Manzarek que nunca se sentía cómodo en una situación social a menos que éste u otro miembro de la banda estuvieran con él. De algún modo veía a The Doors como su familia de reemplazo. Sistemáticamente rechazó cada oportunidad de grabar un álbum como solista que se le ofrecía, y después de su muerte los miembros de la banda se negaron a reemplazarlo.<br /><br />En sus últimos dos años de vida, Jim Morrison redujo su uso de drogas psicodélicas y empezó a beber excesivamente, lo que afectó pronto a su rendimiento en el estudio. Aparentemente para escapar de la imagen del "Rey Lagarto", que lo había dominado, Morrison se dejó crecer una abundante barba, obligando a Elektra a usar fotos tomadas anteriormente en su carrera para la carátula de Absolutely Live, lanzado en 1970. El álbum presenta actuaciones grabadas en el tour de The Doors de 1970, el concierto de 1969 en el Aquarius Theatre e incluye una versión completa de "The Celebration of the Lizard".<br /><br />La única aparición pública de este tiempo fue en un especial televisivo de la PBS grabado en Abril, y transmitido el mes siguiente. El grupo tocó canciones del siguiente álbum, The Soft Parade, incluyendo una espléndida versión de la pista con el mismo nombre.<br /><br />El grupo continuó con su gira en el Teatro del Chicago Auditorium Theater el 14 de junio, y tocó dos fechas en el The Aquarius Theatre en Hollywood el 21 de julio y 22 de julio, ambas lanzadas más tarde en CD. Fueron un nuevo tipo de conciertos de The Doors, donde el énfasis estaba puesto en la banda y la gente pasándolo bien. El barbudo Morrison usaba ropa más holgada y guiaba la banda hacia una dirección más "Blues", con canciones como "Build Me A Woman", "I Will Never Be Untrue", y "Who Do You Love". Todavía su voz no perdía su poder, y la banda todavía podía deslumbrar con sus presentaciones de "When The Music's Over" y "Celebration of the Lizard".<br />Su cuarto álbum, The Soft Parade, estrenado en Julio, distanció aún más al grupo del "undergound", con canciones extremadamente pop, y con arreglos en el bronce muy al estilo de Las Vegas (en el single "Touch Me" participó el saxofonista Curtis Amy). Los excesos con el alcohol de Morrison lo hacían por aquel entonces una persona muy difícil y muy informal en el estudio, y las sesiones de grabación se estiraban por semanas, cuando antiguamente duraban un par de días. Los costos del estudio se empezaron a acumular, y el grupo estuvo a punto de desintegrarse.<br /><br />Los detractores de este álbum ven en él a una banda esforzándose por mantenerse en la ola y tratando de expandir su sonido con instrumentos de bronce y cuerdas, resultando en un sonido débil y sobreproducido.<br /><br />En su defensa, The Soft Parade fue un exitoso experimento en "quasi-prog-pop", a pesar del errado comportamiento de Morrison y las numerosas dificultades técnicas. Las canciones orientadas más hacia lo comercial, como "Touch Me" o "Tell All The People", resultaron todo un éxito; y pistas como "Wild Child" o "Shaman's Blues" son reveladoras e imaginativas como siempre, con excelentes guitarras y líricas.<br /><br />Durante la grabación de su siguiente álbum, en noviembre de 1969, Morrison se vio en problemas con la ley nuevamente, después de quedar ebrio y comportarse agresivamente con el personal de una aerolínea mientras viajaban a Phoenix para ver a The Rolling Stones en concierto. Fue absuelto en abril, después de que un auxiliar de vuelo identificara erróneamente a Morrison como su compañero de viaje, el actor norteamericano Tom Baker.<br />El grupo remontó fuertemente de nuevo con su LP Morrison Hotel. Este se distingue por un sonido consistente y pesado, el álbum abre con el memorable "Roadhouse Blues", caracterizando el alto espíritu de seguridad del álbum entero. También tiene temas como "Indian Summer" muy tranquilos y suaves que nos recuerda al famoso "The End" de su primer álbum y piezas tan destacadas como "Peace Frog" que The Doors nos muestran que todavía saben sonar duro en el rock clásico de los 60. Morrison Hotel tenía un optimismo que la banda nunca había visto, presentando un par de canciones de celebración y algunas baladas de amor. Alcanzó el nº 4 en los Estados Unidos.<br /><br />Aunque Morrison enfrentaba procesos en Miami en agosto, el grupo se las arregló para ir al Festival de la Isla de Wight el 29 de agosto de 1970. En el festival, la banda tocó al lado de artistas legendarios, como Jethro Tull, Jimi Hendrix, The Who, Joni Mitchell, Miles Davis y Sly & The Family Stone. Dos canciones del show fueron presentadas en el documental de 1995 Message to Love.<br /><br />El 16 de septiembre, Morrison fue a los tribunales, y el jurado lo declaró culpable por obscenidades y escándalo público el 20 de septiembre. Fue sentenciado a ocho meses de custodia, pero obtuvo la libertad mediante una apelación.<br /><br />El 8 de diciembre de 1970, en su vigésimo séptimo cumpleaños, Morrison grabó una sesión de poesía, que se editaría más tarde como el disco An American Prayer.<br /><br />Durante la última actuación pública de the Doors, en el "Warehouse" en Nueva Orleans, Louisiana, el 12 de diciembre de 1970, Jim Morrison tuvo una aparente crisis nerviosa, tirando el micrófono al piso repetidas veces. No obstante, el grupo volvió a tener un último gran éxito con el magnífico L.A. Woman en 1971. La idea de este álbum era volver a las raíces del Blues y el R&B, aunque durante los ensayos el grupo tuvo serios percances con Rothchild, que denominando al nuevo repertorio "música de cóctel" renunció a la producción del álbum y dejo el control a Bruce Botnick. El resultado fue considerado un verdadero clásico, presentando uno de los materiales más fuertes desde su debut en 1967. Otros sin embargo consideran que cerca de la mitad del álbum es un blues apagado, sin brillo, que le resta calidad al resultado final. Tal vez por esto, la canción "Changeling" es considerada la más subestimada de la banda. "Riders On The Storm", se convirtió en una pieza clave de la programación de cualquier radio de rock durante décadas.<br />En 1971, después de la grabación de L.A. Woman, Morrison decidió tomarse un tiempo libre y se mudó a París con su novia, Pamela Courson, en marzo. Lo había visitado el verano pasado y, por un tiempo, pareció contento con escribir y explorar la ciudad. Pero luego volvió al alcohol y cayó de un segundo piso en mayo. El 16 de junio grabó sus últimas grabaciones conocidas, cuando conoció a dos músicos callejeros y los invitó a un estudio. Los resultados fueron estrenados en 1994 en el LP pirata, The Lost Paris Tapes.<br />La tumba de Jim Morrison en el cementerio Père-Lachaise (París), lugar de peregrinación para fans de todo el mundo<br /><br />Morrison falleció en confusas circunstancias el 3 de julio; su cuerpo fue encontrado en la bañera. La conclusión fue que murió por un ataque al corazón, aunque se reveló que no se le había hecho la autopsia antes de ser enterrado en el Cementerio Père-Lachaise el 7 de julio. Una versión bastante difundida menciona que el deceso de Morrison se produjo por sobredosis en un bar Parisino llamado "Rock n' Roll circus", más precisamente en los baños del lugar donde el vocalista habría fallecido después de encerrarse para ingerir heroína, siendo su cuerpo trasladado por conocidos a la bañera de su casa. Supuestamente se le habría intentado reanimar allí con agua fría sin éxito. El forense, en su informe oficial, describió el cadáver del cantante como el de "alguien de más de 50 años y 1.90 m. de altura" (Jim en realidad tenía 27 años y su talla oscilaba entre 1.75 m. y 1.78 m., sin sus botas tejanas puestas), lo que nos brinda clara muestra de una negligencia médica que, probablemente, incrementó el mito que rodea la muerte de Morrison. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición.<br /><br />Durante los años siguientes a su muerte, persistían algunos rumores de que Morrison había fingido su muerte para escapar del estrellato, o que había muerto una noche en un bar, y su cuerpo fue llevado furtivamente a su apartamento. Sin embargo, el antiguo socio de Morrison, Danny Sugerman, en su libro Wonderland Avenue, asegura que en su último encuentro con Courson, que tuvo lugar poco antes que su muerte por sobredosis, ella le confesó que introdujo a Morrison la droga, porque el sufría de miedo a las agujas, y ella le habría inyectado la dosis que lo mató.<br /><br />Los miembros restantes continuaron por algún tiempo. Inicialmente se había pensado reemplazar a Morrison con un nuevo cantante, y se reportó que podría ser Iggy Pop. Al final, Krieger y Manzarek tomaron el lugar de Morrison cantando y lanzaron dos álbumes, Other Voices y Full Circle, y se fueron a gira.<br /><br />Ambos álbumes vendieron bien, pero no como en la época de Morrison, y the Doors dejó de tocar y grabar a finales de 1972. Mientras que el primer álbum es indudablemente del estilo de The Doors, el segundo se expandió al territorio del jazz. Mientras que ningún álbum fue vuelto a editar en CD en los Estados Unidos, han sido estrenados en 2-en-1 en Alemania y Rusia.<br /><br />Los Doors restantes grabaron un tercer álbum post Morrison, An American Prayer, en 1978, que proveía de música de respaldo a algunas grabaciones de Morrison recitando su poesía. El álbum fue un éxito, y se vio seguido por un mini-álbum de material en vivo no estrenado. Su perfil se mantuvo alto en los años 1980 gracias a que había una considerable cantidad de grabaciones en color de sus conciertos y actuaciones en TV, y el advenimiento de MTV y el género de los videoclips introdujo a las audiencias jóvenes a la música de The Doors, ya fuera mediante los vídeos grabados en sus conciertos, o los originales producidos por la misma banda en los 60.<br /><br />En 1979, Francis Ford Coppola estrenó Apocalypse Now con "The End" usada en la banda sonora, llevando a nuevos fans a descubrir The Doors. En 1983 se estrenó Alive, She Cried que incluía una versión cover de Gloria de la banda Them.<br />En 1991, el director Oliver Stone estrenó su película The Doors protagonizada por Val Kilmer como Jim Morrison, y algunos cameos de Krieger y Densmore. Algunos de que habían sido involucrados para interpretar a Morrison, eran:John Travolta, Jason Patric, Keanu Reeves, Michael O' Keefe, Gregory Harrison, Michael Hutchence (INXS) y Bono (U2). Aunque todo el mundo quedó impresionado por la imitación de Kilmer, el filme contenía numerosas equivocaciones. Los miembros de la banda criticaron el retrato de Stone a Morrison, que lo hacía parecer en ocasiones un psicópata fuera de control, en lugar del poeta rockero y sentimental que era.<br /><br />En 2002 Manzarek y Krieger se reunieron y crearon una nueva versión de The Doors, llamada "The Doors of the 21st Century". La nueva alineación estaba conformada por Ian Astbury como vocalista, y Angelo Barbera de la banda de Krieger en el bajo. En su primer concierto dieron a conocer que el batería John Densmore no iba a tocar. Luego se supo que no estaba capacitado para tocar porque sufría de tinnitus. Densmore fue reemplazado originalmente por Stewart Copeland, antes miembro de The Police, pero Copeland se rompió el brazo en una caída de su bicicleta. Finalmente fue reemplazado por Ty Dennis, el baterista de la banda de Krieger.<br /><br />Luego Densmore reclamó que él nunca fue invitado a tomar parte de la nueva reunión del grupo. En febrero de 2003, emitió una orden legal para evitar que sus ex compañeros usaran el nombre de "The Doors of the 21st Century". Su moción fue denegada en mayo de ese año, aunque Manzarek publicamente declaró que Densmore seguía invitado a formar parte del grupo. Más tarde se supo que la familia de Morrison, junto con Densmore, continuaron buscando la manera de evitar que usaran el nombre The Doors. En julio de 2005, la banda se cambió el nombre a "D21C". Ahora tocan bajo el nombre de Riders on the Storm, el cual también es el nombre de una banda tributo del noreste de Estados Unidos. Están autorizados a tocar bajo nombres como "antiguos Doors", y "miembros de The Doors". Densmore ha estado firme en impedir la licencia de canciones de The Doors para su uso en comerciales de TV, incluyendo una oferta de 15 millones de dólares por parte de Cadillac para usar "Break on Through (to the Other Side)", diciendo que esta sería una violación al espíritu en cual la música fue creada. Densmore escribió acerca de esto para el diario The Nation:<br />La gente perdía la virginidad con esta música, se colocaban por primera vez con esta música. Tengo gente que dice que hubo jóvenes que murieron en Vietnam escuchando esta música, otra gente dice que conocen a alguien que no cometió suicidio por esta música. En el escenario, cuando tocábamos estas canciones, se sentían misteriosas y mágicas. Eso no está a la venta.[3]<br /><br />Manzarek y Krieger mantienen que seguir en giras es una resurrección de the Doors, y que otorgar licencias para hacer publicidad con la música es salvar a The Doors de caer en la historia. Manzarek fue citado diciendo:<br />Estamos quedándonos viejos. Deberíamos, los tres, estar tocando estas canciones porque, hey, el final está siempre cerca. Morrison era un poeta, y después de todo, un poeta quiere que sus palabras sean escuchadas.[4]<br /><br />The Doors son recordados por sus chamanísticas interpretaciones. Sim embargo, algunos miembros de "la clase dirigente" sentían que la música de la banda no era más que música de rebeldes norteamericanos. Jim Morrison dijo:<br />Me gusta cualquier reacción que pueda causar con mi música. Simplemente cualquier cosa que deje a la gente pensando. Creo que si puedes lograr que una habitación entera llena de borrachos realmente se despierte y piense, estás haciendo algo.[5]<br /><br />Su popularidad sigue viéndose reflejada en las continuas ventas de su trabajo.<br /><br />Una ola de actividades se anunciarón para 2006 con motivo del 40 aniversario del primer álbum de la banda. Vio la luz otro box-set de las grabaciones de estudio, un libro: The Doors by The Doors y el inicio de la producción de un documental autorizado acerca del grupo. The Doors junto con Grateful Dead y Joan Báez recibieron un premio por su éxito en la edición 2007 de los Grammy Awards.<br />El estilo musical de la banda se basa en una mezcla de blues y psicodelia. Manzarek aporta elementos de música clásica y del blues (por la influencia de sus padres); Krieger, del flamenco y el baterista, del jazz. Las letras del grupo, compuestas principalmente por Jim Morrison, se apartan en buena medida de las convenciones del pop de su época. En los textos de los primeros discos (The Doors, Strange Days), el elemento visionario propio de la psicodelia aparece expresado en imágenes que beben de la tradición romántica y simbolista, actualizándola con guiños al existencialismo y el psicoanálisis. Es destacable en referencia a lo anterior el gusto de Jim Morrison por la poesía de los simbolistas franceses, como Rimbaud o Verlaine. En los últimos discos, como L.A. Woman, la lírica de Morrison evoluciona hacia letras más sencillas e inmediatas, al estilo del blues.<br />La ambición original de The Doors es integrar satisfactoriamente elementos de diversas artes, entre ellas la poesía, el teatro y, desde luego la música tratando de representar la vida común y siempre tratar de aprovecharla. Morrison y Manzarek consideraban que el rock podía convertirse en una nueva religión dionisíaca, que ofreciera al público una experiencia comparable a la tragedia griega o el éxtasis chamánico. Aquí se percibe la influencia que tuvo para la banda y, en concreto para Morrison, la lectura de la obra de Friedrich Nietzsche. el nombre forma parte de la cita de Huxley " cuando las puertas de la percepción sean depuradas todo se reflejara ante el hombre tal cual es- infinito"<br /><br />Álbumes de estudio<br /><br />Álbum Año<br />The Doors 1967<br />Strange Days 1967<br />Waiting for the Sun 1968<br />The Soft Parade 1969<br />Morrison Hotel 1970<br />L.A. Woman 1971<br />Other Voices 1971<br />Full Circle 1972<br />An American Prayer 1978<br /><br />Álbumes en vivo y compilaciones<br />Álbum Año<br />Absolutely Live 1970<br />13 1970<br />Live In Boston 1970<br />Weird Scenes Inside The Gold Mine 1972<br />An American Prayer 1978<br />Alive, She Cried 1983<br />The Best of the Doors 1985<br />Live At The Hollywood Bowl 1987<br />The Doors (soundtrack) 1991<br />In Concert 1991<br />Box Set 1997<br />Bright Midnight: Live in America 2002<br />Live in Hollywood 2002<br />Legacy: the Absolute Best 2003<br />The Very Best of The Doors 2003<br /> <br />Jim Morrison<br />De Wikipedia, la enciclopedia libre<br />Saltar a navegación, búsqueda<br />Jim Morrison<br />Retrato realista a lápiz de Jim Morrison.<br />Retrato realista a lápiz de Jim Morrison.<br />Información personal<br />Nombre James Douglas Morrison<br />Nacimiento 8 de diciembre de 1943<br />Origen Bandera de los Estados Unidos Estados Unidos, Melbourne, Florida<br />Muerte 3 de julio de 1971<br />27 años<br />Bandera de Francia Francia, París<br />Ocupación(es) poeta, cantante<br />Información artística<br />Alias The Lizard King<br />Mr. Mojo Risin<br />Género rock, rock psicodélico, blues<br />Período de actividad 1965 - 1971<br />Discográfica(s) Elektra Records<br />Artistas relacionados The Doors<br />Miembros<br />Ray Manzarek<br />Robby Krieger<br />John Densmore<br /><br />James Douglas Morrison <br />n. 8 de diciembre de 1943, Melbourne, Florida, m. 3 de julio de 1971, París, Francia), mejor conocido como Jim Morrison, fue un poeta, cantante y actor estadounidense, célebre por ser el vocalista del grupo de rock The Doors.<br /><br />James Douglas Morrison nació en Melbourne (Florida) el 8 de diciembre de 1943. Sus padres eran Clara Clarke y Steve Morrison. Tuvo 2 hermanos: Anne y Andy Morrison. Su padre era un militar estadounidense (almirante del primer navío nuclear). Desde niño, su familia debió trasladarse por varias ciudades de Estados Unidos debido a la carrera militar de su padre y vivir en diversas bases militares (a los 14 años de edad ya había tenido 7 hogares). Según se cree, este tipo de vida sin apego a lugares o personas, caló profundamente en la forma de ser de Jim, tenía un negro sentido del humor, escribía poesía, pintaba un poco y leía vorazmente. Desde muy joven estuvo fascinado por la literatura y la poesía.<br /><br />La relación que llevó con su padres (en especial con su madre) y hermanos siempre fue la de quien no quiere ser parte ni comprometerse. A Jim lo confundía enormemente la autoridad que sobre él se ejercía ya que, en las largas ausencias de su padre era su madre quien llevaba la batuta, pero al volver Steve era entonces él quien mandaba a todos, excepto a Clara, la cual solía humillarlo delante de sus hijos ordenándole sacar la basura o lavar el refrigerador. Así lo recordaba Jim amargamente: "Le ordenaba sacar la basura y él sin chistar lo hacía". Esta actitud forjó en Jim un pésimo concepto hacía la autoridad y hacia quien la ejercía, concepto que habría de cargar consigo el resto de su vida (sus arrestos y encuentros con la policía habrían de confirmarlo).<br /><br />El joven James se marchó de su hogar a los 19 años. Era un muchacho alto y fornido, siempre desarrapado que podía utilizar la misma camisa día tras día hasta que se le caía a jirones, porque prefería comprarse libros a comprar ropa. Estudiaba en la Universidad Estatal de Florida y después cine en la UCLA, en Los Ángeles, estudiando en la misma generación que el famoso cineasta Francis Ford Coppola, años después el cineasta utilizaría el tema The End, como soundtrack de introducción para su película ambientada en la guerra de Vietnam, titulada: "Apocalypse Now". Jim logró graduarse pero nunca fue a recoger sus papeles, pues estaba desilusionado de la carrera y de la comercialización en la industria cinematográfica.<br /><br />Decidió enfocarse de lleno a lo que él considero siempre su verdadera vocación: la poesía. Para tal efecto se trasladó a Venice Beach en Los Ángeles, California, viviendo en la azotea de un edificio o en las casas de las chicas que conseguía conquistar con su estrafalario aspecto y recitándoles largos y complejos sonetos del siglo XVIII. Esta fue una época de descubrimiento para Jim, por un lado el acercamiento a las drogas psicodélicas que tanto le fascinaban, cortesía de autores como Baudelaire y Aldous Huxley, y por otro lado el nacimiento de la cultura hippie que florecía por doquier, cosa que rodeaba a Jim pero que jamás adoptaría e incluso desdeñaría debido a su habitual nihilismo y conocimiento avanzado. Por ejemplo, Jim no podía conciliar en su mente temas hippies fundamentales, como el acercamiento al espíritu a través de la meditación, el vegetarianismo o la astrología.<br /><br />Se dice que Jim Morrison tenía un alto coeficiente intelectual:149.[1] Aunque este no esta comprobado en las pruebas de IQ de aquellos días es cierto que Jim leía textos complejos para la mayoría, que tocaban las obras de autores como Friedrich Nietzsche, Aldous Huxley, Jack Kerouac, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, el conde de Lautréamont, Emanuel Swedenborg, Gérard de Nerval y William Blake, entre muchos otros. Un profesor de Jim incluso relató después a sus biógrafos que iba a la bliblioteca del congreso para ver si existían algunos de los libros que Jim decía leer. Los profesores de la universidad charlaban tendidamente con Jim sobre libros de este tipo, y algunos, también en declaraciones a los autores de la biografía de Jim,[2] definieron esas charlas así: "Parecía como si él mismo hubiera escrito esos libros; la mayoría de los otros alumnos no llegaban a comprenderlos como él".<br /><br />En 1965, tras graduarse en la Universidad de California, tuvo un encuentro casual con Ray Manzarek, ex compañero de clases en la universidad y también músico (que estaba frente de la banda Rick and the Ravens). Como un medio de difusión para su poesía, Jim le mostró un par de trabajos a los cuales él creía se le podía musicalizar. Manzarek le pidió que le cantará alguno y Jim sentado en la suave arena de Venice entonó los primeros versos del poema denominado Moonlight Drive. Al escucharlo, Manzarek aceptó formar junto con él una banda de rock "para ganar un millón de dólares", como ya siendo famosos comentaran. Después de varios cambios en la alineación de la banda, terminaron conformando a The Doors con Manzarek en los teclados, Robby Krieger en la guitarra y John Densmore en la batería (estos dos últimos procedenes del grupo The Psychedelic Rangers).<br /><br />El nombre The Doors, está inspirado en una cita de William Blake: «Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito», y en el título de un ensayo de Aldous Huxley, inspirado también en la cita anterior, Las Puertas de la Percepción que sirven para pasar al otro lado.<br /><br />Después de dar muchos conciertos por locales de Los Ángeles, consiguieron un contrato para tocar en un bar conocido como "Whisky a Go Go". Noche tras noche tocaban sus temas más populares, entre los que se encontraba una larga canción compuesta a base de improvisaciones denominada "The End", Morrison añadía o quitaba en ella versos a placer, dependiendo de su estado de humor. Una noche, después de haber consumido grandes cantidades de alcohol, marihuana y LSD, tuvo que ser llevado por sus compañeros de banda casi a rastras hacia el bar, de alguna forma lograron hacerlo cantar. Al llegar a la interpretación de The End y, tal como lo hacía todas las noches, improvisaba sobre la música de esa canción, mas aquella noche habría de terminar formando parte no sólo en la leyenda de The Doors sino en la del la cultura rockera en general cuando Morrison diera su, muy original versión acerca de la tragedia del personaje griego Edipo quien, por azar cruel del destino, terminara matando a su padre y desposando a su madre. Morrison lo dijo así:<br /><br /> -Father? (¿Padre?)<br /> -Yes, son? (Sí, hijo.)<br /> -I want to kill you... (Quiero matarte.)<br /> -Mother? (¿Madre?)<br /> -I want to... fuck you!!!. (Quiero... ¡follarte!)<br /><br />Para el dueño del local aquello fue demasiado y terminando la función les echó del local, mientras, según se cuenta, todo el público gritaba de emoción. Paul Rothchild, productor y por aquel entonces dueño de la empresa discográfica Elektra Records, se encontraba allí aquella noche y siguió al grupo hasta la puerta trasera, donde les mostró su admiración y les propuso grabar un disco cuanto antes.<br />Retrato de Jim Morrison.<br /><br />En 1967 el grupo publicó su primer álbum llamado simplemente The Doors. Fue con el sencillo Light My Fire (escrito íntegramente por Robbie Krieger) que la banda tocó la estratósfera y se mantuvo varias semanas a la cabeza de popularidad en la revista Billboard, en el famoso verano del amor de 1967.<br /><br />Cabe resaltar el dramático cambio que experimentó Morrison hasta convertirse en la estrella del grupo The Doors. Durante su infancia y adolescencia Morrison tuvo muchos problemas de personalidad, que hicieron que fuera una persona muy insegura. Su mayor influencia, de adolescente y como cantante y en cuanto al medio escénico, fue Elvis Presley, a quien no conoció, ni vio en concierto, pero de quien conocía prácticamente todo su repertorio, especialmente lo producido por Presley en la disquera SUN, como fue "Mystery Train", la cual interpretó muchas veces en sus conciertos en vivo. Su mayor obstáculo para unirse al grupo fue que sufría miedo escénico. Sus primeros conciertos los hizo dando la espalda al público. De hecho, se ha asegurado que Jim Morrison sufría un problema de TLP (Trastorno límite de personalidad, o BDP, Borderline disorder of personality). Esto le llevó a tomar drogas antes de cada concierto. Fue tanto el impacto que tuvieron en él las drogas, que hicieron que se volviera un experto en el tema, en especial con el peyote, interesándose en el chamanismo. Incluso escribió un tratado sobre las drogas. También se dice que se caracterizaba por sus pequeños bailes al estilo indio-chamanista, y que al llegar a la ciudad de Los Ángeles, vio la muerte de un indio en un accidente. La leyenda dice que si ves a un indio morir, su espíritu se entorna hacia a ti, que fue lo que le habría pasado a él.<br /><br />Su actitud provocadora en escena, perturbando el orden público, hizo que sus conciertos fueran prohibidos en varias ciudades de los Estados Unidos. El 1 de marzo de 1969, a raíz de una actuación en la que algunos asistentes, aunque no hubo pruebas gráficas fehacientes, afirmaron que enseñó su pene y simuló una masturbación (entre otras cosas), fue llevado a juicio; en 1971, ante el riesgo de ser condenado a prisión, decidió abandonar la música y radicarse en París, donde se dedicaría por completo a su mayor inclinación: la poesía.<br />La tumba de Jim Morrison en el Cementerio Père-Lachaise, París.<br /><br />Es importante hacer notar que Morrison abandonó la carrera musical en su momento de mayor popularidad, y cuando The Doors estaba convirtiéndose en el único grupo norteamericano que competía con éxito con las grandes bandas británicas como The Beatles o The Rolling Stones.<br /><br />Con su nombre completo, James Douglas Morrison, ya había publicado tres libros de poemas de elevado lirismo y singularidad: The Lords (Los Señores), The New Creatures (Las Nuevas Criaturas), An American Prayer (Una oración americana).<br /><br />Estos libros tienen la complejidad de poder leerse como filosofía y, por momentos, como ensayos sociológicos o manifiestos conceptuales.<br /><br />El 3 de Julio de 1971 Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su piso del Barrio del Marais en París, Francia, donde vivía junto a su pareja y amante, Pamela Courson (aunque existen muchas otras versiones sobre su muerte, pero también se ha especulado en los últimos años que murió de SIDA por el estilo de vida que llevaba, sin embargo, la enfermedad no era conocida por aquellos años). No hubo autopsia, pero se declaró que murió por un paro cardíaco, según su acta de defunción. Existen personas que ponen en duda la versión oficial de la muerte del músico, ya que las circunstancias fueron algo extrañas. Se dijo que el padre de Jim sacó el cuerpo de su hijo del cementerio para llevarlo a Estados Unidos, pero fuentes del Père Lachaise aseguran que nadie se puede llevar un cuerpo del cementerio sin que la administración del cementerio lo sepa. También se pone en duda su muerte, ya que sus tarjetas de crédito y pasaportes aún siguen vigentes, ya que poco tiempo antes de morir él así lo especificó en un testamento. Los únicos que vieron su cuerpo fueron su novia y un médico que ya no ejercía (lo que hace pensar en un soborno). Otras versiones dicen que murió de una sobredosis de cocaína (droga a la que era muy aficionado) en los lavabos del parisino Rock´n´Roll Circus y posteriormente trasladado a su casa.<br /><br />El epitafio de Jim Morrison está escrito en griego antiguo (Kata ton daimona eautou) y se puede traducir como "Fiel a sí mismo".<br /><br />Su relación con las drogas y después de su muerte <br /><br />Jim Morrison consumía varios tipos de drogas: (LSD, cocaína, cannabis y peyote) y, según se dice, siempre defendió el uso de estas drogas psicoactivas. Sin embargo, jamás se inyectó heroína, principalmente porque tenía diagnosticada una fobia a las agujas, por la cual era imposible que se inyectara esta sustancia. Otro ejemplo claro de lo en contra que estaba Jim de la heroína, es que cierto día encontró a Pamela fuertemente drogada con heroína y fue en busca del proveedor de esta sustancia, que era un conocido de ambos, para darle una paliza. Se dice que la cocaína era la droga de su predilección por el efecto "acelerador".<br /><br />Varios años después de la muerte de Jim Morrison se realizaron muchas especulaciones: varias personas afirmaban haber visto al conocido "rey lagarto" en un café de París y también fue presuntamente visto en sitios de mala reputación de la ciudad de Los Ángeles vistiendo un atuendo de cuero completamente negro, aunque estos rumores nunca fueron comprobados. Las zonas en que se describe haber visto a Jim Morrison son frecuentadas por el underground y la comunidad gay de Los Ángeles. También se ha dicho que, después de su muerte, una persona que vestía como el cantante y alegaba ser él mismo, sacaba dinero con cheques a su nombre.<br /><br />Jim Morrison murio a los 27 años al igual que otros famosos artistas rockeros como Brian Jones, Kurt Cobain, Jimi Hendrix y Janis Joplin.<br /><br />Ray Manzarek (el teclista de The Doors) declaró:<br />“Si existe un tipo capaz de escenificar su propia muerte – creando un certificado de muerte ridículo y pagando a un doctor francés – y poniendo un saco de ciento cincuenta libras dentro del ataúd y desaparecer a alguna parte de este planeta – África, quien sabe – ese tipo es Jim Morrison. Él sí sería capaz de llevar todo esto a buen puerto”.<br /><br />Filmografía<br /><br />Jim en vida actuo en la película HWY.<br /><br /> * Val Kilmer da vida al cantante en la película The Doors, dirigida por Oliver Stone. Ray Manzarek ha expresado su descontento con esta película, alegando que Morrison era muy diferente al personaje que se observa en la película de Oliver Stone [1].<br /> * Ashton kutcher también interpretó a Jim Morrison en la película "esa chica me pone" , en el año 2000.<br /> * En la película "El Mundo Según Wayne II" Wayne sueña con el espíritu de Jim Morrison.<br /><br />Obra Poetica <br /><br />Su poesía siempre estubo vinculada a su música, la gente nunca llego a valorarle como un poeta, sino que lo catapulto al estrellato del rock, echo que provocó en él una actitud de agresiva decepción hacia la industria de la música y lo que la rodeaba, sus improvisaciones en directo fueron quizá la mejor muestra de su capacidad como poeta, el sentía la música como poesía, sentía que la música era el mejor medio para hacer partícipe al público como en los coros trágicos de la era griega, era capaz de improvisar y dar fuerza a cada palabra como ningún otro literato. En sus libros decubrimos a un ser extremádamente sensible y culto, unos versos llenos de inquietud e imaginación. Su aspecto los últimos años era mas el de un hombre sencillo muy alejado de la imagen provocadora que mostraba en sus primeros años de éxito con The Doors. Quizá su etapa en Paris es la mas interesante, en ese periodo sufre una gran transformación personal, queriendo consagrarse a la poesía en el lugar mas idóneo.<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/eNt3RpHu7sI&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/eNt3RpHu7sI&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-12224551477121459552009-06-07T18:49:00.000-07:002009-06-07T19:39:11.808-07:00Echo & the Bunnymen<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzmnbEldpoeSUBpU08CDOpUt67_kI3XGJHn2vDGDEhYNifGex2zYL1xVksIlInHx4ookhviQrgdmIZmgDqxl-XMjqukqJew4uqXW0cVIYYEdqrWEBRxtBn-slyXieIl14rtJitBn5NfhFb/s1600-h/Echo_and_the_bunnymen.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 274px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzmnbEldpoeSUBpU08CDOpUt67_kI3XGJHn2vDGDEhYNifGex2zYL1xVksIlInHx4ookhviQrgdmIZmgDqxl-XMjqukqJew4uqXW0cVIYYEdqrWEBRxtBn-slyXieIl14rtJitBn5NfhFb/s320/Echo_and_the_bunnymen.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5344768757282030034" /></a><br />Echo & the Bunnymen es una Inglés post-punk del grupo, formado en Liverpool en 1978. Su alineación inicial consistía en el vocalista Ian McCulloch, guitarrista El Sargento y el bajista Les Pattinson, complementados por una caja de ritmos. En 1980, Pete de Freitas se han sumado a la banda del baterista, y su álbum debut, los cocodrilos, se reunió con los elogios de la crítica y el UK Top 20. Su segundo álbum, el cielo hasta aquí (1981), encontró de nuevo con el favor de la crítica y alcanzó el número 10 en el Reino Unido el álbum gráfico.La banda de culto principal fue seguido por el éxito en la mitad del decenio de 1980, ya que anotó un Top 10 del Reino Unido con el éxito "La Cortadora", y la consiguiente álbum, Porcupine (1983), alcanzó el número 2 en el Reino Unido. Su próximo lanzamiento, Océano Lluvia (1984), seguido de la banda en el Reino Unido gráfico éxito, y desde entonces ha sido considerada como un hito de su liberación, el éxito de desove individuales "El Killing Moon", "plata" y "Siete Mares".Un álbum de estudio más, Echo & the Bunnymen (1987), fue puesto en libertad antes de McCulloch abandonó la banda para seguir una carrera en solitario en 1988. Al año siguiente, de Freitas, fue muerto en un accidente de moto, y la banda reapareció con un nuevo line-up.Los miembros originales Sargento y Les Pattinson se unieron Noel Burke como cantante, Damon Reece a la batería y Jake Brockman en teclados. Esta nueva encarnación de la banda en libertad de reverberación en 1990, pero la decepcionante reacción crítica y comercial que recibió culminó con una división en 1992.<br /><br />Después de trabajar juntos como Electrafixion, McCulloch y el sargento reagrupado con Pattinson en 1997 y regresó como Echo & the Bunnymen, con el Reino Unido Top 10 hit "Nada dura para siempre".Un álbum de material nuevo, Evergreen, fue recibida con entusiasmo por la crítica y la banda realizó una exitosa volver a vivir la escena. Aunque Pattinson izquierda el grupo por segunda vez, McCulloch y el sargento han seguido publicando nuevo material como Echo & the Bunnymen, incluyendo los álbumes ¿Qué vas a hacer con tu vida? (1999), Flores (2001) y Siberia (2005 ). The band are scheduled to release a new album, The Fountain , in 2009. La banda está prevista para la liberación de un nuevo álbum, La fuente, en 2009. <br />Los primeros años Ian McCulloch comenzó su carrera en 1977, como una tercera parte de los tres cruciales, un dormitorio de banda que también figuran Julian Cope y Pete Wylie. Cuando Wylie izquierda, McCulloch y hacer frente formado la efímera Someras Una locura con el batería Dave Pickett y organista Paul Simpson, tiempo durante el cual las canciones tales como "Lean ¡En Libros", "Robert Mitchum", "Usted piensa que es Amor" y " Spacehopper "fueron escritos por la pareja. Al afrontar McCulloch despedidos de la banda, [1] Una Locura Someras cambiado su nombre por el de Teardrop Explodes, McCulloch y unió fuerzas con El sargento guitarrista y bajista Les Pattinson para formar Echo & the Bunnymen. Esta primera encarnación de la banda incluyó una caja de ritmos, asumido por muchos como "Echo", aunque esto ha sido refutada por la banda. En el libro de 1982 Liverpool explota!, Will sargento explicó el origen de la banda el nombre de:<br />Hemos tenido este mate sugiriendo que mantiene todos estos nombres como El Hombre o Daz Glisserol y Extractores de fans. Echo and the Bunnymen es una de ellas. Pensé que era tan estúpido como el resto. <br /><br />En noviembre de 1978, Echo & the Bunnymen hicieron su debut en el Liverpool de Eric's Club, aparece como el acto de apertura para The Teardrop Explodes.<br /><br />Echo & the Bunnymen del primer single "El muro de Fotos en Mi" fue puesto en libertad el proyecto de ley Drummond 's Zoo registros en mayo de 1979, el B-side es la McCulloch / COPE colaboración "Leer en Libros" (también grabado por The Teardrop Explodes aproximadamente seis meses más tarde como el B-side de su último Documentos único Zoológico "La traición"). McCulloch ha negado a hacerle frente que tuvo participación alguna en la redacción de esta canción en más de una ocasión. En el momento de su primer álbum de 1980 de Cocodrilos, el tambor de la máquina había sido sustituido por Trinidad nacido Pete de Freitas. El plomo solo, "Rescate", subió al Reino Unido # 62 y el álbum entró en el Top 20 a # 17, a raíz de los elogios de la crítica. [6] Su siguiente álbum, el cielo hasta aquí (1981), fue aún mayor crítico y comercial éxito, alcanzando el Top Ten de Reino Unido (# 10), aunque un solo levantamiento del álbum, "Una Promesa", sólo podría llegar a Reino Unido # 49. En junio de 1982, el Bunnymen logrado importantes del Reino Unido su primer éxito con "La Vuelta de Amor" (# 19). Esto fue seguido a principios de 1983 con su primer Top 10, más radio-friendly "La Cortadora", que subió al # 8. Ahora firmemente establecida como una tabla de actuar, además de visitas seguido con un único single, "Nunca Parar" (# 15), y "El Killing Moon", una vista previa de su nuevo álbum con un dramático McCulloch vocales, que se convirtió en la banda UK Top 10 segundos solo en la posición # 9. Tras una campaña de relaciones públicas que proclamó que "la mayor jamás realizada álbum", [7] 1984 del Océano lluvia alcanzó el número 4, y hoy es considerado como la obra maestra de la banda. [8] extractos único "plata" (UK # 30) y " Siete Mares "(UK # 16) consolidó la continuación del álbum de éxito comercial. En el mismo año, McCulloch ha golpeado a un menor solo con su versión de "September song".<br /><br />Echo & the Bunnymen recorrió Escandinavia en abril de 1985, realizando versiones de canciones de la televisión, los Rolling Stones, Talking Heads y The Doors. Desafortunadamente para la banda, Océano lluvia resultó ser un disco difícil de seguir, y que sólo podría reaparecer en 1985 con una sola ", introducir en el Baile Caballos" (UK # 21), y un álbum, Canciones para Cantar y aprender, lo que hizo # 6 en el Reino Unido álbum gráfico. Sin embargo, no todo fue bien en el campamento Bunnymen y Pete de Freitas, dejó la banda.El siguiente (mismo nombre) álbum fue grabado con el ex-ABC baterista David Palmer, pero cuando regresó de Freitas en 1986, era en gran medida re-grabado. [9] en libertad a mediados de 1987, el registro se venden bien (el Reino Unido # 4), y fue un pequeño éxito en América, su único LP tener ventas significativas allí.<br /><br />En los Estados Unidos, la banda de las canciones más conocidas son "El Killing Moon" (Océano de lluvia) y "Labios de azúcar igual" (de Echo & the Bunnymen), aunque "Traiga En Danzas Caballos" es bien conocido como un de las canciones de la banda sonora de la película de John Hughes Pretty In Pink. También contribuyeron una cubierta versión de The Doors canción "Las personas son extraños" a la Lost Boys banda sonora.<br /><br /><br />McCulloch deja la banda en 1988 y de Freitas, fue muerto en un accidente de moto a mediados de 1989. Después de ex Colenso Desfile Oscar cantante rechazó una oferta para hacerse cargo de McCulloch, y el sargento Pattinson contratados ex San Vitus Dance vocalist Noel Burke and drummer Damon Reece . Vitus Danza vocalista Noel Burke y el baterista Damon Reece. Tecladista Jake Brockman (un miembro de gira de la banda durante varios años, y un contribuyente al álbum de 1987) fue promovido a miembro de pleno derecho, y la pieza de cinco grabados de reverberación en 1990. Esto no generó mucho entusiasmo entre los fans o la crítica, y el grupo fue abandonado en 1992. McCulloch, meanwhile, had continued his solo career, with the albums Candleland in 1989 and Mysterio in 1992. McCulloch, en tanto, ha continuado su carrera en solitario, con los álbumes Candleland Mysterio en 1989 y en 1992.<br /><br />Echo and the Bunnymen at Paradiso, Amsterdam, in 2005. Echo and the Bunnymen en Paradiso, Amsterdam, en 2005.<br /><br />En 1994 McCulloch y el sargento empezó a trabajar juntos otra vez bajo el nombre Electrafixion; en 1997 se reincorporó a la Pattinson dúo, es decir, los tres miembros supervivientes de la alineación original Bunnymen estaban trabajando juntos de nuevo. En lugar de continuar como Electrafixion, el trío resucitado el Echo & the Bunnymen nombre y publicó el álbum Exitos de Siempre (1997), que alcanzó el Top 10 del Reino Unido.<br /><br />Inmediatamente antes de la liberación de la banda en su próximo álbum, ¿Qué vas a hacer con tu vida? (1999), Les Pattinson salir para cuidar de su madre. McCulloch y el sargento han seguido gira y grabar como Echo & the Bunnymen, y viajar en varias ocasiones la liberación de los álbumes Flores (2001) y Siberia (2005). La actual gira del grupo comprende encarnación McCulloch y el sargento, junto con Stephen Brennan (bajo), Gordy Goudie (guitarra), Nicolás Kilroe (tambores) y Ceri James (teclados).<br /><br />" En 2002, el grupo recibió la Q Inspiración adjudicación. El premio es para inspirar a "nuevas generaciones de músicos, las canciones y los amantes de la música en general.La banda se dice que los ganadores dignos como lo han hecho mucho para promover la escena musical Mersey. En una entrevista posterior para Imán revista, McCulloch dijo: "Es valida todo lo que hemos intentado lograr-cool, gran música atemporal . No es como una inspiración que afectan a la adjudicación el pasado, es que afectan a la música actual ".<br /><br />El 11 de septiembre de 2006, Echo & the Bunnymen publicado una versión actualizada de su 1985 Canciones para aprender y cantar compilación. Ahora re-titulado Más Canciones para aprender y cantar, esta nueva compilación se publicó en dos versiones, una sola pista 17-CD y una versión de 20-pista con un DVD con 8 videos de su carrera profesional.<br /><br />En marzo de 2007, el Bunnymen anunciaron que habían vuelto a firmar a su sello discográfico, Warner, y también se trabaja en un nuevo álbum. [15] La banda también se dice que la planificación de un DVD en vivo, titulado "Dancing Horses" , que también contiene entrevistas con la banda. Este fue lanzado en mayo de 2007, sobre Pargo / SPV. [16]<br /><br />El 11 de enero de 2008 Ian McCulloch fue entrevistado en la BBC Desayuno en el inicio de Liverpool 08. Se le preguntó acerca de los nuevos materiales y Bunnymen reveló que un nuevo álbum que coincide con su concierto en el Royal Albert Hall en septiembre. Él continuó diciendo que el álbum fue "El mejor que hemos hecho, aparte de la lluvia del Océano." <br />Estudio Álbumes<br /><br /> * (1980) Crocodiles - UK #17 (1980) Cocodrilos - Reino Unido # 17<br /> * (1981) Heaven Up Here - UK #10, US #184 (1981) hasta el cielo Aquí - Reino Unido # 10, # 184 EE.UU.<br /> * (1983) Porcupine - UK #2, US #137 (1983) Porcupine - Reino Unido # 2, # 137 EE.UU.<br /> * (1984) Ocean Rain - UK #4, US #87 (1984) Océano lluvia - # 4 Reino Unido, EE.UU. # 87<br /> * (1987) Echo & the Bunnymen - UK #4, US #51 (1987) Echo & the Bunnymen - # 4 Reino Unido, EE.UU. # 51<br /> * (1990) Reverberation - UK #19 (1990) Reverberación - Reino Unido # 19<br /> * (1997) Evergreen - UK #8 (1997) Evergreen - Reino Unido # 8<br /> * (1999) What Are You Going to Do with Your Life? - UK #21 (1999) ¿Qué vas a hacer con tu vida? - Reino Unido # 21<br /> * (2001) Flowers - UK #56 (2001) Flores - Reino Unido # 56<br /> * (2005) Siberia - UK #83 (2005) de Siberia - Reino Unido # 83<br /> * (2009) The Fountain - Not yet released. (2009) La fuente - no publicado aún. <br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/OjP9L6HLefw&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/OjP9L6HLefw&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-38618724755374387792009-06-07T18:35:00.001-07:002009-06-07T18:37:00.387-07:00The Cure<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjl1UM81oaNw4mZCWfu2ddFnmEU2mJ9Zq1o7UockKtcRZ-wSNcSRPZsoBnvAK-EfZvHrfiDMBVsB0Wbo2HctvSY4jVdg0N-zr5hxycQsThohi8JouWP-4cg09pRlin84RwB_n0prHp36OWi/s1600-h/thecure370x270.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 234px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjl1UM81oaNw4mZCWfu2ddFnmEU2mJ9Zq1o7UockKtcRZ-wSNcSRPZsoBnvAK-EfZvHrfiDMBVsB0Wbo2HctvSY4jVdg0N-zr5hxycQsThohi8JouWP-4cg09pRlin84RwB_n0prHp36OWi/s320/thecure370x270.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5344764643820613122" /></a><br />Three Imaginary Boys (1979), marcó el comienzo de una larga carrera. A pesar de algunos cambios en la formación y varios dramas típicos del rock'n'roll, The Cure han sabido permanecer y emerger con fuerza, vendiendo más de 27 millones de discos en todo el mundo, y sin hacer nunca concesiones al "mainstream".<br /><br />La formación original de la banda, entonces Easy Cure, nació en un colegio de Crawley, una ciudad construida sobre los escombros que dejó la guerra en un pequeño pueblo en el corazón de la campiña del sur de Inglaterra. Robert Smith era el querido hijo de una familia feliz, pero su imaginación se sentía invadida por las cosas más profundas y oscuras. "Yo había leído libros, libros que tal vez no debería haber leído, libros que aludían a la desesperación y la desintegración..."<br /><br />Aunque Easy Cure habían surgido como una banda de punk, para cuando simplificaron su nombre a The Cure, la creciente fascinación de Smith por los temas oscuros y opresivos, ya se había unido su habilidad para canalizar esas ideas en canciones apasionadamente evocadoras, y fue eso lo que hizo que Three Imaginary Boys fuera catalogado como algo muy diferente a los típicos trabajos punk de aquellos días.<br /><br />Con su primer single de éxito en el Reino Unido, A Forest, el bajista original de la banda, Michael Dempsey se marchó, siendo reemplazado por Simon Gallup quien, junto a Smith, ha sido uno de los miembros más constantes de la formación. A Forest se situó Top 30 del Reino Unido.<br /><br />El segundo álbum, Seventeen Seconds (1980), confirmó lo que los críticos ya habían advertido - The Cure estaban ahí para quedarse. Su tercer álbum, sin embargo, derrumbó todas las espectativas.<br /><br />Faith, según los parámetros de la industria de la música de principios de los 80, era practicamente un intento de suicidio. Era un disco de introspección mórbida y ensimismamiento, donde cada una de las desesperadas canciones estaba obviamente diseñada para destrozar la frágil sensibilidad de los programadores de radio.<br /><br />Cuando el cuarto álbum, el sombrío Pornography de 1982, se convirtió en el primer álbum de The Cure que entraba en el Top Ten Británico.<br /><br />Hacer discos de tal intensidad les estaba pasando factura a todos los miembros de la banda. Vivían la vida excesiva que su música parecía demandar. El teclista de la banda, Matthieu Hartley, abandonó la nave en 1981 y ahora Simon Gallup no era capaz de permanecer en la misma órbita que Smith.<br /><br />Les pidieron grabar una canción para el disco de presentación de la revista Flexipop. La canción, la versión original de Lament, se hizo con un Smith hasta arriba de ácido, como único miembro del grupo.<br /><br />El siguiente single de The Cure fue Let's Go To Bed. Smith y el batería original de la banda, que luego se convertiría en teclista, Lol Tolhurst, eran los únicos miembros reales. Fue el primer single de The Cure que se publicó en USA, donde desempeñó las funciones de guía para abrirles camino hacia la Costa Oeste.<br /><br />En julio de 1983, The Walk se colocó sin esfuerzo en el Nº 12 en el Reino Unido, seguido de un éxito incluso mayor, The Lovecats.<br /><br />Un nuevo álbum, extraño y sin concesiones, The Top, lleno, según dicen, de enormes cantidades de 'setas mágicas'.<br /><br />No fue hasta 1985, con el regreso de Simon Gallup, Porl Thompson y el nuevo batería Boris Williams cuando la estabilidad volvió de nuevo al grupo. En julio se publicó el single In between Days. El álbum de ese año, The Head On The Door, alcanzó el Nº59 del Billboard.<br /><br />Lol Tolhurst, tenía como aficción a la bebida que le hacía imposible seguir trabajando. Permaneció en la banda durante el proceso de creacción del álbum siguiente, pero el teclista Roger O'Donnell era el que tocaba.<br /><br />Mayo de 1986, recopilatorio de The Cure, Standing On A Beach, supuso su primer lugar en los Top 50 de USA, allanando así el camino para su nuevo disco, Kiss Me Kiss Me Kiss Me, que consiguió el disco de platino en USA y con singles como Just like Heaven, a la que Smith llama: "la mejor canción pop que The Cure ha hecho jamás. En ella se engranan todos los sonidos, era perfecta".<br /><br />Smith sustituyó a Tolhurst en The Cure en febrero de 1989, antes de la publicación de Disintegration. El sello lo consideraba como algo casi invendible. O, en palabras de Smith, "Yo pensaba que era nuestra obra maestra, y ellos creían que era una mierda". El disco se colocó en el Nº3 en el Reino Unido y entrando en el Top 20 americano por primera vez, allí ganó otro disco de platino. El segundo single de este álbum, Lovesong, les colocó directamente en le Nº2 del Billboard.<br /><br />Aunque la banda mantenía un perfil relativamente bajo al comenzar la década de los 90, 1991 les trajo un Premio BRIT al Mejor Grupo Británico y en mayo de 1992, el álbum Wish hizo su debut en el Nº1 del Reino Unido y el Nº2 de USA.<br /><br />1993 se lanzan los directos, Show y Paris. Smith se centra en el proceso judicial que había abierto Lol Tolhurst, quien reclamaba, derechos sobre el nombre de la banda. El Tribunal Supremo de Londres dictó sentencia en contra de Tolhurst en septiembre de 1994.<br /><br />O'Donnell, Thompson y Williams habían continuado avanzando desde el comienzo de la década y la participación de Simon empezaba también a fluctuar. En mayo de 1996 sale Wild Mood Swings, el anterior roadie de The Cure, Perry Bamonte se puso a la guitarra, Jason Cooper había reemplazado a Boris a la batería y Roger O'Donnell fue persuadido para que se reuniera a la formación.<br /><br />Se embarcaron en su mayor gira de todos los tiempos, actuando en más de 100 conciertos ante multitudes extasiadas en los estadios más prestigiosos del mundo. A la gira le siguió un nuevo recopilatorio en 1997, Galore.<br /><br />Bloodflowers (2000) es Nominado a los Grammy, es un logro del que Smith se siente particularmente orgulloso, el tercer capítulo de la Oscura Trilogía, junto con Pornography y Disintegration.<br /><br />2001 supune el final de la relación de la banda con Fiction Records. En Noviembre aparece el recopilatorio Greatest Hits, y en enero de 2002, The Cure establecieron una nueva alianza con Ross Robinson de I am Records, abriendo así un nuevo capítulo.<br /><br />The Cure llevó a cabo el concierto más ambicioso de su carrera en el Tempodrom de Berlín, con la trilogía oscura al completo, en directo y durante más de tres intensas horas. En la primavera de 2003 se publicó el DVD/Vhs Trilogy para el regocijo universal.<br /><br />Publicaron el set de 4 CD, Join the Dots, a primeros de 2004. Un encantador compendio de caras B, difíciles de encontrar, rarezas y remixes que preparan el camino para ese salto hacia delante que representa su último trabajo - The Cure.<br /><br />Convencido por Ross Robinson, Smith vuelve a confiar en The Cure, cuando todo apuntaba a una separación y un disco en solitario. Así en 2004 es el momento de un nuevo disco de estudio The Cure.<br /><br />"Cuando me escucho a mí mismo hablando de cómo hemos grabado el nuevo disco, me suena casi irreal," dice Smith, "Parece como si estuviera hablando de una especie de terapia de grupo un tanto extraña, pero hacer este álbum ha cambiado mi actitud hacia lo que hacemos. Ahora espero mucho más de nosotros".<br /><br />"Las actuaciones de The Cure son muy emotivas," explica Smith, "principalmente porque grabamos las canciones en directo en el estudio, algo que hemos hecho desde nuestro primer álbum". El resultado es que, aunque el disco incluye canciones que abarcan varios estilos musicales, la intensidad emocional de cada una de ellas no languidece en absoluto, con ello, este disco se convierte en una auténtica joya.<br /><br />En mayo de 2004 The Cure firmaron un contrato global de tres discos con Geffen Records... Y la historia continúa...<br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/aNBJ1rBAlN8&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/aNBJ1rBAlN8&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4283769589785141213.post-52676133784164235942009-06-07T17:55:00.000-07:002009-06-18T21:38:17.266-07:00Siouxsie and Banshees<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBbEPmZh6C_g6XDiSHUzaLApD4hnRYg8LhaHaqun2wXTu12LLXqat06OMAZouw9_3eUcjTi5jzLhXAJnXcDVxsHCFEHXyMRIk_CiahCldNhyNIkGcNjReM9i0w9WsK7vftK30IgWjuPx60/s1600-h/siouxsie.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 225px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBbEPmZh6C_g6XDiSHUzaLApD4hnRYg8LhaHaqun2wXTu12LLXqat06OMAZouw9_3eUcjTi5jzLhXAJnXcDVxsHCFEHXyMRIk_CiahCldNhyNIkGcNjReM9i0w9WsK7vftK30IgWjuPx60/s320/siouxsie.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5344757345214301906" /></a><br />Siouxsie & the Banshees es el nombre de una banda de rock británica formada en 1976. Abanderados del movimiento post-punk, su música continuó evolucionando hacia el rock alternativo en sus álbumes y hacia el pop en sus singles. El grupo se disolvió en 1996, aunque se volvió a reunir brevemente para una gira en 2002. La cantante también creó un segundo grupo, The Creatures, en 1981, con el que paralelamente continuó su carrera y con el que continuó después de la disolución de los Banshees. Siouxsie hizo otras colaboraciones, como por ejemplo un dúo con Morrissey.<br /><br />Sus canciones fueron versionadas por LCD Soundsystem, Massive Attack,Jeff Buckley[4] y Tricky. La cantante recibió elogios de varios otros artistas como PJ Harvey,[6] Garbage y Santogold<br /><br />Tras la separación de los Banshees y el final de su segundo grupo The Creatures, Siouxsie canta ahora como solista desde septiembre de 2007.<br /><br />Siouxsie & the Banshees (cuya formación inicial estaba compuesta por: Siouxsie Sioux - Ballion, nacida en Londres el 27 de mayo de 1957 - líder y cantante solista, Steven Severin al bajo, Marco Pirroni a la guitarra y Sid Vicious a la batería) debutaron en septiembre de 1976 en uno de los primeros festivales punk del Club 100 de Londres. El grupo comenzó como una aventura y acabó llevando una fluida carrera comercial muy representativa de lo que el punk apuntó y lo que el post-punk puso en circulación.<br /><br />Sus influencias van desde el proto-punk: The Velvet Underground, The Stooges; el punk: Sex Pistols; e incluso el glam: David Bowie. Todas estas bandas moviéndose alrededor de un ámbito alternativo. Se podría decir que Siouxsie & the banshees tomó alguna influencia de estas bandas y lo mezcló en un estilo que sólo pocos han podido interpretar: el post-punk. Del proto-punk tomó su excentricidad y lírica. Del punk tomó la fuerza escénica y musical y finalmente tomó del glam su estética.<br />Steve Severin en 1986.<br /><br />Vicious (John Simon Ritchie) se unió a los Sex Pistols a comienzos de 1977 y Pirroni a The Models, así una rueda de cambios irrumpió en la vida de la banda. En 1978, un disco pirata suyo ya circulaba de mano en mano, lo que demostraba su auge y el interés que despertaban. Ese mismo año y con la incorporación de John McKay a la guitarra y Kenny Morris a la batería, graban su primer single, el tema Hong Kong Garden que alcanzaría el número 7 en las listas inglesas y al que seguiría su álbum de debut: The Scream producido por Steve Lillywhite en el sello Polydor. El sonido del grupo refumaba una agresividad punk densa y oscura que se acrecentaría en su segundo trabajo Join Hands Este L.P. se publica en 1979 e incluye una versión del clásico The Lord's Prayer, y los sencillos The Staircase y Playground Twist de temas estelares.<br /><br />La banda se consolida en el mercado británico y con el comienzo de la gira de promoción del disco John McKay (guitarrista) y Kenny Morris (batería) abandonan la formación dejando al dúo Siouxsie y Steve Severin en la estacada. La gira se completaría con la ayuda de Robert Smith, de The Cure (que tocaba en aquella época de telonero de la banda) y Budgie (ex The Slits). Finalmente Budgie se quedaría como miembro fijo de la formación, mientras que el puesto de guitarrista se cubriría con la entrada del genio John McGeoch (ex Magazine), en el grupo. John McGeoch es considerado como el Jimmy Page del New wave, su característico estilo de guitarra con delays y flangers y su arte arpegiando definirían el sonido Banshee en los años posteriores.<br /><br />En 1980 ve la luz el tercer trabajo de Siouxsie & The Banshees : Kaleidoscope, en el que también colabora el antiguo miembro de Sex Pistols Steve Jones. El disco es bastante más sombrío que sus predecesores, influido por el uso de sintetizadores, y con un sonido más limpio y denso, dejando de lado las antiguas maneras punk de la formación para acercarse al naciente sonido siniestro de bandas de la época como Joy Division o The Cure. El disco llega al Top 5 británico y el single Happy House se transforma en uno de los grandes éxitos de la banda por estas fechas. De esta forma Siouxsie & The Banshees comienzan su primera gira por EE.UU.<br /><br />El cuarto trabajo de la banda se edita 1981 bajo el título Ju ju, tras la publicación del exitoso single Israel. Ju ju está considerado por muchos como el mejor trabajo de la banda. Este disco se encuentra impregnado de ambientes psicodélicos y góticos, y situaría a Siouxsie And The Banshees como abanderados a la cabeza del movimiento Gótico/Siniestro de la época, la misma Alaska desde españa calcaría su estética y sonido con sus Pegamoides.<br />Budgie en 1986.<br /><br />Durante este período, Siouxsie y su percusionista Budgie crearon a un segundo grupo The Creatures editando un primer single "Wild Things".<br /><br />También en 1981 se abrió y se cerró una etapa de la historia del grupo con la aparición del disco Once Upon a Time/The Singles (que recopilaba todos sus sencillos). Sumidos en una nube de popularidad Siouxsie And The Banshees dan una vuelta de tuerca más a su sonido con su siguiente trabajo A Kiss in the Dreamhouse, publicado en 1982, resulta más experimental y psicodélico que sus predecesores, y en él que se puede apreciar una mayor orientación comercial en temas como Slowdive. A pesar de contener algunas grandes canciones el disco pecaba de ser un trabajo menor. Durante la promoción del álbum y en plena gira, John McGeoch (guitarrista) sufre un colapso en el escenario debido al consumo excesivo de drogas y debe ser internado en un hospital psiquiátrico en Madrid. Robert Smith de The Cure volvería a ayudar a los Banshees a concluir la gira y se acabaría incorporando como miembro estable de la banda.<br /><br />A comienzos de 1983, Siouxsie And The Banshees graban y editan un single con una versión del tema Dear Prudence de los Beatles, que se transforma en uno de sus mayores éxitos. Es justo en ese momento cuando Siouxsie y Budgie (que posteriormente se casarían) aprovechan para crear un proyecto paralelo, un grupo alternativo, The Creatures, que con el que graban el disco Feast en 1983. ( Este proyecto continuaría en el futuro con trabajos como Boomerang en 1990, Anima Animus en 1999 y Hai en el 2003). Por su parte Steve Severin y Robert Smith formarían The Glove, un proyecto psicodelico en el que explotaron su parte más alocada y desenfadada tras un prolongado consumo de drogas alucinogenas.<br /><br />A mediados de 1983 Siouxsie & The Banshees se reunifican para hacer una gira y grabar su primer álbum en directo Nocturne (1983) que se edita bajo su propio sello discográfico Wonderland y que está grabado durante una exitosa actiación en el Royal Albert Hall de Londres. Con la publicación del L.P. Hyaena (1984) y un fuerte ablandamiento del sonido del grupo, ya totalmente sumidos en el pop, Siouxsie & The Banshees reciben sus peores criticas y comienza así una pequeña etapa de decadencia que se salda con salida del grupo de Robert Smith, que se centraría definitivamente en su propia banda The Cure.<br /><br />1986 ve resurgir a Siouxsie And The Banshees de sus cenizas con el trabajo Tinderbox y la incorporación al grupo de John Carruthers a la guitarra. El disco, fresco y repleto de buenas canciones, incluía alguno de los mejores sencillos de su carrera: Cities in Dust y Candyman. Además de ser el primer álbum del grupo que lograba una buena posición en las listas Estadounidenses.<br /><br />Tras un disco de versiones a modo de homenaje a sus artistas favoritos: Through the Looking Glass (1987) en el que interpretan temas de The Doors, Iggy Pop o Bob Dylan; Siouxsie And The Banshees graban uno de los discos mejores y más exitosos de su carrera: PeepShow (1988). El guitarrista Carruthers es sustituido por John Klein y Martin McCarrick se incorpora como teclista. Este álbum marca un cambio radical en el sonido de la banda, ya totalmente redefinidos como pop y cada vez más cercanos a las pistas de baile. El single Peek A Boo sería un éxito en las listas Estadounidenses y les acabaría de consagrar en este mercado.<br /><br />En 1989, Siouxsie y Budgie trabajan de nuevo bajo el nombre de The Creatures. Esta vez-ci, van registrado su segundo álbum "Boomerang" en Andalucía.<br /><br />Los banshees vuelven de nuevo en 1991 con el LPSuperstition, el disco más vendido de la banda y el más comercial, unido a un fuerte cambio de imagen en el grupo, asumiendo una estética más asequible y sexy. Kiss Them For Me sería otro single de éxito en las listas de todo el mundo.<br /><br />En 1991 Siouxsie y Budgie contraen matrimonio y se mudan a Francia.<br /><br />En 1992 graban un tema para la banda sonora de la película Batman Returns de Tim Burton bajo el título Face To Face y que es uno de los mejores de su carrera. En esas fechas se edita la segunda recopilación de singles de la banda que recoge la etapa de 1982 a 1992 bajo el título: Twice Upon A Time.<br /><br />En 1994, Siouxsie registró un duo con Morrissey. El single "Interlude" salió bajo el nombre de los dos artistas, la canción es una reanudación de un título de la artista Timi Yuro.<br /><br />La banda daría un parón artístico hasta el año 1995 en que editaronThe Rapture, un disco de menor impacto y que sería el último trabajo de estudio del grupo. Después Siouxsie y Budgie continuarían con su proyecto The Creatures y Severin se volvería uno de los artistas más experimentales de la música con distintos proyectos. A lo largo de los años se irían editando distintos recopilatorios de éxitos así como álbumes en directo.<br /><br />Siouxsie and The Banshees se disuelve el año 1996 .<br /><br />Más adelante editaron discos bajo el nombre de The Creatures, Anima Animus en 1999 y Hai en 2003.<br /><br />A principios de este año (2007) Siouxsie y Budgie se divorcian y dan por finalizada tanto su relación personal como también artística disolviendo The Creatures.<br /><br />El primer álbum en solitario de Siouxsie, Mantaray, salió en septiembre de 2007 en la casa de discos Universal. El disco que logra un sonido único fusionando de una manera inteligente a The Banshees y The Creatures agregando un poco de glam y pop recibió una buena recepción crítica.[9] El famoso Pitchforkmedia escribió que el álbum es un éxito.<br /><br /> Susan Janet Dallion (Siouxsie Sioux)<br /><br />Siouxsie Sioux es una de las voces más influyentes dentro de la historia del rock británico además de ser una de las artistas "oscuras" más admiradas y emuladas dentro del ámbito musical gótico. Susan Janet Dallion (su verdadero nombre) nació el 27 de mayo de 1957 en Londres, Inglaterra. La música y el estilo de una joven e intensa seguidora del punk pronto comenzó a descubrir los ritmos góticos simpatizando con ellos rápidamente para dar vida así a la banda que se perfilaría como uno de los grupos pioneros del rock gótico Siouxsie and the Banshees. <br />A la edad de 19 años Siouxsie Sioux aparecería en "the 100 Club Punk Festival" cantando temas de Bay City Rollers "Young Love" y una versión extendida de "Lord's Prayer" a su lado estaban el bajista Steve Severin, el guitarrista Marco Pirroni y el legendario Sid Vicious en la batería. Una vez con la banda ya congregada, Siouxsie decidió adoptar el apodo de Sioux a causa de su odio por la imagen de los vaqueros y de esta forma rindió honor a la tribu indígena norteamericana.<br />Sioux y su banda fueron creadores de mas de una docena de albumes, la carrera de Siouxsie and the Banshees fue ininterrumpida desde 1976 hasta 1995 año en el que la banda lanza su ultimo disco y decide separarse. Sioux decide enfocarse de lleno a un proyecto que había comenzado a desarrollarse en 1981 con su esposo Budgie llamado The Creatures banda que tuvo gran éxito, especialmente en Europa y Japon y que se caracterizo por ser un proyecto experimental con una gran riqueza rítmica. <br /> <br />Aunque el talento y la capacidad de Siouxsie Sioux como cantante nunca se pusieron en duda, detrás una voz vibrante y poderosa estaba una imagen indescifrable que mezclaba la belleza de las actrices del Hollywood clásico y el misterio de las vampiresas de alguna novela gótica. Durante su larga carrera como cantante Sioux se preocupo por renovar su imagen, por reinventarse en muchas formas y en ser camaleónica cosa que logro con gran éxito, en sus vídeo clips se puede apreciar los diferentes estilos que incorporo Sioux a su personalidad artística. Se muestra como una joven con una fría e inocente sensualidad en los videos de Israel y Arabian Knigths, con un halo de esplendor fantasmal en Slowdive y Peek- a- Boo, una diva llena de magnificente glamour en Candyman y Dazzle, una sofocante seductora que no conoce los limites del placer en Fear(vídeo que explora la temática Queer) y una vampiresa que protagoniza un sueño sadomasoquista y poético en Face to Face. Una gran capacidad de trasformarse y una belleza innata convirtieron rápidamente a Sioux en la "covergirl" de la subcultura ya que su belleza no solo era comentada y admirada en los círculos alternativos de Londres sino también fue objeto de comentarios importantes en la industria del entretenimiento. <br /><br />Situándonos en eventos mas recientes, el 2005 fue un año lleno de exitos para Siouxsie en primer lugar pudo cumplir su anhelo de cantar con una orquesta clásica en el "Royal Festival Hall", el concierto es un refinado y espectacular viaje por temas clásicos de "The Creatures" y "The Banshees" además de temas inéditos, todos estos ambientados por los ritmos de la música japonesa contemporánea y la orquestación sinfónica. Esta espectacular obra de arte quedo consignada en el DVD titulado "Dreamshow". Además fue ganadora del premio Mojo Icon otorgado por la prestigiosa revista inglesa "Mojo Magazine" derrotando en esta categoría a personajes de la talla de David Bowie y The Ramones. Para finales del 2007 se espera con gran expectativa el álbum que Siouxsie grabo en solitario bajo la tutela de Universal Records y sin duda alguna promete ser una producción de primera categoría.<br /><br />Siouxsie Sioux fue un icono musical sin duda alguna (lo sigue siendo hoy en dia), y aunque ella siempre afirmó que no ayudo a crear el movimiento gótico de forma intencional; tuvo gran influencia en muchos grupos que hoy reconocemos como "grandes" de goth y muy seguramente sin ella el movimiento del gótico no se hubiera desarrollado y difundido en la forma que conocemos. A Siouxsie también se le debe en gran medida la materialización de una aceptación y un reconocimiento más grandes de la música oscura y/o alternativa a nivel mundial ya que su credibilidad y trayectoria artística (de mas de 15 años) fueron elementos que la situaron en un sector prestigioso (en muchos sentidos) en el mundo musical, por esa y por muchas otras razones Siouxsie siempre será la primera y más importante diva del movimiento gótico/alternativo y sin temor a equivocarme afirmo de forma contundente que Siouxsie conquistara al mundo una vez mas.<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/DFA5R4ua0pA&hl=en&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/DFA5R4ua0pA&hl=en&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object>Andre Ivrehttp://www.blogger.com/profile/00188827460229222208noreply@blogger.com2