Arctic Monkeys

Arctic Monkeys es una banda inglesa de indie rock[1] proveniente de High Green, un suburbio en las afueras de Sheffield, Inglaterra. Formada en 2002, la banda actualmente está compuesta por el guitarrista principal y vocalista Alex Turner, el guitarrista Jamie Cook, el bateria Matt Helders y Nick O'Malley en el bajo, una posición anteriormente ocupada por Andy Nicholson.

Arctic Monkeys logró popularidad en las listas con su sencillo debut "I Bet You Look Good on the Dancefloor", el cual se colocó en la primera posición en el UK Singles Chart.[2] Su álbum debut, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, lanzado el 23 de enero de 2006, fue el álbum debut más vendido en la historia de la música británica hasta ése momento. El álbum recibió aclamaciones por parte de la crítica, ganando el Mercury Price y el Brit Award en 2007 como "mejor álbum británico".[3] El segundo álbum de la banda, Favourite Worst Nightmare, fue lanzado el 23 de abril de 2007, el cual vendió más de 225,000 copias en su primera semana de lanzamiento, además de ser nominado para el Mercury Prize de 2007.[4] La banda también ganó los premios a mejor banda británica y mejor álbum británico en los Brit Awards de 2008.

Arctic Monkeys son generalmente considerados parte de la escena indie rock,[5] junto a bandas como Franz Ferdinand, Kaiser Chiefs, Bloc Party y The Kooks.[6] [7] Comenzaron a ser conocidos a través de demos hechos por fans y distribución de archivos en línea.[8] Fueron anunciados como uno de los primeros actos de atención pública vía Internet, esto los catalogó como "la banda que pudo haber cambiado el mercado de la música".

En 2001, los vecinos Alex Turner y Jamie Cook pidieron algún instrumento musical como regalo de Navidad, razón por la cual ambos recibieron guitarras.[10] Después de haber aprendido a tocar por su cuenta, la pareja formó una banda con los amigos de la escuela de Turner (Stocksbridge High School), Andy Nicholson y Matt Helders.[11] Nicholson ya sabía tocar el bajo, así que Helders terminó en la batería.[10]
Eso era lo único que faltaba. Cuando empezamos la banda ninguno de nosotros sabía tocar. Simplemente lo pusimos todo. Todos ellos tenían guitarras, así que tiempo después compré una batería.
Matt Helders[10]

En un artículo de la revista Blender de mayo de 2006 se mencionó que Turner no era el vocalista original - "Cuando su primer vocalista, Glyn Jones, dejó la banda después de unos meses, Turner tomó el micrófono."[12] Este hecho fue nuevamente reportado más detalladamente en el tabloide británico The Sun, en el cual Jones cuenta que una tarde, después de unos exámenes, estaban aburridos con Alex, así que empezaron a escribir una canción sobre un geek de la clase. Glyn era el cantante principal sólo porque "Alex era muy humilde y no era consciente de su gran voz... pero estaba contento tocando su guitarra."

Glyn comentó que no tenía la dedicación de dar un paso más allá - "para mí éramos sólo una pandilla de niños causando problemas debido al aburrimiento."[13] Aunque algunos rumores cuentan que el grupo se puso el nombre de la banda del tío de Helders (o la de su padre), éste lo negó, afirmando que "lo inventamos todo porque mucha gente nos preguntaba [acerca del nombre], así que simplemente empezamos a inventar historias",[14] y que luego no tuvo el valor para reconocer de que estaba mintiendo.[10]

Sus primeros ensayos los hicieron en los Estudios Yellow Arch en Neepsend,[15] mientras que su primer concierto fue el 12 de junio de 2003 en The Grapes en Sheffield.[16] Después de unas cuantas presentaciones, empezaron a grabar demos y a grabarlos en CD para regalarlos en los conciertos. Con un número limitado de CD disponibles, los fans comenzaron a ripear la música en sus ordenadores y a compartirla entre ellos. Al grupo no le importó, diciendo que "nunca hicimos esas demos para hacer dinero ni nada. Estábamos regalándolas de todos modos, era la mejor manera de que la gente las escuchara. Eso hizo que los conciertos fuesen mejores, debido a que la gente sabía las letras y cantaba con nosotros."[14] No quisieron responsabilizarse de la difusión de su música, admitiendo que ni siquiera sabían cómo poner sus canciones en Internet.[14] Cuando un periodista de Prefix Magazine les habló sobre la popularidad de la banda en MySpace, los miembros de la banda admitieron que ni siquiera sabían qué era MySpace, y que su página oficial había sido creada por sus fans.
Cuando éramos número 1 en los charts en Inglaterra estábamos en las noticias y en la radio. Hablaban sobre cómo Myspace nos había ayudado. Ése es el ejemplo perfecto de alguien que no sabe de qué diablos le están hablando. No teníamos idea de qué se trataba.
Arctic Monkeys[14]

Comenzaron a ganar popularidad en el norte de Inglaterra,[17] recibiendo la atención de la radio BBC y de los periódicos de Gran Bretaña. Mark "The Sheriff" Bull, un fotógrafo local, grabó los conciertos de la banda e hizo el video musical de "Fake Tales of San Francisco", lanzándolo en su página web,[14] junto con Beneath the Boardwalk - una colección de canciones que recibió su título del club en el que la banda solía tocar a menudo, The Boardwalk. En mayo de 2005, la banda lanzó su primer EP, Five Minutes with Arctic Monkeys, el cual contenía las canciones "Fake Tales of San Francisco" y "From the Ritz to the Rubble". Dicho lanzamiento fue limitado a 500 CD y a 1000 LP, estuvo también disponible para su descarga en iTunes Music Store. Poco después, la banda tocó en la Carling Stage de los Festivales de Reading y Leeds, un festival reservado para bandas poco conocidas o sin disquera. Su aparición estuvo repleta de periodistas y fue recibida por una multitud, mayor a la de otro concierto anterior, además de haber sido aclamada por la crítica.[18] En el concierto el público continuamente estuvo cantando junto a la banda.

La banda se resistió a firmar con una discográfica, afirmando que se negaban a cambiar sus canciones según lo que le conviniese a la industria.
Antes de que empezara la historia, las discografías dirían, "me agradas, pero no estoy seguro de esta pequeña parte, y de que la canción pueda lidiar con las posiciones en las listas... ." Nunca los escuchamos.
Alex Turner[16]

El éxito de su estrategia fue ilustrado por series de conciertos con entradas agotadas en el Reino Unido. En octubre de 2005 agotaron las entradas en un concierto en el teatro London Astoria, y Turner vio este hecho como una confirmación de que estaban justificados para ignorar a las compañías discográficas: "una vez que todo empezó, ya nada más importó. En Londres, los niños estaban viendo a la banda, y las compañías discográficas eran testigo de ésto."[16]

Aún así, la banda firmó con Domino Records en junio de 2005. La banda estuvo a punto de firmar con otra disquera no revelada, pero finalmente fueron atraídos por la "ética" del dueño de Domino Laurence Bell, quien dirigía la discografía desde su apartamento y sólo contrataba a bandas que le gustaran personalmente.[19] El tabloide inglés Daily Star informó de que esto sucedió en octubre de 2005, después de sendas ofertas de £1,000,000 para un contrato con EMI y de £725,000 para un contrato con Epic Records en Estados Unidos.[20] La banda negó éstos rumores en su página web.

Su primer sencillo después de haber firmado con Domino Records, "I Bet You Look Good on the Dancefloor", fue lanzado el 17 de octubre de 2005 y fue directo a la primera posición en el UK Singles Chart, superando a Sugababes, McFly y Robbie Williams en el proceso. Cuatro meses y tres días después hicieron su primera aparición en el semanario New Musical Express. Su segundo sencillo, "When the Sun Goes Down" (anteriormente titulado "Scummy") fue lanzado el 16 de enero de 2006 y también fue directo a la primera posición en el UK Singles Chart, vendiendo 38.922 copias. El éxito de la banda alcanzando la posición número uno sin promoción ni marketing llevó a algunos a pensar que podría significar un cambio en cómo las nuevas bandas podrían alcanzar el reconocimiento en el futuro.[21]

Terminaron de grabar su álbum debut en los Chapel Studios en Lincolnshire en septiembre de 2005. Su nombre fue confirmado en diciembre como Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, un título tomado de la película de 1960 Saturday Night and Sunday Morning, con el lanzamiento planeado para el 30 de enero de 2006. Aunque la mayoría de los temas ya estaban disponibles en sus demos, se esperaba que fuera uno de los lanzamientos más grandes de 2006 con miles de copias pre-ordenadas. El 5 de enero de 2006, Domino anunció que el lanzamiento del álbum se iba a adelantar una semana al 23 de enero del mismo año, excusándose en "la alta demanda." Mientras lo mismo ocurría con el lanzamiento de Franz Ferdinand, hubo mucha especulación de que el movimiento se debió a que ya estaban disponibles en la red.[17]

Whatever People Say I Am, That's What I'm Not se convirtió en el álbum debut con las ventas más rápidas en la historia de la música británica, vendiendo 363.735 copias en su primera semana,[22] superando al anterior poseedor del récord de 306,631 copias vendidas de Hear’Say llamado Popstars, y vendió más copias en su primer día solo - 118,501 - que el resto del Top 20 combinado.[23]

El álbum fue lanzado un mes después en Estados Unidos, vendiendo 34.000 unidades en su primera semana, convirtiéndolo el segundo álbum de estilo indie debut con más rápidas ventas y posicionándose en el número veinticuatro en la lista Billboard.[24] Aún así, las ventas en un año en Estados Unidos no igualaron las de la primera semana en Reino Unido. Los críticos estadounidenses se mostraron más reservados que sus contrapartes británicos, tildándolos de "otro ejemplo de una banda nueva británica aclamada en demasía por la prensa."[25] Aún así, la gira de junio de 2006 en Norte América recibió buenas críticas en cada aparición[26] [27] [28] - "el sobreexceso de atención rodeándolos prueba que existen por una buena razón."[29] Mientras tanto, la revista británica NME nombró al álbum el "5to mejor álbum británico de todos los tiempos".[30] La banda igualó el récord de The Strokes y Oasis en los NME Awards de 2006, ganando tres premios: Mejor Banda Británica, Mejor Banda Nueva, y Mejor Canción para "I Bet You Look Good on the Dancefloor".

La banda no tardó en grabar nuevo material y el 24 de abril de 2006 lanzó un EP de 5 canciones titulado Who the Fuck Are Arctic Monkeys?. Fue visto por la crítica como una reacción al exceso de atención que los rodeaba. Por su duración, el EP no pudo posicionarse en las listas como sencillo o álbum. Además, su lenguaje inapropiado tuvo como consecuencia una menor cobertura radiofónica, aunque esto no preocupó a la banda - "desde que hicieron su nombre en Internet, consiguieron un sencillo y un álbum en primera posición, no les importa si no los ponen en la radio."[31]

Sin embargo, después del lanzamiento del EP en Reino Unido, la banda anunció que el bajista Andy Nicholson no formaría parte de la siguiente gira por Norte América debido a una "fatiga a causa de una gira intensa."[32] Cuando volvieron a Reino Unido, Nicholson confirmó que empezaba un nuevo proyecto en solitario, y que por ello dejaría Arctic Monkeys. Además del proyecto, dejó la banda porque no podía lidiar con la fama y el éxito que habían cosechado los últimos seis meses. Alex Turner, Jamie Cook y Matt Helders se mostraron tristes ante la situación, razón por la cual decidieron poner un comentario en su página oficial: "Lamentamos informar que Andy no forma más parte de la banda", también confirmaron que Nick O'Malley - ex bajista de la banda de rock The Dodgems, quien entró como bajista temporal para la gira norteamericana, continuaría por el resto del verano.[33] Poco después, Nick O'Malley fue confirmado como miembro de tiempo completo.

El primer lanzamiento de Arctic Monkeys sin Nicholson, el sencillo "Leave Before the Lights Come On", vio la luz el 14 de agosto de 2006. Turner comentó que la canción podría estar en el álbum, y que ésta fue una de las últimas que escribió antes de alcanzar la fama.[34] La canción se colocó en la cuarta posición en Reino Unido, convirtiéndose en la primera sin conseguir el primer lugar en las listas - haciendo que Turner se refiera a la canción como "la oveja negra de la familia" en el concierto que la banda ofreció en el festival de Leeds en 2006. La banda se volvió a reunir con Nicholson en el Festival de Reading y allí fue reemplazado de manera formal por O'Malley;[35] aún así, dos semanas después, sólo los tres restantes miembros originales estuvieron presentes en la ceremonia de premiación del Mercury Prize de 2006. Allí Whatever People Say I Am, That's What I'm Not fue premiado como mejor álbum del año.

El segundo álbum de la banda, Favourite Worst Nightmare, fue lanzado el 23 de abril de 2007, una semana después del lanzamiento del sencillo "Brianstorm". Alex Turner describió las canciones como "muy diferentes a las de la última vez", añadiendo que el sonido de algunas eran "un poco llenas, un poco de "From the Ritz to the Rubble", "The View from the Afternoon", ese tipo de cosas."[36] En un concierto secreto en Sheffield el 10 de febrero de 2007 se habían presentado 7 canciones nuevas (6 de Favourite Worst Nightmare).[37] Las primeras reseñas del álbum fueron positivas, y lo describían como "muy, muy rápido y muy, muy ruidoso."[38]

Mientras tanto, la banda siguió cosechando premios alrededor del mundo, ganando el "Mejor Artista Nuevo" en el PLUG Independent Music Awards en Estados Unidos y "álbum del año" en Japón, Irlanda y Estados Unidos. Además de los premios al "Mejor Álbum" y "Mejor DVD musical" en los NME Awards de 2007,[39] la banda tuvo el orgullo de ganar los premios a "Mejor banda británica" y "Mejor álbum británico" en los Brit Awards de 2008. Por segundo año consecutivo, la banda fue nominada para el anual Mercury Prize, aunque no pudieron igualar lo de 2006, ya que el premio a "Mejor Álbum" se lo llevó Klaxons con Myths of the Near Future.

El 29 de abril de 2007, el día en que Favourite Worst Nightmare se colocó en primera posición en el UK Albums Chart, las 12 canciones del álbum se encontraban en el Top 200 del UK Singles Chart, ranqueando desde "Brianstorm" hasta "If You Were There, Beware" en la posición ciento ochenta y nueve. El 27 de abril del mismo año tenían un total de 18 canciones en el Top 200. "Fluorescent Adolescent" y "505" se colocaron en el Top 75, en el número 60 y 64 respectivamente.

"Teddy Picker" fue el tercer sencillo del álbum, y fue lanzado el 3 de diciembre de 2007. Antes del lanzamiento, la banda sacó al mercado un número extremadamente limitado de 250 vinilos bajo el pseudónimo The Death Ramps conteniendo dos de los b-sides del sencillo de "Teddy Picker".

La banda empezó a escribir y grabar demos para el tercer álbum en enero de 2008, Turner comentó: "En las giras tocábamos siempre seis canciones nuevas, así que las grabamos. Vamos a tomarlo a la ligera, empezar a practicar en verano y hacer material nuevo".[40]

El guitarrista Jamie Cook anunció el 2 de julio de 2008 que estaban planeando empezar a escribir el tercer álbum en el transcurso del mes en la casa de Alex Turner en Sheffield. Cook dijo que estaba "emocionado" por comenzar, pero comentó que no sabía qué dirección tomaría la música.[41]

Habiendo sido previamente apoyados por Queens of the Stone Age en un concierto en Texas, la banda está grabando material para su próximo álbum con su lider Josh Homme como productor. Las sesiones serán grabadas en el estudio Rancho de la Luna en Joshua Tree, California, donde Homme graba con su proyecto paralelo The Desert Sessions.[42]

El 3 de noviembre vio la luz el DVD Arctic Monkeys at The Apollo. El mismo es un film de 76 minutos, del último concierto del tour mundial del 2007, en el Manchester Apollo. Éste cuenta con grandes tomas maestras en 35mm, como si se tratara de una película. La pieza estuvo a cargo de Richard Ayoade (director de Warped Films). La película fue estrenada en cines el 14 de noviembre

El 7 de noviembre de 2008, Matt Helders dijo en una entrevista que la grabación del álbum estaría completa para Diciembre, y que la banda estará de regreso en Inglaterra para terminar de mezclarlo.[43]

Estrenaron nuevo material en Wellington (Nueva Zelanda), en su primer concierto desde hacía más de un año, el 13 de enero de 2009. Las nuevas canciones que tocaron fueron "Crying Lightning", "Would You Like Me To Build You A Go-Kart?", "Dangerous Animals" y "Pretty Visitors". Ademas tocaron una versión de la canción "Red Right Hand" de Nick Cave. Durante su última gira, la banda tocaron también "Put Me In A Terror Pocket," "Sandtrap," y "The Fire and The Thud".

La salida del tercer álbum Humbug ha sido anunciada para el 24 de agosto del año en curso 2009 Producido por Josh Homme en el desierto Maojave y en Los Angeles y también con James Ford en Brooklyn. El nuevo álbum contiene diez nuevas canciones de Arctic Monkeys:

1. My Propeller
2. Crying Lightning
3. Dangerous Animals
4. Secret Door
5. Potion Approaching
6. Fire and the Thud
7. Cornerstone
8. Dance Little Lier
9. Pretty Visitors
10. The Jeweller's Hand

El nuevo álbum estará disponible en CD y en vinilo.

La banda ha sido criticada principalmente por la atención que ha recibido de parte de los medios.[44] Los críticos los han descrito como "uno de los tantos en una larga lista con exceso de atención de NME". El lanzamiento del EP Who the Fuck Are Arctic Monkeys a sólo 3 meses de su álbum debut, ha sido criticado por algunos, quienes han visto esto como una muestra de "avaricia", siendo acusados de querer "sacar partido de su éxito".[45] La banda contradijo ésas críticas argumentando que lanzan nueva música regularmente, no para hacer dinero, sino para evitar el "aburrimiento de estar tres años de gira con un solo álbum."[46]

La portada de Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, mostrando a Chris McClure, un amigo de la banda, fumando un cigarro, fue criticada por el líder del NHS en Escocia por "reforzar la idea de que fumar está bien."[47] La imagen del CD es una foto llena de cigarros apagados. El representante de la banda comentó lo opuesto: "Puedes ver en la imagen que el fumar no le está haciendo para nada bien."[47]

Arctic Monkeys fue parte de una caótica y muy criticada ceremonia en los Brit Awards de 2008, mientras aceptaban su premio de "Mejor grupo británico", hicieron bromas de haber ido a la BRIT School en Croyon.[48] La banda creció en Sheffield y en realidad no asistían a dicho colegio, simplemente estaban ridiculizando a los anteriores ganadores de la noche Adele y Kate Nash, quienes habían agradecido al público y a la escuela en su discurso de aceptación. El discurso fue editado por ITV.

Octubre de 2005 fue testigo de su primera aparición en TV inglesa. Tocaron en Popworld el 15, y en E4 Music y Later with Jools Holland el 28. Desde estas apariciones, la banda sorprendió al negarse a concurrir a cualquier otro programa de TV.[50] Continuamente rechazaron ofertas para tocar en el show de BBC Top of the Pops, así como en el programa de ITV CD:UK.

La negativa de la banda para asistir a los Brit Awards de 2006 fue vista originalmente como otro rechazo a la televisión, aunque luego aclararon que la ausencia se debió a compromisos previos en el NME Awards Tour. En un discurso grabado de aceptación para el rubro "Best British Breakthrough Act", el que dio las gracias fue un "misterioso quinto miembro".[51] éste era el líder de We Are Scientists, Keith Murray, un amigo de la banda, fue reclutado por la banda para "confundir a la audiencia". A pesar de su hostilidad por aparecer en la televisión de Reino Unido, la banda lo hizo en la TV americana, cuando se presentó en Saturday Night Live el 11 de marzo de 2006 para iniciar con su gira por Estados Unidos, cuyas entradas, en ese entonces, ya estaban agostadas. La banda tocó dos temas: "I Bet You Look Good on the Dancefloor" y "A Certain Romance", y curiosamente el bombo tenía escrito la palabra "ASBO".

En febrero de 2007 la banda no concurrió a la ceremonia de Brit Awards de 2007, debido a que ese mismo día se encontraban grabando el video de su nuevo sencillo "Brianstorm". Aún así fue reportado por los medios como un segundo "rechazo" a la ceremonia. Helders le dijo a BBC 6 Music:
Vamos a filmar el video ese día, así que no estaremos en ningún lugar cerca de ahí. No lo hemos cancelado, sólo somos chicos ocupados alistándose para salir de gira otra vez.
Matt Helders[52]

Igualmente se alzaron con dos galardones: "Mejor Banda Británica" y "Mejor Disco Británico". La banda mandó un video de discurso de aceptación, vestidos como personajes de El Mago de Oz y de Village People.[53] La banda también apareció en varios shows nocturnos como Late Night with Conan O'Brien, Late Show with David Letterman, Jimmy Kimmel Live! y Later with Jools Holland.

En febrero de 2008 asistieron a la ceremonia de los Brit Awards de 2008, donde ganaron los premios "Mejor Disco Británico" para Favourite Worst Nightmare y "Mejor Banda Británica". También fueron nominados para "Mejor Performance Británica en Vivo" pero perdieron contra Take That.

Estilo musical

Las principales influencias musicales de Arctic Monkeys son The Beatles, Oasis, The Stone Roses, The Jam, The Libertines, The Smiths, Paul Weller, Ian Brown David Bowie y The Strokes.

Las letras de las canciones de Arctic Monkeys frecuentemente hablan de la realidad social, como por ejemplo "A Certain Romance", la cual describe a la cultura indie; observaciones sobre la vida de la clase obrera, como en el tema "When the Sun Goes Down", descrita como una "canción ingeniosa e intensa acerca de la prostitución en el distrito de Neepsend de Sheffield."[6] Basados en su estilo musical, Arctic Monkeys han sido comparados con músicos como el rapero Mike Skinner, Morrissey y Jarvis Cocker,[6] conocidos por sus combinaciones de letras observacionales y humor. La inspiración principal de Arctic Monkeys viene de Francisco Canton, un viejo amigo que está con ellos desde el comienzo y a su vez es quien ayuda a escribir las canciones.[7]

El vocalista principal, Alex Turner, canta con un fuerte acento Yorkshiro. Éste se caracteriza por la contracción de "something" (algo) a "summat", también el uso de "dun't" y no "don't (no), el uso de "were" en lugar de "was" (fue), el reemplazamiento de "anything" (todo) y "nothing" (nada) por "owt" y "nowt", y el uso de argot inglés como "mardy" para "malhumorado, difícil, imprevisible."[54] Sus canciones también incluyen referencias a la cultura popular oscura y común; Whatever People Say I Am, That's What I'm Not hace referencias a Romeo y Julieta, "Roxanne" de The Police, y Frank Spencer.

En los conciertos, la banda es más bien conocida por el apoyo y participación del público que por el uso excesivo de efectos de luz y fuegos artificiales. Los fans frecuentemente se unen al comienzo de "When the Sun Goes Down", cantando la introducción completa.[55] Sus conciertos en vivo han sido criticados por algunos críticos. Por ejemplo, NME comparó su concierto en el Reading Festival en 2006 desafortunadamente con el de Muse, quien tocó después de ellos, usando múltiples fuegos artificiales y efectos de luz, argumentando que "en contraste con el concierto destellante, humeante, y lleno de fuegos artificiales de Muse, Arctic Monkeys simplemente entró sin siquiera tener la cortesía de bajar el telón".[55]

Arctic Monkeys fue la banda principal en el Festival de Glastonbury el 22 de junio de 2007, durante su aparición en vivo, la banda tocó con Dizzee Rascal y versionaron la canción de Shirley Bassey "Diamonds Are Forever".[56] La banda también tocó en un largo concierto en el Castillo de Malahide en Dublín el 15 de junio de 2007, con una segunda fecha añadida al día siguiente como respuesta a la alta demanda.[57] La banda también hizo una aparición en el Austin City Limits Music Festival en septiembre de 2007. También tocaron 2 días seguidos en la Cardiff International Arena el 19 y 20 de junio de 2007 apoyados por sus amigos locales, Reverend and the Makers. La banda también tocó 2 veces en el Alexandra Palace el 8 y 9 de diciembre de 2007. Fueron apoyados por The Rascals y The Horrors, también hubo una aparición sorpresa de Dizzee Rascal.

En política

La popularidad de Arctic Monkeys en Reino Unido, especialmente entre la gente joven, ha llevado a políticos y periodistas a mencionarlos en sus discursos y textos. En mayo de 2006, el entonces Ministro de Hacienda británico Gordon Brown mencionó en una entrevista, con la revista New Woman, que los escuchaba todos los días - "realmente te despiertan en la mañana",[58] aunque en otra entrevista fue incapaz de nombrar alguna de sus canciones.[59] En posteriores entrevistas Brown aclaró que él no había dicho que le gustaba la banda - "yo simplemente dije que te despiertan en la mañana".[60] En un discurso en la Labour Party Conference de 2006 sobre el riesgo del calentamiento global, bromeando dijo que estaba "más interesado en el futuro del círculo polar ártico (Arctic Circle) que de los Arctic Monkeys."[61] El líder del Partido Liberal Demócrata de Reino Unido Menzies Campbell también mencionó a la banda en la Conferencia Liberal Demócrata de 2006, diciendo que habían vendido más discos que The Beatles,un comentario que causó mucha burla por parte de los medios.

Discografía

* Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (2006)
* Favourite Worst Nightmare (2007)

Black Sabbath

Black Sabbath es un grupo británico de heavy metal formado en 1967 en Birmingham (Inglaterra). Fue compuesto inicialmente por Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward.

El amplio legado que dejó Black Sabbath hacia la ruptura a finales de la década del 70, no ha pasado desapercibido. Tanto así que bandas de la talla de Motörhead, Judas Priest, Iron Maiden, Pantera, Megadeth, Slipknot, Slayer y Metallica, principalmente, comentan haber tomado ese heavy oscuro, opresivo, duro y que a todas luces, ya desligaba de sus contemporáneos. Sus composiciones que entornaban atmósferas siniestras y demoníacas, anuncios apocalípticos, hicieron que Black Sabbath quedara relevado a un segundo plano ante la masiva popularidad de sus contemporáneos Led Zeppelin o Deep Purple. Pero el legado del Metal Sabbath ejercieron un poderoso magisterio sobre la mayoría de artistas y grupos en las subsiguientes décadas (Iron Maiden y Judas Priest en mayor grado), al tiempo que aportaba características que se convertirían en definitorias del heavy metal. Evidencia de ello son los covers de estas últimas.

En la actualidad, Ozzy Osbourne adquirió los derechos de Black Sabbath.

Black Sabbath se formó en Aston, Birmingham, Inglaterra en 1968 bajo el nombre de Polka Tulk Blues Band, luego "Earth Blues company", y más tarde Earth.[2] [3]

Earth manejó en un ambiente oscuro con su bajista Geezer Butler, un admirador de las novelas de magia negra de Dennis Wheatley. Geezer Butler escribió la canción Black Sabbath después de conseguir un libro oculto en latín y Butler tuvo una visión de una figura negra sentada en la esquina de su cama y le dijo a Ozzy de su visión. (from VH1 Black Sabbath Documentary)". Cerca de 1969, se encontró confundida con otra banda local llamada Earth. Después de ser llamada para hacer un concierto, encontraron al manager de la errónea Earth. Tony Iommi dijo que "nosotros morimos ahí" en su entrevista con The Last Supper. Como resultado, adoptaron el nombre de la canción para su banda.[4]

El grupo encontró su asignatura en un accidente. Cuando el grupo estaba grabando en un estudio, situado detrás de un cine de películas de terror, Osbourne llamó a Tony Iommi (vídeo referente: Don't Blame Me) le dijo al resto de la banda que era raro que la gente pagara para ver algo que les asustaría. Así, la banda comenzó a escribir canciones oscuras, canciones que servirían de respuesta para las películas de terror, y en rebelión hacia el pop alegre de los sesentas. En un documental de VH1 acerca de la banda, Osbourne renombró las letras de canciones en una radio amiga de pop del momento, "si tú siempre vas a San Francisco, siempre vas a tener una flor sobre tu cabello..." (ver: Scott McKenzie) - "deja eso" dijo él, "Deja eso y poseamos a la gente."

A par con su nuevo sonido heavy y el estado anticuado de Osbourne, la banda encontró el momento para grabar su primer álbum, Black Sabbath, publicado en 1969. Ellos lo grabaron con Warner Bros. Records para Estados Unidos y Canadá, y con Vertigo Records para el resto del mundo. Ellos grabaron el álbum Paranoid, en 1970, pero siempre prestaron atención en américa y en Gran Bretaña. La canción "War Pigs" fue escrita en protesta por la Guerra de Vietnam y originalmente estaba planeado ponerle ese nombre al álbum. La banda grabó "Paranoid" a último momento sólo como agregado del disco. La canción terminó poniéndole nombre al disco y fue el primer single que salió al aire en las radios.[5]

Otra innovación fue el producto de un accidente. Tony Iommi se lastimó dos dedos en su mano cuando trabajaba en una fábrica de metales. Inicialmente, se puso prótesis de plástico de una botella de detergente. Los dedos lesionados eran inestables y no podía tocar, por lo que Iommi modificó su guitarra Gibson a un standard E a C# (iniciando en su tercer álbum, Master of Reality). La tensión reducida de las cuerdas lo ayudó a tocar con la parte lesionada de sus dedos. Butler modificó su bajo afinado para parecerlo a la guitarra de Iommi. Las modificaciones le dieron un sonido más oscuro a la música de la banda.

Black Sabbath editó otro álbum en 1971, Master of Reality. Ese fue el primer disco en mostrar más material acústico. Esa fue otra "mirada" hacia el estilo de Black Sabbath, heavy y dark. Agregaron más variaciones en el momento de lanzar Black Sabbath, Vol. 4 en 1972. Protagonizando la balada "Changes" (conteniendo solo vocal, bajo, piano y mellotron) y temas de hard rock como "Supernaut" y "Snowblind" (incluyendo cuerdas), Black Sabbath, Vol. 4 fue el disco más maduro de la banda.

Para 1973, el grupo tenía suficiente popularidad, y la banda más atractiva en los escenarios. Su nuevo álbum, Sabbath Bloody Sabbath, tuvo a la banda trabajando con el teclista de Yes, Rick Wakeman en las sesiones. Asociado con el nombre, el álbum contiene una canción de rock espacial titulado "Spiral Architect", y la canción de rock progresivo titulada "A National Acrobat".

Hacia 1974 los integrantes de la banda eran constantes consumidores de drogas, en especial Osbourne y Ward que tomaron LSD "todos los días durante dos años". El cambio de casa discográfica significó un cambio abrupto en los componentes de Black Sabbath y en el siguiente álbum que la banda grabó con Warner Bros. Sabotage fue grabado en 1975, disco que consagro a la banda con singles como "Hole In The Sky", "I'm Going Insane", "Megalomanía", estando ya hacia finales de 1976 en el topes de las listas de UK/E.E.U.U. con el Single "Symptom of the Universe". Este disco, producido por Mike Butcher, además de ser un precedente para la generación Thrash de la década del 80 (alusión hecha por James Hetfield), logra consiliar una perfecta interacción entre sus componentes, ya que por el corte medieval de "Megalomanía", "The Writ", "The Thrill Of It All" y la épica "Supertzar", anticipaban por completo el trabajo hecho por Blackmore/Dio en Rising de Rainbow. Sabotage destaca además por la fuerte presencia de Tony Iommi en la composición y también en la producción, agregando arreglos de EnglishChoirs, proporcionados por un Mellotrón (tocado por Gerald Woodruffe), Arpas y otros efectos y detalles técnicos que sin lugar a dudas, le otorgaron a Sabotage una atmósfera inigualable y constituyen otro más de sus adelantos compositivos a la época. Paralelamente a ello, comienzan a vislumbrarse conflictos al interior de la banda, principalmente por la fuerte adicción a las drogas de Ozzy Osbourne como también la excentricidad de éste hacia sus compañeros.

Technical Ecstasy (1976) fue el siguiente trabajo, el cual coincide con que el grupo había caído en una cierta autocomplacencia. El álbum fue grabado con orquestas sinfónicas, tranquilas canciones interpretadas por el batería Bill Ward en "It's Alright" siguiendo un pedido de Osbourne durante las sesiones de grabación. Este disco le brindo a la banda innumerables y despiadadas críticas en la época, pero igualmente los singles "Dirty Women", "Rock 'n' Roll Doctor" tuvieron cierto éxito en las listas americanas. Después del tour de 1977, Osbourne se desliga de la banda temporalmente, por lo cual hay varias canciones interpretatdas por el cantante Dave Walker, formado en Savoy Brown. Este disco editado y publicado en 1976 constituye uno de los más inventivos y originales álbumes de estudio de Black Sabbath, refutando la impresión de la poca creatividad en estos años. Walker formó parte de las sesiones de grabación de la banda cantando canciones largas con letras severas. Esta versión de los Sabbath se dio a conocer en la canción "Junior's Eyes" en el programa de la BBC: 'Look Here!' (mira aquí!), en enero de 1978.

Osbourne reaparece en la banda y comienza a trabajar en el próximo álbum. Never Say Die aparece en septiembre de 1978, en el cual desprende la parte más experimental de la conformación original, el álbum contenía muchos elementos de jazz, synth-pop y blues, pero comparado con el anterior disco, era de notoria menor calidad. El abandono de Ozzy Osbourne se hace efectivo tras la edición de Never Say Die, y tras la actuación en el décimo aniversario de Black Sabbath, registrado en película con el nombre de 10 Years Of.... Black Sabbath Anniversary, editado actualmente en DVD como Black Sabbath Never Say Die!.

Osbourne fue expulsado de la banda oficialmente en 1979, comentando en una entrevista en la que dio a conocer (encontrado en el tema bonus The Ozzman Cometh) que abandonó la banda por problemas de adicción. El hecho de la expulsión de cierta forma le vino a benificiar a Ozzy ya que alentado por su esposa Sharon (Hija del entonces manager de Black Sabbath Don Arden) le convence de seguir adelante como solista; su nueva banda se llamaría Blizzard of Ozz. Para ello convocaría al guitarra llamado Randy Rhoads ex-Quiet Riot.

El cantante de Rainbow, Ronnie James Dio participaría en el siguiente álbum de Black Sabbath, Heaven and Hell, fue el suceso que revitalizó la banda desde el álbum de 1975 Sabotage. Y fue en este tour que Dio popularizó el gesto mano cornuta, que se convirtió en un gesto que define al heavy metal en general. El álbum también tiene la inclusión del guitarrista y teclista de Quartz, Geoff Nicholls en sesiones musicales (Nicholls nunca fue un miembro oficial del grupo, y generalmente toca en shows en vivo como invitado, pero co-escribió muchas canciones y estuvo en la reencarnación en 2001). También durante el tour, el baterista Bill Ward se fue de la banda por problemas personales (Sus dos padres murieron dentro de un corto plazo, y Ward cayo en el alcoholismo y otras adicciones).

El baterista Vinny Appice fue elegido para terminar el tour y grabar el siguiente disco, Mob Rules, la canción a la que se debe su título apareció en la película Heavy Metal. Después, la canción aparecida en la película y en su soundtrack es una versión alternativa que apareció en Mob Rules.

Por el receso en 1980 con el álbum en vivo Live at Last (Grabado en la era de Osbourne durante 1973 en el tour Sabbath, Bloody Sabbath) pronto la banda grabó un álbum en vivo durante el tour Mob Rules, titulado Live Evil. Durante el mezclado de Live Evil, Iommi y Butler por un lado, y Dio y Appice por el otro, se acusaron mutuamente de querer llevarse el protagonismo en la banda, razón por la cual Dio renuncia a Black Sabbath llevandose a Vinnie Appice a su futura banda solista, DIO (Revista Epopeya #8, noviembre de 1997)

Black Sabbath vuelve a la escena en 1983, con el disco Born Again e Ian Gillan en las vocales. No sólo esta alineación resultó sorpresiva para muchos, también el hecho de que durante la gira se incluyera la canción Smoke on the Water. Gillan se separó amistosamente de la banda debido a la reunión de Deep Purple en 1984.

Después de la salida de Ian Gillan, Black Sabbath pasó por un periodo de dificultades y múltiples ajustes en la alineación. Particularmente, entre los vocalistas considerados pueden mencionarse David Donato y Jeff Fenholt. Este último grabó un demo para el disco Seventh Star, que no es oficialmente un disco de Black Sabbath, sino un disco solista de Tony Iommi que, debido a presiones de la disquera, fue titulado "Black Sabbath featuring Tony Iommi". El cantante oficial fue otro ex integrante de Deep Purple: Glenn Hughes. En los créditos del disco puede observarse que Iommi fue el único miembro original de Sabbath. Poco después de haber iniciado la gira, Hughes fue despedido debido a sus problemas con las drogas y Ray Gillen la concluyó.

Ray Gillen grabó el demo del que sería el próximo disco de Black Sabbath, que no vio la luz con su voz debido a diferentes discusiones con Tony Iommi, que derivaron en su salida del grupo junto con Eric Singer para formar Badlands. Fue en 1987 que Iommi consiguió reformar a Black Sabbath, con Tony Martin en las vocales. Graban por fin The Eternal Idol (1987). Posteriormente se incorpora Cozy Powell, quien participaría en Headless Cross (1989) y Tyr (1990). Después de este disco, Sabbath sufre nuevos ajustes debido a la reunión con Ronnie James Dio en 1992.

En 1992 se reúne la alineación de Heaven and Hell, Mob Rules y Live Evil: Iommi, Butler, Dio y Appice. Graban el disco Dehumanizer y realizan una gira. Sin embargo, nuevamente las diferencias son motivo de separación.

Sabbath convoca de nueva cuenta a Tony Martin, con quien graban Cross Purposes en 1994, con Bobby Rondinelli en la batería. De la gira de este disco surge Cross Purposes Live. Cabe señalar que originalmente se trataba de un proyecto de Iommi y Butler, pero de nueva cuenta las presiones de la discográfica obligaron a presentarlo como un disco de Black Sabbath. En 1995 aparece Forbidden, último disco en estudio de Black Sabbath.

En el verano del 1997, en la fiesta de rock de Ozzy Osbourne, Ozzfest, la banda se reunió oficialmente; Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward volvieron a tocar juntos como Black Sabbath (Si bien ya habían habido algunas reuniones, como la de Geezer Bulter junto a Ozzy, para discos en solitario, como ser el disco Ozzmosis, por ejemplo). Lo que parecía una gira de reunión se convirtió en casi 10 años de giras juntos. La banda no solo grabó discos compilados en esa época, por su vuelta a escena, tal como es el caso de "Sympton of the universe: the original Black Sabbath", sino que, en 1998 grabaron, el famoso disco que se titularía simplemente Reunion, el cual es un disco doble en vivo, tocando sus mayores éxitos; pero que, aparte tendría 2 novedades: "Psycho Man" y "Selling My Soul", dos canciones que marcarían la vuelta a estudio de la banda. Estas dos canciones (al igual que el disco completo) fueron un éxito, no solo comercial, sino entre los fans. Pero la exitosa reunión no terminaría ahí, casi como si fuera a propósito, aprovechando la reunión, el Salón de la Fama del Rock, en el 2006, junto a otras bandas como Sex Pistols ingresa a Black Sabbath, con su formación original, obligando una nueva unión de los metaleros.

n el 2006 Ozzy y Bill se separarían nuevamente de la banda, tras su exitosa reunión, para trabajar en solitario. Esto marcaría el regreso de Dio a la banda, pero no sería tan sencillo. Tony Iommi, tras la junta de la formación original, y la entrada de la banda al Salón de la Fama del Rock, decidiría no seguir con el nombre de Black Sabbath en su gira con Dio, y mientras Ozzy no participara de la banda, sorteándose así también, unos cuantos posibles problemas legales con el cantante. El nuevo nombre para la nueva banda sería Heaven and Hell, del cual solo Iommi y Geezer serían integrantes originales de Black sabbath, ocupando Dio las vocales y Vinny Appice la batería y percusiones. El nombre de la banda se debe al álbum "Heaven and Hell", el cual fue el primero de Black Sabbath con Ronnie James Dio. La banda hizo una gira y posteriormente saco un disco en vivo titulado Live from Radio City Music Hall que se compondría totalmente de canciones de la época de Black Sabbath junto a Dio.

Discografía
Álbumes de estudio

* Black Sabbath (1970)
* Paranoid (1970)
* Master of Reality (1971)
* Black Sabbath Vol. 4 (1972)
* Sabbath Bloody Sabbath (1973)
* Sabotage (1975)
* Technical Ecstasy (1976)
* Never Say Die! (1978)
* Heaven and Hell (1980)
* Mob Rules (1981)
* Born Again (1983)
* Seventh Star (1986)
* The Eternal Idol (1987)
* Headless Cross (1989)
* Tyr (1990)
* Dehumanizer (1992)
* Cross Purposes (1994)
* Forbidden (1995)

The Killers

The Killers es un grupo musical estadounidense formado en Las Vegas, Nevada. El grupo se formó en 2002 y consta de cuatro miembros: Brandon Flowers (voz y teclado), Dave Keuning (guitarra y voz), Mark Stoermer (bajo y voz) y Ronnie Vannucci Jr. (batería y percusión) con Ray Suen proporcionando ayuda ocasional en eventos en vivo.

Caracterizados por combinar estilos de música de los años 1980 y 1990 con música contemporánea, The Killers lanzó su álbum debut, Hot Fuss, en 2004. Su segundo álbum, Sam's Town, fue lanzado en 2006 seguido al año siguiente por un álbum de recopilaciones, llamado Sawdust, el cual contiene principalmante lados-B y otros temas. Entre sus primeros dos álbumes de estudio vendieron alrededor de 12 millones de copias a nivel mundial. Su tercer disco de estudio titulado Day and Age fue lanzado en 2008 con la producción de Stuart Price.

En 2001, Brandon Flowers fue abandonado por su primer grupo, una banda de synth pop conocida como Blush Response, después de que se negó a mudarse con el resto de los integrantes a Los Ángeles, California. Entonces conoció a David Keuning al responder a una solicitud que Keuning había puesto en el periódico "The Sun". Flowers y Keuning les propusieron a Ronnie Vannucci Jr. y Mark Stoermer que se unieran a "The Killers", nombre que viene de la batería de una banda ficticia en un video de New Order, de su canción Crystal.

En un principio, The Killers se presentaban en grandes clubs de Las Vegas, Nevada. Con la alineación estable de la banda y su repertorio de canciones expandiéndose, la banda comenzó a atraer la atención de productores talentosos, gerentes locales, discográficas, — y un representante británico para la Warner Bros. Aun cuando el representante terminó sin darle importancia a la banda, se quedó con la demo, y se la mostró a un colega que trabajaba para la discográfica Lizard King. The Killers firmaron ese verano con la compañía británica.

Hot Fuss

Lanzaron su álbum debut, Hot Fuss, el 7 de junio de 2004 con la discográfica indie Lizard King situada en Londres (ahora Marrakesh Records), y el 15 de junio en los EE.UU.. Hot Fuss ha sido clasificado con 4x Platino por la BPI y 3x Platino por RIAA. La banda también tuvo éxito en las listas con sus sencillos Mr. Brightside, que alcanzó el Top 10 en el Reino Unido cuando fue lanzado, y All These Things That I've Done que fue usado para un comercial de TV de Nike basado en las olimpiadas. Sin embargo, su mayor hit vino cuando lanzaron la re-edición de Somebody Told Me el cual llegó al #3 de las listas de éxitos.

Sam's Town
The Killers en unos de los conciertos del tour Sam's Town

El segundo álbum de The Killers, Sam's Town, fue lanzado el 2 de octubre de 2006, en el Reino Unido, y el 3 de octubre en EE.UU., con la compañía Island Def Jam Music Group . Brandon Flowers dijo que Sam's Town será "uno de los mejores álbumes de los últimos 20 años" y aunque el álbum ha recibido críticas mixtas de parte de los medios y de los fans, se ha mantenido con un estátus popular. El primer sencillo de Sam's Town, When You Were Young, debutó en las estaciones de radio el 26 de julio, 2006. El sencillo entró entonces a la tabla de descargas en el #5, y la siguiente semana, en su lanzamiento oficial al #2 en la tabla de sencillos del Reino Unido. Su segundo sencillo, Bones, el siguiente video de la banda, fue dirigido por Tim Burton. Para promocionar Sam's Town, la banda regresó como invitado principal para la premiere de la temporada #32 de Saturday Night Live el 30 de septiembre, de 2006, donde tocaron When You Were Young y Bones. El álbum vendió 700,000 copias en todo el mundo en su primera semana, debutando en el #2 en Billboard. Hasta el momento, The Killers han producido 4 sencillos del álbum: When You Were Young lanzado en septiembre, Bones en noviembre, Read My Mind en febrero, y For Reasons Unknown en junio.

The Killers grabó sesiones en vivo en Abbey Road el 29 de noviembre de 2006. El resultado fue un set casi totalmente unplugged, el cual incluía una versión del hit de Dire Straits, Romeo and Juliet. En febrero de 2007, The Killers acudieron a los premios británicos, donde tocaron When You Were Young. La banda ganó dos premios - Grupo Internacional y Álbum Internacional.
Brandon Flowers en un concierto de Las Vegas

Sawdust

Sawdust es un disco de recopilaciones de caras-B, rarezas, versiones y remezclas, que fue lanzado en varios mercados entre el 9 y el 13 de noviembre de 2007. El álbum se anunció por primera vez en una entrevista con Brandon Flowers a finales de agosto de 2007, y la revista de Rolling Stone reveló el nombre del disco de recopilación en la "Sección de fumar" del 6 de septiembre de 2007.

Contiene 18 canciones, entre las cuales se encuentran 2 canciones nuevas, 1 cover de Joy Division, 2 canciones no lanzadas antes, 11 recopilaciones, 1 remix, y una canción escondida.

Day and Age

Day and Age es el cuarto álbum de estudio de la banda. El título fue confirmado en una entrevista con NME en el festival de Reading and Leeds con Brandon Flowers. El primer sencillo del álbum tiene como nombre "Human", y fue lanzado el 30 de septiembre de 2008. El álbum salió a la venta el 25 de noviembre del año, (24 de noviembre en el Reino Unido) de acuerdo con DirectCurrentMusic.com.

Flowers declaró sobre este disco que aún no hay un concepto claro para el cuarto álbum. Flowers también declaró que estaba emocionado por tocar su nueva canción "Tidal Wave", influenciada por Drive-In Saturday de David Bowie y I Drove All Night de Roy Orbison. El trabajo en el álbum ha sido hecho de forma internacional, con las demos mandadas desde Las Vegas a Stuart Price en el Reino Unido, quien después discute con la banda acerca de su trabajo. La canción "Human" también fue tocada en los "MTV Europe Music Awards Liverpool 2008"

Miembros

Los miembros de la banda son:

* Brandon Flowers, vocalista y teclado
* David Keuning, guitarra.
* Mark Stoermer, bajo.
* Ronald Vanucci Jr., batería.

Controversia

Desde que recibieron platino, la banda (y principalmente Brandon Flowers) ha iniciado ciertas rivalidades - más notablemente con The Bravery y Fall Out Boy, los cuales son por cierto compañeros de discográfica (Island Records). Flowers comentó que estas bandas, especialmente The Bravery, están compitiendo con la popularidad de The Killers. Adicionalmente, en un artículo de NME, Flowers declaró que Fall Out Boy estaba malgastando las ganancias de A&R (Siglas de Artist & Repertorie). Esto hizo enojar al bajista de Fall Out Boy, Pete Wentz. Sin embargo, después de que Wentz hizo varias declaraciones en su blog en septiembre de 2005, ofreció una tregua. Desde entonces, Flowers se disculpó con The Bravery, Fall Out Boy, y Panic at the Disco, diciendo "Me gustaría retirar lo que dije. Esas personas sólo están haciendo lo que les gusta hacer, como yo", y dijo que "no estaba orgulloso" de sus declaraciones anteriores.

Discografía
Artículo principal: Discografía de The Killers

* 2004: Hot Fuss.
* 2006: Sam's Town.
* 2007: Sawdust.
* 2008: Day and Age.

Videografía

* Mr. Brightside - Versión para el Reino Unido
* Somebody Told Me - Dirigido por Brett Simon
* All These Things That I've Done - Versión para el Reino Unido
* Mr. Brightside - Segunda versión; dirigido por Sophie Muller
* Smile Like You Mean It - Versión para el Reino Unido
* All These Things that I've Done - Segunda versión; dirigido por Anton Corbijn
* When You Were Young - Dirigido por Anthony Mandler
* Bones - Dirigido por Tim Burton
* A Great Big Sled
* Read my Mind - Dirigido por Diane Martel
* For Reasons Unknown
* Shadowplay
* Tranquilize (ft. Lou Reed)
* Don't Shoot Me Santa
* Human
* Spaceman
* The World We Live In

The Kinks

The Kinks fue un grupo musical británico formado en Londres en los años 60 por los hermanos Ray y Dave Davies. Desde sus primeros tiempos estaban muy influidos por el Rock and roll y el Rhythm & blues norteamericanos. En 1964 consiguieron su primer nº 1 en las listas británicas con "You Really Got Me", su canción más emblemática, dándose a conocer como parte de la Invasión Británica en Estados Unidos (nº 7 en Billboard) Esta canción ha permanecido como una de las más significativas de la década de los 60 y su sonido es considerado precursor del Hard rock.

La evolución como compositor de Ray Davies, llevó al grupo a una segunda época con un sonido mucho más "británico" y Pop, que les proporcionó éxitos como “Sunny Afternoon” o “Waterloo Sunset”. Sus trabajos en estos años han ejercido gran influencia en movimientos tan distintos como el Glam Rock, el Punk, o la New Wave , a pesar de que, en términos de popularidad y apoyo de su discográfica, siempre estuvieron a la sombra de The Beatles, The Rolling Stones o The Who.

En 1970 y tras un período de menor presencia en las listas, alcanzaron su último nº 1 en el Reino Unido con el single “Lola”. Sus problemas con la discográfica Pye les llevó a firmar por RCA, iniciando una fase caracterizada por el rock con tintes teatrales. Debido a la falta de apoyo promocional, el grupo pasó a un segundo plano, sobre todo en su país, lo que hace que se trasladen a los Estados Unidos. Allí firmaron con Arista, discográfica con la que disfrutaron de un nuevo periodo de éxito en el cambio de década y los primeros años 80, éxito que no se volvió a repetir hasta su separación en 1997.

Los hermanos Davies crecieron en el barrio de Muswell Hill, en Londres, en una familia numerosa. Ray Davies estudió en el Hornsey College of Art y adquirió experiencia musical como guitarrista en el grupo del Soho Dave Hunt Band, en 1963. El hermano de Ray, Dave, y su compañero de colegio Pete Quaife formaron un grupo y poco después propusieron a Ray que se uniera a ellos. Quaife, igual que los hermanos Davies, tocaba la guitarra, pero decidió pasarse al bajo.

En el verano boreal de 1963, el grupo formado por Ray, Dave y Pete Quaife fue bautizado "The Ravens" ("Los Cuervos") e incorporó a un nuevo miembro, el baterista Mickey Willet. Poco después, Willet sería sustituido por Mick Avory, quien había tocado anteriormente con otro grupo que estaba en sus comienzos, los futuros Rolling Stones. The Ravens alternaban sus primeras actuaciones bajo este nombre con otras en las que tocaban como banda acompañante del cantante Robert Wace, con el nombre de "Boll Weevils", inspirado en una canción del artista de Rhythm and Blues Bo Diddley.

Una maqueta con grabaciones del grupo llegó a las manos del productor estadounidense Shel Talmy, quien convenció a la compañía discográfica Pye Records para que les diese la oportunidad de grabar en un estudio. El grupo firmó un contrato para grabar tres discos sencillos, que la compañía tenía la opción de renovar si los resultados eran satisfactorios. Aunque los Kinks tenían varias canciones propias, escritas por Ray Davies (entre ellas, su futuro gran éxito You Really Got Me), la canción elegida para su primer disco fue una versión del clásico de Little Richard, Long Tall Sally, que poco después tuvo un gran éxito en la versión de los Beatles.

Con motivo de su inminente estreno discográfico, Larry Page bautizó al grupo como The Kinks (en traducción aproximada, "los raros") y proveyó a sus integrantes de un llamativo y exótico vestuario, adquirido en Carnaby Street, que el propio Ray Davies describiría después como una mezcla de trajes de Robin Hood con complementos de cuero al estilo de la serie de televisión Los vengadores.[1]

El single se publicó en febrero de 1964, acompañado de una intensa campaña publicitaria. El grupo apareció en el programa de televisión Ready Steady Go!, y fotografías de su actuación se publicaron en la influyente revista New Musical Express. No obstante, no se logró el éxito esperado, ya que la canción sólo alcanzó el número 42 en la lista de éxitos de la revista Melody Maker. Dieron varios conciertos dentro y fuera de Londres, y tuvieron un discreto éxito ante el exigente público de The Cavern, el famoso local de Liverpool desde donde los Beatles habían saltado a la fama. Sin embargo, tampoco el segundo sencillo, "You Still Want Me", editado en abril, logró el éxito deseado. Se vendieron 127 copias.[2] La discográfica advirtió al grupo que un tercer fracaso daría al traste con su incipiente carrera.

El éxito llegó de la mano del tercer single, "You Really Got Me", un "extraño pero poderoso" tema para la época, que alcanzó el número 1 en las listas en el Reino Unido y estuvo entre los diez primeros en Estados Unidos. La canción, una de las más influyentes en la historia del pop y el rock de los años 60 y 70, se basa en un riff de sólo dos acordes que Dave Davies, según la historia varias veces referida por él y por su hermano Ray, consiguió casualmente cuando conectó agujas de coser a su amplificador. La repetición del riff a intervalos le dio al Rock por primera vez un ritmo de caracter ^machacón*, que sería años después explotado por el Hard Rock, Glam Rock, Heavy Metal y el Punk Rock. Según muchos críticos, You Really Got Me puede considerarse la primera canción de hard rock de la historia. En la grabación del tema intervino también Jimmy Page, futuro guitarrista de Led Zeppelin, pero no tocó la guitarra, sino únicamente la pandereta.

El éxito de You Really Got Me convenció a los directivos de Pye Records de que valía la pena confiar en el criterio de Ray Davies. El éxito volvió a sonreír al grupo en su cuarto sencillo, "All Day and All of the Night", también basado en un efectivo riff de Dave Davies, que llegó al número 2 en las listas británicas y al 7 en las estadounidenses.

El grupo continuó su ascendente carrera, y en los dos años siguientes editó tres álbumes ("Kinks", en octubre de 1964; "Kinda Kinks" en febrero de 1965; y "The Kinks Kontroversy", en febrero de 1966) y numerosos EPs, al mismo tiempo que realizaban giras interminables, que produjeron tensión en el seno de la banda. A raíz de conflictos con los promotores de la gira por Estados Unidos que realizaron en el verano boreal de 1965, la American Federation of Musicians Union consiguió que se les prohibiese actuar en Estados Unidos durante los cuatro años siguientes, lo que apartó al grupo del mercado norteamericano, el más grande del negocio musical.

Tal vez por esto, las canciones de Ray Davies se volvieron más introspectivas, ahondando en la tradición musical inglesa, desde el folk hasta el music-hall y diferenciándose progresivamente del trabajo de los grupos británicos de la época. Estos cambios se hicieron evidentes en las canciones "A Well Respected Man" y "Dedicated Follower of Fashion", del álbum The Kinks Kontroversy, donde Ray demostraba su talento para la observación y el estudio de caracteres y el comentario social. El tema satírico "Sunny Afternoon" fue el mayor éxito del verano boreal de 1966 en el Reino Unido, alcanzando el número 1 de las listas de éxitos.

Época dorada (1966-1972)

Tras este breve período de tiempo —verano boreal de 1966— en el que The Kinks "luchó" contra The Rolling Stones por ser la segunda banda británica tras los Beatles y hasta 1972, el cuarteto publicó varios trabajos aclamados por la crítica y con una notable aceptación por parte del público: Face to Face, Something Else, Arthur, Village Green, Lola y Muswell Hillbillies.

"Sunny Afternoon" se incluyó en el primero de estos álbumes, Face To Face, un álbum repleto de canciones acerca de la gente común y de la vida cotidiana. "Dead End Street", una canción de contenido social, se editó como single por la misma época, aunque no aparece en el álbum, y alcanzó un importante éxito.

En mayo de 1967 regresaron con otra de las grandes canciones de Ray Davies, "Waterloo Sunset" ("Puesta de sol en Waterloo"), una canción sencilla y emotiva en la que el cantante observa a la multitud desde su ventana, y describe el encuentro de dos amantes, Terry y July, en la estación de Waterloo. Davies rechazó la interpretación de que los personajes de la canción fueran en realidad los actores Terence Stamp y Julie Christie. En septiembre se publicó su nuevo álbum, Something Else by The Kinks, que continuaba la línea del anterior Face To Face.

A partir de 1972
A mediados de los '70 el lanzamiento de varias óperas rock, no entendidas por buena parte del público, unido al cambio de casa discográfica, se tradujo en un bache para la banda en lo que a ventas se refiere. Se recuperaron algo de éste con una serie de trabajos menores entre 1979 y 1984, gracias a las ventas en Estados Unidos, donde estuvieron vetados hasta finales de los 60 debido a una discusión entre Ray Davies y el director de la federación de músicos americanos.

Miembros [editar]
(Feb de 1964-Junio de 1966, Nov 1966-1969)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, armónica, teclados, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* Pete Quaife - bajo, voces

(Junio-Nov 1966, 1969-1970)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, armónica, teclados, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* John Dalton - bajo, voces

(1970-1976)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, armónica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* John Dalton - bajo, voces
* John Gosling - teclados

(1976-1978)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* Andy Pyle - bajo
* John Gosling - teclados

(1978)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* John Dalton - bajo, voces
* Gordon John Edwards - teclados, voces

(1978-1979)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* Jim Rodford - bajo, voces

(1979-1984)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Mick Avory - batería
* Jim Rodford - bajo, voces
* Ian Gibbons - teclados, voces

(1984-1989)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Bob Henrit - batería
* Jim Rodford - bajo, voces
* Ian Gibbons - teclados, voces

(1989-1993)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición, teclados
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Jim Rodford - bajo, voces
* Bob Henrit - batería
* Mark Haley - teclados, voces

(1993-1996)

* Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
* Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
* Jim Rodford - bajo, voces
* Ian Gibbons - teclados, voces
* Bob Henrit - batería

Discografía

Álbumes
En estudio (discografía británica)

* The Kinks (Pye, 1964)
* Kinda Kinks (Pye, 1965)
* The Kink Kontroversy (Pye, 1965)
* Face to Face (Pye, 1966)
* Something Else by The Kinks (Pye, 1967)
* The Kinks Are the Village Green Preservation Society (Pye, 1968)
* Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (Pye, 1969)
* Lola versus Powerman and the Moneygoround, Part One (Pye, 1970)
* Percy (Banda sonora) (Pye, 1970)
* Muswell Hillbillies (RCA, 1971)
* Everybody's in Show-Biz (RCA, 1972)
* Preservation Act 1 (RCA, 1973)
* Preservation Act 2 (RCA, 1974)
* Soap Opera (RCA, 1975)
* Schoolboys in Disgrace (RCA, 1976)
* Sleepwalker (Arista, 1977)
* Misfits (Arista, 1978)
* Low Budget (Arista, 1979)
* Give the People What They Want (Arista, 1981)
* State of Confusion (Arista, 1983)
* Word of Mouth (Arista, 1984)
* Think Visual (London, 1986)
* UK Jive (London, 1989)
* Phobia (London, 1993)

Directos

* Live at Kelvin Hall (Pye, 1968)
* One for the Road (Arista, 1980)
* The Road (London, 1988)
* To the Bone (Konk, 1994 / Guardian, 1997)

Principales Recopilatorios

* The Kinks ("The Black Album") (Pye, 1970)
* The Kink Kronikles (Reprise, 1972)
* The Great Lost Kinks Album (Reprise, 1973)
* The Kink's Greatest - Celluloid Heroes (RCA, 1976)
* Come Dancing with The Kinks - The Best of The Kinks 1977-1986 (Arista, 1986)
* The Album that Never Was (PRT, 1987)
* The EP Collection Vol. 1 & 2 (See For Miles, 1990/91)
* Fab Forty: The Singles Collection 1964-1970 (Charly, 1990)
* Lost and Found (1986-1989) (MCA, 1991)
* BBC Sessions 1964-1977 (Sanctuary, 2001)
* The Ultimate Collection (Sanctuary, 2002)

Sencillos

(discografía británica)

* "Long tall Sally"/ "I took my baby home" (Pye, 1964)
* "You still want me"/ "You do something to me" (Pye, 1964)
* "You really got me"/ "It's alright" (Pye, 1964)
* "All day and all of the night"/ "I gotta move" (Pye, 1964)
* "Tired of waiting for you"/ "Come on now" (Pye, 1965)
* "Everybody's gonna be happy"/ "Who'll be the next in line" (Pye, 1964)
* "Set me free"/ "I need you" (Pye, 1965)
* "See my friends"/ "Never met a girl like you before" (Pye, 1965)
* "Till the end of the day"/ "Where have all the good times gone" (Pye, 1965)
* "Dedicated follower of fashion"/ "Sittin' on my sofa" (Pye, 1966)
* "Sunny afternoon"/ "I'm not like everybody else" (Pye, 1966)
* "Dead end street"/ "Big black smoke" (Pye, 1966)
* "Waterloo sunset"/ "Act nice and gentle" (Pye, 1967)
* "Atumn almanac"/ "Mr. Pleasant" (Pye, 1967)
* "Wonderboy"/ "Polly" (Pye, 1968)
* "Days"/ "She's got everything" (Pye, 1968)
* "Plastic man"/ "King Kong" (Pye, 1969)
* "Drivin'"/ "Mindless child of motherhood" (Pye, 1969)
* "Shangri-la"/ "This man he weeps tonight" (Pye, 1969)
* "Victoria"/ "Mr. Churchill says" (Pye, 1969)
* "Lola"/ "Berkeley mews" (Pye, 1970)
* "Apeman"/ "Rats" (Pye, 1970)
* "God's children"/ "The way love used to be" (Pye, 1971)
* "Supersonic rocket ship"/ "You don't know my name" (RCA, 1972)
* "Celluloid heroes"/ "Hot potatoes" (RCA, 1972)
* "Sitting in the midday sun"/ "One of the survivors" (RCA, 1973)
* "Sweet lady Genevieve"/ "Sitting in my hotel" (RCA, 1973)
* "Mirror of love"/ "He's evil" (RCA, 1974)
* "Holiday romance"/ "Shepherds of the nation" (RCA, 1974)
* "Ducks on the wall"/ "Rush hour blues" (RCA, 1975)
* "You can't stop the music"/ "Have another drink" (RCA, 1975)
* "No more looking back"/ "Jack the idiot dunce"/ "The hard way" (RCA, 1976)
* "Sleepwalker"/ "Full moon" (Arista, 1977)
* "Juke box music"/ "Sleepless night" (Arista, 1977)
* "Father Christmas"/ "Prince of the punks" (Arista, 1977)
* "A Rock'n'Roll fantasy"/ "Artificial light" (Arista, 1978)
* "Live life"/ "In a foreign land" (Arista, 1978)
* "Black messiah"/ "Misfits" (Arista, 1978)
* "(Wish I could fly like) Superman"/ "Low budget" (Arista, 1979)
* "Moving pictures"/ "In a space" (Arista, 1979)
* "Pressure"/ "National health" (Arista, 1979)
* "Better things"/ "Massive reductions" (Arista, 1981)
* "Predictable"/ "Back to front" (Arista, 1981)
* "Come dancing"/ "Noise" (Arista, 1982)
* "Don't forget to dance"/ "Bernadette" (Arista, 1983)
* "Good day"/ "Too hot" (Arista, 1984)
* "Do it again"/ "Guilty" (Arista, 1985)
* "How are you"/ "Killing time" (London, 1986)
* "Lost and found"/ "Killing time" (London, 1987)
* "The road"/ "Art lover" (London, 1988)
* "Down all the days (till 1992)"/ "You really got me" live (London, 1989)
* "How do I get close"/ "War is over" (London, 1990)
* "Scattered"/ "Hatred (a duet)"/ "Days" (Columbia, 1993)
* "Only a dream"/ "Somebody stole my car" (Columbia, 1993)

EP's

(no recopilatorios)

* Kinksize Session (Pye, 1964)

1. "Louie Louie" (Richard Berry)
2. "I gotta go now"
3. "Things are getting better"
4. "I've got that feeling"

* Kwyet Kinks (Pye, 1965)

1. "Wait till the summer comes along"
2. "Such a shame"
3. "A well respected man"
4. "Don't you fret"

The Animals

The Animals fue un grupo musical británico de los años 60 que adquirió renombre internacional gracias a su estilo de blues eléctrico. Su canción más famosa es The House of the Rising Sun. El grupo estuvo inicialmente formado por Eric Burdon (líder y vocalista), Alan Price (teclados), Hilton Valentine (guitarra), John Steel (batería), y Chas Chandler (bajo).
Los integrantes del grupo "The Animals" eran originarios de la localidad portuaria de Newcastle-upon-Tyne en el noreste de Inglaterra. La creación del grupo data del 1962 cuando Eric Burdon se unió a la "Alan Price Rhythm and Blues Combo", que cambió desde entonces su nombre por el de "The Animals". Su música se basaba esencialmente en el blues y rhythm and blues y se dedicaban a hacer versiones de canciones de John Lee Hooker, Sam Cooke, Ray Charles, Nina Simone y Jimmy Reed.

Ese mismo año, el grupo gestiona su propio EP y el éxito en su localidad natal fue tan notorio que el mánager de los Yardbirds, Giorgio Gomelsky, los convenció para que se instalaran en Londres en 1964. Durante un tiempo, tocaron en el local propiedad de Gomelsky el "Crawdaddy Club". Fue allí donde conocieron al que sería su productor, Mickie Most. Con él firmaron su primer contrato de grabación, con la disquera EMI. En febrero de 1964, entraron a estudios para grabar su primer sencillo "Baby Let Me Take You Home" (adaptación de la canción de Bob Dylan "Baby Let Me Follow You Down") y que llegó al número 21 de las listas inglesas.

Siguió la adaptación de otra canción también interpretada por Dylan, "The House of the Rising Sun", que les llevaría a ser el segundo grupo inglés que consigue el número uno en las listas británicas y americanas (tan solo lo habían hecho antes "The Beatles"). A finales de 1964, se edita su primer LP "The Animals". Durante ese año y 1965, llegaron otros éxitos como "I'm Crying" (nº8 en Gran Bretaña), "Don't Let Me Be Misunderstood" (nº3 en Gran Bretaña) y "We've Gotta Get Out of This Place" (nº2 en Gran Bretaña), a la vez que editan su segundo álbum "Animal Tracks".

En mayo de 1965, el teclista Alan Price deja la banda por razones personales y de salud (sobre todo, debido a un pánico a volar) y por la lucha por el liderazgo de la banda entre él y Burdon. Dave Rowberry sería quien sustituiría a Price en los teclados.

Pero la situación del resto del grupo tampoco era mucho mejor. Los componentes de la banda empezaban a tener la sensación que su música se estaba transformando en algo demasiado comercial (debido principalmente a las exigencias de Mike Frost y de la propia EMI Music). Es por ello, que a inicios del 1966 rompen su contrato con EMI y con Frost, no sin antes dejar otro éxito como "It's my life", número 7 en las listas británicas y el 23 en las americanas.

En 1966, el grupo firma un contrato con la compañía de discos Decca/London Records. Poco antes (en marzo), el batería John Steel dejaría el grupo y sería sustutído por Barry Jenkins. De todas maneras, la salida de Steel sería un preludio de lo que pasaría poco después. Aunque era cierto que editaron su único disco con Decca "Animalism" (junio de 1966) y que paralelamente EMI había lanzado los grandes éxitos de la banda, que fue uno de los más vendidos de la época, el grupo originario tan sólo sobrevivió a la salida de Steel seis meses. "The Animals" se disolvieron en septiembre de 1966.

En 1967, Eric Burdon intenta reformar la banda bajo el nombre de “Eric Burdon and The Animals”, que tuvo canciones de éxito moderado como “When I Was Young”, "Monterey" y "San Franciscan Nights", dando un nuevo aire al grupo en plena época de la psicodelia. Este grupo lo formaban, aparte del propio Burdon, Barry Jenkins (batería), John Weider (guitarra y violín), Danny McCulloch (bajo) y Vic Briggs (guitarra). Una formación que sufriría múltiples cambios a finales de 1968, cuando Briggs y McCulloch abandonan la formación y fueron sustituidos por Zoot Money y por el guitarrista Andy Summers (integrante en años posteriores del exitoso trío "Police"). En 1969 publicarían un doble álbum llamado “Love”, con su último éxito “Sky Pilot (Primera Parte)”. Eric Burdon dio fin a esta banda a finales de 1969.

Los miembros originales de la banda se volvieron a reunir en 1977 para grabar “Before We Were So Rudely Interrupted” y en 1983 lo hicieron para los discos “Ark” y “Rip It to Shreds”.

En 1994, el grupo originario de "The Animals" entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Poco después, en julio 1996, el bajista de la primera formación, Chas Chandler, falleció.

En la década del 2000, Burdon ha dado la vuelta al mundo con un grupo de músicos bajo el nombre de "Eric Burdon and the Animals". Durante los 90, Valentine, Steel, y Dave Rowberry también hicieron giras con "(Hilton Valentine's) The Animals" y Valentine y Steel con el nombre de "Animals II".

Discografía
Edición Británica
* The Animals (Octubre de 1964)

1.Story of Bo Diddley
2.Bury My Body
3.Dimples
4.I've Been Around
5.I'm In Love Again
6.The Girl Can't Help It
7.I'm Mad Again
8.She Said Yeah
9.The Right Time
10.Memphis Tennessee
11.Boom Boom
12.Around and Around

* Animal Tracks (Mayo de 1965)

1.Mess Around
2.How You've Changed
3.Hallelujah I Love Her So
4.I Believe To My Soul
5.Worried Life Blues
6.Roberta
7.I Ain't Got You
8.Bright Lights, Big City
9.Let The Good Times Roll
10.For Miss Caulker
11.Roadrunner

* Animalisms (Junio 1966)

1.One Monkey Don't Stop No Show
2.Maudie
3.Outcast
4.Sweet Little Sixteen
5.You're On My Mind
6.Clapping
7.Gin House Blues
8.Squeeze Her, Tease Her
9.What Am I Living For
10.I Put A Spell On You
11.That's All I Am To You
12.She'll Return It

* Winds of Change (1967) (como Eric Burdon and the New Animals)

1.Winds Of Change
2.Poem By The Sea
3.Paint It Black
4.The Black Plague
5.Yes I'm Experienced
6.San Franciscan Nights
7.Man - Woman
8.Hotel Hell
9.Good Times
10.Anything
11.It's All Meat

* The Twain Shall Meet (1968)

1.Monterey
2.Just The Thought
3.Closer To The Truth
4.No Self Pity
5.Oranges And Red Beans
6.Sky Pilot
7.We Love You Lil
8.All Is One

* Love Is (1968)

1.River Deep, Mountain High
2.I'm An Animal
3.I'm Dying, Or Am I
4.Ring Of Fire
5.Colored Rain
6.To Love Somebody
7.As The Years Go Passing By
8.Gemini - The Madman

Edición Estados Unidos

* The Animals (Septiembre de 1964)

1.The House of the Rising Sun
2.Blue Feeling
3.The Girl Can't Help It
4.Baby Let Me Take You Home
5.The Right Time
6.Talkin' 'Bout You
7.Around and Around
8.I'm In Love Again
9.Gonna Send You Back To Walker
10.Memphis Tennessee
11.I'm Mad Again
12.I've Been Around

* The Animals on Tour (Marzo de 1965)

1.Boom Boom
2.How You've Changed
3.I Believe To My Soul
4.Mess Around
5.Bright Lights, Big City
6.Worried Life Blues
7.Let The Good Times Roll
8.I Ain't Got You
9.Hallelujah I Love Her So
10.I'm Crying
11.Dimples
12.She Said Yeah

* Animal Tracks (Septiembre de 1965)

1.We Gotta Get Out Of This Place
2.Take It Easy
3.Bring It On Home To Me
4.Roberta
5.Story Of Bo Diddley
6.I Can't Believe It
7.For Miss Caulker
8.Club A Go-Go
9.Don't Let Me Be Misunderstood
10.Bury My Body

* British Go Go (Enero de 1965)

* In the Beginning(Directo) (1965)

* Animalization (Agosto de 1966)

1.Don't Bring Me Down
2.One Monkey Don't Stop No Show
3.You're On My Mind
4.She'll Return It
5.Cheating
5.1 She'll Return It - This song is on the record but does not appear on the jacket listing
6.Inside Looking Out
7.See See Rider
8.Gin House Blues
9.Maudie
10.What Am I Living For
11.Sweet Little Sixteen
12.I Put A Spell On You

* Animalism (MGM 4414, Diciembre de 1966)

1.All Night Long
2.Shake
3.The Other Side Of This Life
4.Rock Me Baby
5.Lucille
6.Smoke Stack Lightning
7.Hey Gyp
8.Hit The Road Jack
9.Outcast
10.Louisiana Blues
11.That's All I Am To You
12.Going Down Slow

* Eric Is Here (1967) (ahora como Eric Burdon and the New Animals)

1.In The Night
2.Mama Told Me Not To Come
3.I Think It's Gonna Rain Today
4.On This Side Of Goodbye
5.That Ain't Where It's At
6.True Love (Comes Only Once In A Lifetime)
7.Help Me Girl
8.Wait Till Next Year
9.Losin' Control
10.It's Not Easy
11.The Biggest Bundle Of Them All
12.It's Been A Long Time Comin'

* Every One of Us (1968)

1.White House
2.Uppers And Downers
3.Serenade To A Sweet Lady
4.The Immigrant Lad
5.Year Of The Guru
6.St. James Infirmary
7.New York 1963 - America 1968

* Love Is (Octubre de 1968)

1.River Deep, Mountain High
2.I'm An Animal
3.I'm Dying, Or Am I
4.Ring Of Fire
5.Colored Rain
6.To Love Somebody
7.As The Years Go Passing By
8.Gemini - The Madman

* The Best Of Eric Burdon And The Animals Vol. II (MGM Record SE4454)

1.When I Was Young
2.A Girl Named Sandoz
3.Don't Bring Me Down
4.She'll Return It
5.See See Rider
6.The Other Side Of Life
7.Hey Gyp
8.Help Me Girl
9.That Ain't Where It's At
10 You're On My Mind
11.Inside Looking Out
12.Cheating

Reunión de los originarios "The animals"

* Before We Were So Rudely Interrupted (1977)

1.Brother Hill (The Last Clean Shirt)
2.It's All Over Now, Baby Blue
3.Fire On The Sun
4.As The Crow Flies
5.Please Send Me Someone To Love
6.Many Rivers To Cross
7.Just A Little Bit
8.Riverside County
9.Lonely Avenue
10.The Fool

* Ark (1983)

1.Loose Change
2.Love Is For All Time
3.My Favourite Enemy
4.Prisoner Of The Light
5.Being There
6.Hard Times
7.The Night
8.Trying To Get You
9.Just Can't Get Enough
10.Melt Down
11.Gotta Get Back To You
12.Crystal Nights
13.No John No

* Rip It to Shreds (Directo) (1984)

Edición en España

* The Animals. Los 60. Una Gran Década Para Recordar (1987) (EMI Records)

1.Baby Let Me Take You Home.
2.Gonna Send You Back To Walter.
3.House Of The Rising Sun.
4.Talkin' 'bout You.
5.I'm Crying.
6.Take It Easy.
7.Don't Let Me Be Misunderstood.
8.Club A Gogo.
9.Bring It On Home To Me.
10.For Miss Caulker.
11.We've Gonna Get Out Of This Place.
12.I Can't Believe It.
13.It's My Life.
14.I'm Going To Change The World.
15.Bury My Body.

Recopilación

* The Best of The Animals (1997)
* The Best of The Animals (2000)
* Interesting Life (2003)
* Complete French EP 1964/1967 (2003)
* Retrospective (Recopilatorio, 2004)

Eric Burdon

Eric Victor Burdon (nacido el 11 de mayo de 1941, en Walker, Newcastle upon Tyne) fue el cantante de The Animals y después de The War.

Fue miembro fundador y vocalista de The Animals, banda originalmente formada en Newcastle en los primeros años sesenta. Burdon cantó muchos clásicos de los Animals como "The House of the Rising Sun", "Good Times", "Don't Let Me Be Misunderstood", "Bring It On Home to Me" y "We Gotta Get Out of this Place". El teclista Alan Price y el batería John Steel, Animals originales, dejaron la banda, y fueron reemplazados por Dave Rowberry y Barry Jenkins respectivamente. En 1966, los miembros restantes Chas Chandler e Hilton Valentine se fueron del grupo, excepto Barry Jenkins y Burdon, y la banda se reformó como Eric Burdon and the Animals. A este grupo se le unieron el futuro miembro de Family John Weider y el futuro guitarrista de The Police Andy Summers. Esta nueva formación tuvo éxitos con canciones como "When I Was Young", "Sky Pilot" y "Monterey". Esta unión duró hasta 1969, pasando por grandes cambios en la formación, y cambiando el nombre de la banda de Eric Burdon and the Animals a Eric Burdon and the New Animals. Cuando los New Animals se fueron, Burdon unió fuerzas con el grupo funky de Los Ángeles War. El álbum, Eric Burdon Declares War creó clásicos como "Spill The Wine" y "Tobacco Road". En 1971 Burdon empezó su carrera en solitario.

Burdon se volvió a unir con los otros Animals originales en 1976 y 1983, pero esta unión acabó pronto, aun así en la reunión de 1983 se sacó el ignorado en las listas de ventas single "The Night". Burdon dirigió unos cuantos grupos llamados Eric Burdon Band o alguna variación parecida, con constantes cambios en la formación. Su popularidad se hizo más fuerte en la Europa Continental que en el Reino Unido o en los Estados Unidos. Hoy en día continúa grabando y dando conciertos, en solitario o al frente de otra versión de "Eric Burdon and the Animals". En 1990, un reformado "Eric Burdon and the Animals" grabó una versión del single "Sixteen Tons" de Merle Travis para la película Joe contra el Volcán, donde salía en los créditos de apertura de la película.

The Beatles

Grupo británico de música pop, integrado de forma estable a partir de 1961 por John Lennon (Liverpool,1940–Nueva York, 1980), Paul McCartney (Liverpool, 1942), George Harrison (Liverpool, 1943) y Ringo Starr (Liverpool, 1940). Es difícil dar una fecha exacta de cuándo se formaron The Beatles. En la segunda mitad de la década de 1950, John Winston Lennon y su amigo Peter Shotton (que lo abandonaría poco después) formaron un grupo de música al que llamaron The Quarrymen, al cual en 1957 se añadió Paul McCartney, seguido poco más tarde por George Harrison.
The Quarrymen empezó a tocar en diversos locales de Liverpool, momento en el que se les unió el bajista Stuart Sutcliffe. Ya por entonces resultaba evidente la necesidad de incorporar a un batería. El nombre del grupo iría sufriendo nuevas variaciones, desde Johnny and the Moondogs hasta –a raíz de la moda de poner nombres de animales a los grupos musicales y jugando con la denominación de su estilo de música (Beat)– The Silver Beatles y The Beatles, que a la postre resultaría el definitivo.

Por último incorporaron a un batería, Peter Best, y consiguieron un concierto para tocar en Hamburgo, en un local de dudosa fama llamado Kaiserkeller. Su primera aventura alemana terminó prematuramente con la expulsión de Harrison del país debido a su minoría de edad y la posterior expulsión de McCartney y Best por gamberrismo. En 1961 volverían a Alemania, para regresar de nuevo al Reino Unido sin pena ni gloria. Best dejó el grupo por profundas desavenencias con el resto de sus miembros y fue sustituido por Ringo Starr (Richard Starkey). Poco después, Sutcliffe moría en Alemania víctima de un derrame cerebral. La formación de The Beatles quedó definitivamente consolidada con John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.

En 1962, tras escucharles en una actuación, el productor Brian Epstein, entusiasmado, los contrató para grabar un sencillo. Este primer trabajo discográfico se tituló Love me do y logró situarse en las listas de éxitos del Reino Unido. Ya en 1963, Please, please me y poco después From me to you y She loves you accederían de nuevo a puestos de honor en las listas británicas.

El cuarteto (integrado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr) se formó en 1957 y se disolvió en 1970. A pesar del poco tiempo lograron lo que a otros grupos les llevó años. Se convirtieron en un fenómeno de ventas, que se llamó Beatlemanía, en especial porque sus fans gritaban y bailaban al ritmo de sus canciones. Estuvieron al tope de los rankings tanto en Europa como en los Estados Unidos. Es así que se lo considera uno de las bandas musicales más influyentes y exitosas de la segunda mitad del siglo XX.

Un cambio en la música del siglo XX
La revolución es un cambio brusco, total y radical; eso es lo que sucedió en el rock del siglo XX. Un grupo de jóvenes irrumpieron en el arte musical imponiendo un ritmo hasta ese entonces jamás escuchado. Destacarse y romper con todo lo anterior no es fácil, por eso quienes lo logran pasan a la historia sin más (y con todos los honores). The Beatles consiguieron con su música, su forma de vestir, sus actuaciones, imponer modas y estilos de comportamiento.

A finales de los años cincuenta en el ámbito musical del Reino Unido se inició un movimiento cultural juvenil que fue como una alternativa al dominio estadounidense liderado por Elvis Presley, que partió del ritmo e instrumentación del rock and roll para desembocar en el pop. Y fue en la ciudad de Liverpool donde nació la formación que cambió todo. El nombre del grupo surgió de un juego de palabras creado por el término beetle (escarabajo) y beat (ritmo, compás).

El cuarteto (integrado por John Winston Ono Lennon, James Paul McCartney, George Harold Harrison y Richard Starkey -Ringo Starr-) se formó en 1957 y se disolvió en 1970, pero a pesar del poco tiempo lograron lo que a otros grupos les llevó años. Es así que se lo considera uno de los grupos musicales más influyentes y exitosos de la segunda mitad del siglo XX.

El comienzo de todo
En la segunda mitad de la década de 1950, John Lennon y su amigo Pete Shotton formaron un grupo que se llamó The Quarrymen y al cual, en 1957, se unió Paul McCartney. Le siguió George Harrison. Esta banda empezó a tocar en diversos locales de Liverpool, momento en el que se les unió el bajista Stuart Sutcliffe. El nombre de la formación tuvo variaciones, se llamó primero Long John and the Silver Beatles, luego The Silver Beatles hasta llegar al nombre con el cual el mundo los conoció, The Beatles.

El cuarteto comenzó su carrera en un club nocturno en la ciudad de Hamburgo, Alemania. Poco después, Sutcliffe (el bajista) murió -presumiblemente como consecuencia de una paliza por parte de una patota-. La formación de The Beatles quedó compuesta por John, Paul, George y Pete Best.

Al volver a su ciudad natal ya eran bastante populares, y conocieron a un joven que pronto se convirtió en su manager, Brian Epstein. Por él el look de los Beatles en sus primeras épocas fue uniformado y pulcro. En un principio, el grupo fue rechazado por muchas compañías de discos. Pero fue George Martin, un joven productor de una subdivisión de EMI -la hasta entonces poco conocida Parlophone- quien los aceptó para grabar un primer disco. En esta instancia Pete Best fue sustituido por Ringo Starr, quien los ayudaba cuando Best no se sentía motivado para colaborar con la banda. El resultado fue su primer single, "Love Me Do", que, por ser su primer disco, alcanzó un buen puesto en las listas de ventas.

Sus siguientes lanzamientos, realizados entre 1962 y 1965, los situaron en el número uno, casi simultáneamente a la salida a venta: "From me to you", "She loves you", "I wanna hold your hand", "Can´t buy me love", "A hard day´s night", "I feel fine", "Ticket to ride", "Help!", "We can´t work it out". De esta manera su ascenso fue meteórico, los jóvenes británicos empezaron a copar las listas europeas y el difícil mercado estadounidense, que ya tenía sus propias estrellas.

A mediados de los sesenta, The Beatles vendió cantidades infinitas de su música en formato de single, epé (siglas de extended play, disco de cuatro canciones) y elepé (de long play, álbum de larga duración). Hasta 1965, con decenas de canciones publicaron seis elepés: "Please Please Me" (1963), grabado íntegramente en un solo día. Después siguieron con "With The Beatles", del mismo año. "A hard day´s night" (1964) "Beatles for sale" (1964), "Help!" (1965) y "Rubber Soul" (1965).
Este fenómeno de ventas fue denominado Beatlemanía, en especial porque sus fans gritaban y bailaban al ritmo de sus canciones. Después del éxito de la música vino el cine. Rodaron su primera película "A Hard Day's Night" consiguiendo muy buenas críticas, comparándolos con los mismísimos hermanos Marx. En 1965 rodaron otra película "Help!", dando lugar al disco del mismo título.

A pesar de tantos éxitos el grupo tuvo que hacer frente a diversos escándalos, siendo el más destacable el que se produjo por una entrevista de John Lennon en la que afirmaba que "los Beatles eran en ese momento más famosos que Jesucristo". En muchos países fanáticos religiosos organizaron quemas de discos y la banda fue vetada en la radio. A consecuencia, The Beatles abandonó las giras definitivamente siendo el concierto de San Francisco, el día 29 de agosto de 1966, el último de su carrera. Después de esto el grupo se dedicó a descansar y a preparar su próximo disco. A finales de ese año, se publicó un álbum recopilatorio de Parlophone llamado "A Collection of Beatles' Oldies", en el que se incluían los antiguos éxitos.

El gran cambio musical ocurrió con "Revolver", su álbum de 1966, en el que se incluía secciones de viento y cuerda, sonidos electrónicos usados por las vanguardias musicales eruditas y letras en las que se usaban la ironía, la sátira, el mensaje utópico y el surrealismo. Fue el inicio de la experimentación musical y psicotrópica: el LSD se convirtió en fuente de inspiración. Su siguiente álbum fue "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" -su obra más innovadora-, un elepé que marcó el nacimiento de la música psicodélica y supuso un rotundo éxito mundial para el grupo británico, que alcanzó el número uno simultáneamente en las listas británicas y estadounidenses.

El 21 de agosto de 1967 murió su manager Brian Epstein de una sobredosis accidental de medicamentos (aunque se ha dicho que se quiso suicidar). También en 1967, bajo una idea de Paul McCartney y Linda McCarntey (su esposa), produjeron la película para televisión "Magical Mystery Tour", con la posterior edición del trabajo discográfico del mismo nombre.

El final
En 1968 publicaron el álbum y la película "Yellow Submarine". John Lennon conoció por esta época a la artista japonesa Yoko Ono, quien llegó a influir enormemente en él y en el grupo, creando una continua molestia en el seno de la banda.

Con la gran cantidad de canciones compuestas en la India y a su regreso en Londres, editaron el doble elepé "The Beatles", más conocido como el álbum Blanco. Las tensiones dentro del grupo iban siendo cada vez más notables. Todo esto quedó grabado en el siguiente proyecto, el documental "Let it Be".

Después de dar el famoso concierto de la azotea en el edificio de su sello discográfico Apple en el centro de Londres, el grupo no quedó contento con el disco y no se editó hasta casi un año después. Decidió entrar en el estudio por última vez para grabar el que fue su último disco (aunque se puso a la venta antes que "Let it be"), el imprescindible "Abbey Road" (1969). El disco acabó por separar del todo al grupo, siendo grabada cada canción con cada uno por separado, juntándose los cuatro en el estudio en pocas ocasiones. Tras la publicación de "Let It Be", en 1970, se separaron definitivamente, siguiendo cada miembro con su carrera musical en solitario.

Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart, con nombre de nacimiento Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart (Salzburgo, en la actual Austria, 27 de enero de 1756 - Viena, 5 de diciembre de 1791), fue un compositor clásico y ha sido considerado por muchos uno de los más grandes en su género.

A pesar de que murió muy joven (apenas a los 35 años), dejó una obra extensa que abarca todos los géneros musicales de su época. Compuso más de 600 obras, muchas de ellas reconocidas como las obras cumbre de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, para ópera y coral. Es uno de los compositores clásicos más populares.

Mozart mostró una capacidad prodigiosa en su niñez más temprana en Salzburgo. Cuando ya tocaba el teclado y el violín, compuso obras a la edad de cinco años y realizó interpretaciones para la realeza europea. A los diecisiete fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero debido a su inquietud viajó en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781 fue despedido de su puesto en la corte de Salzburgo y decidió quedarse en la ciudad, donde alcazó la fama durante el resto de su vida, pero tuvo poca seguridad financiera. En sus años finales en Viena realizó muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, y el Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte a los 35 años han sido muy mitificadas.

Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que rodeó la luz y elegancia con la oscuridad y pasión -todo bien informado por una visión de humanidad "redimido por el arte, perdonado y reconciliado con la naturaleza y el absoluto".Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda. Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que "la posteridad no verá tal talento otra vez en 100 años".

Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, en la actual Austria y que en esa época era un arzobispado independiente del Sacro Imperio Romano Germánico. Fue el último hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe arzobispo de Salzburgo. Leopold era el segundo maestro de capilla en la corte del arzobispo de Salzburgo y un compositor con poca relevancia, aunque fue un experimentado profesor. Su madre se llamaba Anna Maria Pertl. Debido a la altísima mortalidad infantil en la Europa de la época, de los 7 hijos que tuvo el matrimonio sólo sobrevivieron Maria Anna, apodada cariñosamente Nannerl, y Wolfgang Amadeus. Fue bautizado en la catedral de San Ruperto el día después de su nacimiento con los nombres de Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart; a lo largo de su vida firmaría con diversas variaciones sobre su nombre original, siendo una de las más recurrentes "Wolfgang Amadè Mozart".

La casa natal de Mozart se encuentra en la Getreidegasse n.º 9 de la ciudad de Salzburgo. Se trata de una casa de tres plantas que actualmente cuenta con una gran cantidad de objetos de la época e instrumentos que pertenecieron a Mozart durante su niñez. Es uno de los lugares más visitados de Salzburgo y una especie de santuario para músicos y aficionados a la música de todo el mundo.

Leopold componía y daba clases de música. El año del nacimiento de Wolfgang publicó un exitoso tratado para la interpretación del violín titulado Versuch einer gründlichen Violinschule, durante el primer año de vida de su hijo. Después del nacimiento de Wolfgang, salvo las tareas propias de su cargo, abandonó todo para dedicarse de manera exclusiva a la formación de su hijo. Fue exigente como padre y como profesor, en todo momento estuvo al tanto de la formación de Wolfgang, para guiarlo como hombre y como artista.

Nannerl y Wolfgang Amadeus mostraron desde muy pequeños facultades para la música. Nannerl comenzó a recibir clases de teclado con su padre cuando tenía 7 años y su hermano, 3 años menor que ella, la miraba evidentemente fascinado. Años después de la muerte de su hermano ella rememoró:
A menudo pasaba mucho tiempo en el teclado, eligiendo terceras, que a él siempre le sorprendían y mostraba con placer que el sonido le gustaba. [...] En su cuarto año de edad, su padre comenzó a enseñarlo, como un juego, a interpretar unos minuetos y otras piezas en el teclado. [...] Podría tocarlo impecablemente y con la mayor delicadeza y manteniendo exactamente el tempo. [...] a la edad de cinco años ya componía pequeñas piezas, que interpretaba para su padre, al que estaban dedicadas.
Retrato de Wolfgang Amadeus Mozart pintado por encargo de Leopold Mozart en 1763. El autor es desconocido aunque posiblemente fuera Pietro Antonio Lorenzoni.

Entre esas pequeñas piezas se encuentran el Minueto Andante en do (K. 1a) y el Minueto Allegro en do (K. 1b).

Cuando Wolfgang Amadeus tenía 4 años practicaba el clavicordio y componía pequeñas obras de considerable dificultad; a los 6, tocaba con destreza el clavecín y el violín. Podía leer música a primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una inagotable capacidad para improvisar frases musicales.

Definitivamente no era un niño común. Su progenitor era un hombre inteligente, orgulloso y religioso. Creía que los dones musicales de su hijo eran un milagro divino que él, como padre, tenía la obligación de cultivar. Cuando el niño iba cumplir 6 años de edad, Leopold decidió exhibir las dotes musicales de sus hijos ante las principales cortes de Europa. Según los primeros biógrafos de Wolfgang, su padre «quiso compartir con el mundo el milagroso talento de su hijo...»; en la actualidad, algunos sostienen que más bien lo explotó. Lo cierto es que su figura autoritaria y opresiva marcaría al joven Amadeus para toda su vida.

El biógrafo Maynard Salomon afirma que mientras Leopold era un profesor fiel a sus hijos, existen evidencias de que Wolfgang era trabajaba duramente para avanzar más allá de lo que le enseñaban. Su primera composición impresa y sus esfuerzos precoces con el violín fueron por iniciativa propia y Leopold se vio fuertemente sorprendido. El padre y el hijo tenían una relación muy estrecha y estos logros de niñez hicieron llorar a Leopold más de una vez.

Finalmente Leopold dejó de componer cuando el excepcional talento musical de su hijo se hizo evidente.Él era el único profesor de Wolfgang en sus primeros años y le enseñó música, así como el resto de asignaturas académicas.

Durante los años en los que Mozart se estaba formando, su familia realizó varios viajes por Europa, en los cuales mostraron a él y a su hermana Nannerl como niños prodigio. El 12 de enero de 1762, la familia entera partió hacia Múnich. Comenzaron con una exbición en la Corte del príncipe elector de Baviera Maximiliano III y más tarde en el mismo año en la corte imperial de José II de Habsburgo en Viena y Praga. La permanencia en la ciudad de Viena —uno de los principales centros de la música en esa época— culminó con dos recitales ante la familia imperial en el palacio de Schönbrunn. El pequeño Wolfgang causaba sensación en cada concierto. El dinero recolectado en este viaje no fue tanto como los elogios recibidos. Podría decirse que éste fue un viaje de prueba para Leopold. El 5 de enero de 1763, la familia Mozart retornó a Salzburgo. El viaje había durado poco menos de un año.

El 9 de junio de 1763 iniciaron una larga gira de conciertos que duró tres años y medio, en la que la familia se desplazó a las cortes de Múnich, Mannheim, París, Londres, La Haya, otra vez a París y volvieron a casa vía Zúrich, Donaueschingen y Múnich, cosechando grandes éxitos. Durante este viaje Mozart conoció un gran número de músicos y las obras de otros compositores. En particular, Johann Christian Bach, a quien Mozart visitó en Londres en 1764 y 1765, fue una influencia importante para el joven compositor. La familia regresó a Viena a finales de 1767 y permaneció en la ciudad hasta diciembre del año siguiente. En Viena fueron llamados al palacio por la madre del emperador, María Teresa, quien quedó encantada con el niño Wolfgang Amadeus, al grado de que incluso lo sentaba en su regazo y lo besaba.

En Versalles, los Mozart tocaron ante el monarca Luis XV. La anécdota cuenta que en esa ocasión, la amante del rey, la altiva Madame de Pompadour, no permitió que el niño Wolfgang la abrazara por temor a que se estropeara su traje. En Londres causaron la admiración del rey Jorge III y durante este viaje el joven músico compuso su Primera Sinfonía. En Países Bajos deslumbró tocando el órgano y compuso su primer oratorio a los 9 años.

A menudo estos viajes eran duros, debido a las primitivas condiciones de los viajes en aquel tiempo, la necesidad de esperar pacientemente las invitaciones y el pago de las actuaciones por parte de la nobleza, y las largas enfermedades, algunas casi mortales, padecidas lejos de su hogar: en primer lugar Leopold, en el verano de 1764 durante su estancia en Londres y luego ambos niños en La Haya el otoño de 1765.

La familia regresó a Salzburgo el 30 de noviembre de 1766. Después de un año en la ciudad, Leopold y Wolfgang viajaron a Italia, dejando a la madre de Wolfgang y la hermana en casa. Estos viajes duraron desde diciembre de 1769 a marzo de 1771, y, al igual que los primeros viajes que realizaron, tenían como objetivo mostrar las capacidades del joven como intérprete y como compositor que maduraba rápidamente. Mozart conoció a Giovanni Battista Martini, importante teórico de la música en aquel tiempo y por el cual Mozart siempre guardó un gran afecto, en Bolonia y fue aceptado como miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia, considerada el centro de erudición musical de la época, tras resolver en media hora un examen que al resto de los postulantes les llevó tres. El ingreso de Mozart en la Academia fue extraordinario, ya que aún le faltaba mucho para los veinte años, edad mínima exigida por el reglamento.
Wolfgang tocando el clavicordio y Thomas Linley (de la misma edad) el violín, durante su estancia en Florencia en 1770.

Llegaron a Roma el 11 de abril de 1770, donde escuchó el Miserere de Gregorio Allegri una vez durante una representación en la Capilla Sixtina. Esta obra tenía carácter secreto, pues sólo podía interpretarse en dicho lugar y su publicación estaba prohibida bajo pena de excomunión. Sin embargo, el joven compositor apenas llegó a la posada donde se alojaba, escribió de memoria una versión muy aproximada de la partitura completa. El papa Clemente XIV, admirado ante el talento del músico de 14 años, no sólo no lo excomulgó, sino que lo nombró Caballero de la Orden de la Espuela de Oro, título que —a pesar de los privilegios que otorgaba— nunca interesó a Mozart. Así se convirtió en la primera copia ilegal de los derechos de propiedad intelectual escrupulosamente guardados por El Vaticano.

En Milán, Mozart escribió la ópera Mitridate, re di Ponto (1770), que fue interpretada con éxito. Esto supuso el encargo de dos nuevas óperas y Wolfgang y Leopold volvieron dos veces más a Milán (desde diciembre de 1771 hasta agosto de 1772 y desde octubre de ese mismo año hasta marzo de 1773) para la composición y los estrenos de Ascanio in Alba (1771) y Lucio Silla (1772). Leopold esperó que estas visitas consiguieran una contratación profesional para su hijo en Italia, pero estas esperanzas nunca se cumplieron.

Hacia el final del último viaje a Italia, Mozart escribió la primera de sus obras que todavía es interpretada extensamente en la actualidad, la cantata de Exsultate, jubilate, la K. 165.

Cada representación del joven Wolfgang Amadeus era una exhibición de su virtuosismo con el clavecín y el violín (se cuenta que ya en esa época podía tocar el teclado con los ojos vendados), y dejaba a los espectadores maravillados improvisando sobre cualquier tema que le proponían.

La corte de Salzburgo
La relación de Mozart con su patrón el arzobispo de Salzburgo, Hieronymus von Colloredo, fue bastante turbulenta por sus continuas discusiones y desembocó en la renuncia del compositor y su marcha a la ciudad de Viena.

Mozart y su padre volvieron definitivamente a Salzburgo el 13 de marzo de 1773. Allí se enteraron de la muerte del príncipe-arzobispo Schrattenbach, que siempre los había apoyado. Comenzó entonces una nueva etapa, mucho más difícil. Hieronymus von Colloredo, el nuevo príncipe-arzobispo de Salzburgo, que se mostró autoritario e inflexible con el cumplimiento de las obligaciones impuestas a sus subordinados. Mozart era hijo predilecto de la ciudad, en la que tenía muchos amigos y admiradores y tuvo la oportunidad de trabajar en numerosos géneros musicales, incluyendo sinfonías, sonatas, cuartetos de cuerdas, serenatas, divertimentos, mucha música sacra y algunas óperas menores. Varias de estas primeras obras aún son interpretadas. Entre abril y dieciembre de 1775, Mozart desarrolló un entusiasmo por los conciertos para violín, produciendo una serie de cinco conciertos (los únicos que escribiría en su vida), incrementando constantemente su sofisticación musical. Los últimos tres (K. 216, K. 218 y K. 219) son ahora básicos en su repertorio. En 1776 volvió sus esfuerzos hacia los conciertos para piano, culminando en el Concierto en mi♭ (K. 271) a principios de 1777, considerado por los críticos el punto de ruptura de su obra.

A pesar de estos éxitos musicales y que fue confirmado en su puesto de maestro de conciertos, Mozart estaba cada vez más descontento con su situación en Salzburgo y redobló sus esfuerzos para establecerse en cualquier otro sitio. Uno de los motivos de dicho descontento fue su bajo salario, 150 florines por año, pero también necesitaba mucho tiempo para componer sus óperas y la ciudad en raras ocasiones se lo permitía. La situación empeoró en 1775 cuando el teatro de la corte fue clausurado, especialmente desde que el otro teatro de Salzburgo fue reservado ampliamente para las compañías visitantes.

Leopold y Wolfgang realizaron dos largas expediciones en busca de trabajo durante su larga estancia en Salzburgo. Visitaron Viena desde el 14 de julio al 26 de septiembre de 1773 y Múnich desde el 6 de diciembre de 1774 hasta marzo de 1775. Estas visitas no tuvieron éxito, aunque el viaje a Múnich resultó ser un éxito popular con el estreno de la ópera La finta giardiniera y el viaje a Viena fue positivo para su arte, ya que conoció el nuevo estilo vienés a través de la música de Joseph Haydn.

El viaje a París
Retrato de la familia Mozart hacia 1780, obra de Johann Nepomuk della Croce. De izquierda a derecha, Nannerl, Wolfgang y Leopold. El retrato de la pared es de Anna Maria, la madre de Mozart, que falleció en 1778.

En agosto de 1777, Mozart estaba resignado con su posición y el 23 de septiembre se aventuró de nuevo en un viaje en busca de empleo, visitando las ciudades de Augsburgo, Mannheim, París y Múnich.Debido a que el arzobispo Colloredo no permitiría a Leopold viajar con su hijo, la madre de Wolfgang, Anna Maria fue su acompañante.

Mozart trabó relación con los miembros de la famosa orquesta de Mannheim, la mejor de Europa en esa época. Esta orquesta era conocida porque, por primera vez en la historia de la música, exageraban la diferencia entre los pasajes suaves y los fuertes. Este estilo se dio en llamar "estilo de Mannheim" y pocas décadas después sería una característica principal de la música del Romanticismo. También se enamoró de Aloysia Weber, una de las cuatro hijas de la familia Weber, a la que conoció durante una escala en Múnich. En Mannheim había algunas perspectivas de conseguir empleo, pero ellos no encontraron nada y los Mozart se marcharon a París el 14 de marzo de 1778 para continuar su búsqueda de empleo. Allí su suerte fue apenas mejor. En una de sus cartas a casa insinúa la posibilidad de establecerse como organista en Versalles, pero Mozart no estaba demasiado interesado con este nombramiento.Su situación económica era delicada hasta el punto de que debido a las deudas tuvo que empeñar objetos de valor. El peor momento de su viaje fue cuando la madre de Mozart enfermó y falleció el 3 de julio de 1778.Probablemente se demoraron demasiado en llamar a un doctor, según Halliwell, por la falta de fondos.

Durante la estancia de Wolfgang en París, Leopold seguía buscando enérgicamente oportunidades para la vuelta de su hijo a Salzburgo y con el apoyo de la nobleza local asegurarle una mejor posición como organista y primer violinista de la corte. El salario anual ascendía a 450 florines,pero Wolfgang era reacio a aceptarlo[31] y después de marcharse de París el 26 de septiembre de 1778 se detuvo en Mannheim y Múnich, todavía con la esperanza de obtener un nombramiento fuera de Salzburgo. En Múnich se volvió a encontrar con Aloysia, convertida en una exitosa cantante pero ella le dejó claro que no estaba interesada en él.

Finalmente, Wolfgang regresó a su hogar el 15 de enero de 1779 y aceptó el nuevo puesto, pero descontento con Salzburgo no había disminuido. La Sonata para piano n.º 8 en la menor K. 310 y la Sinfonía París están entre las obras más conocidas de la estancia de Mozart en París, donde fueron representadas el 12 y 18 de junio de 1778.

Marcha a Viena
Mozart acudió a las celebraciones del acceso al trono austriaco de José II de Habsburgo como emperador que tuvieron lugar en Viena.

En enero de 1781, la ópera Idomeneo de Mozart fue estrenada con un "considerable éxito" en Múnich.En marzo, el compositor fue llamado a Viena, donde su patrón el arzobispo Colloredo acudió a las celebraciones del acceso al trono austriaco de José II de Habsburgo como emperador.[35] Mozart, fortalecido por los elogios recibidos en Múnich, se sintió ofendido cuando Colloredo lo trató como a un mero sirviente y particularmente cuando el arzobispo le prohibió interpretar ante el Emperador en casa de la condesa Maria Wilhelmine Thun, actuación por la que hubiera recibido unos honorarios iguales a la mitad del salario anual que cobraba en Salzburgo. La discusión resultante llegó en mayo, cuando Mozart intentó dimitir de su puesto pero el arzobispo la rechazó. Le concedieron un permiso el mes siguiente, pero de forma insultante. El compositor fue rechazado literalmente "con una patada en el culo", administrada por el auxiliar del arzobispo, el conde Arco. En Viena, Mozart se había dado cuenta de algunas buenas oportunidades y decidió instalarse allí como un intérprete y compositor independiente.

La discusión con el arzobispo fue muy dura para Mozart porque su padre se posicionó en contra suya. Esperando fervientemente que siguiera obedientemente a Colloredo en su vuelta a Salzburgo, Leopold intercambió cartas con su equivocado hijo, urgiéndole a reconciliarse con su patrón, pero Wolfgang defendió apasionadamente sus intenciones de emprender una carrera independiente en Viena. El debate finalizó cuando Mozart renunció a su puesto, liberándose de las demandas de un patrón opresivo y un padre demasiado solícito. Solomon caracteriza la dimisión de Mozart como un "paso revolucionario" y que alteró enormemente el curso de su vida.[37]

Primeros años en Viena
Véase también: Mozart y la francmasonería

La nueva carrera de Mozart en Viena tuvo un buen comienzo. A menudo realizaba interpretaciones como pianista, destacando en una competición ante el Emperador con Muzio Clementi el 24 de diciembre de 1781 y pronto se "consolidó como el mejor intérprete de teclado de Viena". También prosperó como compositor y en 1782 completó la ópera El rapto en el Serrallo (Die Entführung aus dem Serail), que fue estrenada el 16 de julio de ese mismo año obteniendo una enorme aclamación y que dio inicio al género operístico conocido como singspiel u ópera alemana en un momento en que el italiano era el idioma "oficial" para la ópera. La obra fue pronto interpretada "a través de la Europa de habla germana"y consolidó plenamente la reputación de Mozart como compositor. Como anécdota, el emperador José II comentó al final del estreno de la ópera: "Música maravillosa para nuestros oídos, verdaderamente creo que tiene demasiadas notas", a lo que el compositor contestó: "Exactamente, ¿cuántas son menester?"

A pesar de que Mozart aún no lograba su madurez y profundidad definitiva, en esta obra se expresa quizá por primera vez la dimensión dramática que se aprecia en las posteriores óperas del compositor de Salzburgo. Esta ópera le dio a Mozart el mayor éxito teatral que conocería en vida.
Retrato de Constanze Mozart realizado por su cuñado Joseph Lange en 1782.

En la época en la que sus disputas con el arzobispo Colloredo estaban en su punto más álgido, Mozart se trasladó con la familia Weber, que se habían trasladado a Viena desde Mannheim. El padre, Fridolin, había fallecido y el resto de la familia acogía ahora huéspedes como medio para subsistir. Tras su fracaso sentimental con Aloysa Weber, que estaba ahora casada con el actor Joseph Lange, encontró consuelo en Constanze, la hermana menor. Pero sabía que su padre Leopold no apreciaba a esa familia, puesto que no sin razones creía que estos, fundamentalmente la madre, querían aprovecharse del éxito de su hijo. Sin embargo, hay suficientes antecedentes de que Constanze amaba verdaderamente a Mozart y nunca compartió las maquinaciones de su madre. Como el consentimiento de su padre era fundamental para Mozart, quiso viajar a Salzburgo para presentarle formalmente a la novia, pero varios eventos postergaron el temido viaje para enfrentar a su progenitor.

El 4 de agosto de 1782, sin el consentimiento paterno, Wolfgang Amadeus y Constanze se casaron en Viena. Para celebrar la unión y para calmar a su padre, Mozart compuso la inconclusa Misa en do menor (KV 427). Pensaba estrenarla en Salzburgo con Constanze como primera soprano solista. Sólo pudo hacerlo en agosto de 1783, pero no consiguió su objetivo. Deseaba demostrar a su familia que había sabido elegir, pero Leopold y Nannerl jamás terminarían de aceptar a Constanze. En el contrato de matrimonio, Constanze "asigna a su prometido quinientos florines que [...] ha prometido aumentar después con mil florines", "para poder sobrevivir" con el total. Además, todas las adquisiciones conjuntas durante el matrimonio debían ser propiedad común de ambos.[40] El matrimonio tuvo 6 hijos: Raimund Leopold (17 de junio de 1783-19 de agosto del mismo año), Karl Thomas Mozart (21 de septiembre de 1784-31 de octubre de 1858), Johann Thomas Leopold (18 de octubre de 1786-15 de noviembre de ese año), Theresia Constanzia Adelheid Friedericke Maria Anna (27 de diciembre de 1787-29 de junio de 1788), Anna Maria (25 de diciembre de 1789, fallecida poco después de su nacimiento) y Franz Xaver Wolfgang Mozart (26 de julio de 1791 - 29 de julio de 1844), de los cuales sólo dos sobrevivieron, Karl Thomas y Franz Xaver Wolfgang.

Durante los años 1782 y 1783 conoció profundamente a través del barón Gottfried Van Swieten, un coleccionista y aficionado musical que tenía en su poder una biblioteca con gran cantidad de obras de compositores barrocos, la obra de Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach. Entre las obras que estudió se encontraban los oratorios de Händel y El clave bien temperado de Bach. Mozart asimiló los modos de composición de ambos, fusionándolo con el propio, dando a la mayoría de las obras de este período un toque contrapuntístico, apreciable en las transcripciones que hizo de algunas fugas de El clave bien temperado KV 405, las fugas para piano KV 394, KV 401 y KV 426 (esta última transcrita luego para cuerdas con el número de catálogo KV 546). Pero, sobre todo, se puede apreciar la influencia de Händel y Bach en los pasajes fuga de La flauta mágica y el final de la Sinfonía Júpiter. El estudio de estos autores fue para Mozart tan importante que llegó a realizar arreglos para obras como El Mesías (K. 572) o Alexander's Feast (K. 591), ambos oratorios de Händel.

En 1783, Mozart y Constanze visitaron a la familia de éste en Salzburgo. Leopold y Nannerl fueron, a lo sumo, solamente corteses con Constanze pero la visita al menos incitó la composición de una de las grandes obras litúrgicas de Mozart, la Gran misa en do menor KV 427. Aunque no completada, fue estrenada en Salzburgo, con Constanze cantando las partes solistas.
Mozart conoció a Joseph Haydn en Viena y los dos compositores se hicieron grandes amigos e incluso interpretaban juntos en un cuarteto de cuerdas improvisado.

Mozart conoció a Joseph Haydn en Viena y los dos compositores se hicieron grandes amigos. Cuando Haydn visitaba Viena, en ocasiones interpretaban juntos en un cuarteto de cuerdas improvisado. Los seis cuartetos de Mozart dedicados a Haydn (K. 387, K. 421, K. 428, K. 458, K. 464, y K. 465) datan del período de 1782 a 1785 y equivalen a los Cuartetos de cuerda rusos Opus 33 que Haydn había compuesto en 1781 y que Mozart acompañó con una cariñosa dedicatoria. Al oírlos, Haydn permaneció en pie como signo de respeto hacia Mozart y, según recordó más tarde su hermana, dijo a Leopold sobre Wolfgang: "Le digo a usted ante Dios, y como un hombre honesto, que su hijo es el mayor compositor conocido por mí en persona y por reputación, tiene gusto y, además, la mayor habilidad para la composición".

Desde 1782 hasta 1785, Mozart organizó conciertos en los que realizaba interpretaciones como solista, presentando tres o cuatro nuevos conciertos para piano en cada estación. Ya que el espacio en los teatros era escaso, reservó lugares poco convencionales para realizar sus conciertos, como un cuarto grande en el Trattnerhof (un edificio de apartamentos) y el salón de baile del Mehlgrube (un restaurante), entre otros.Los conciertos eran muy populares y de los que él estrenó algunos todavía son obras básicas de su repertorio. Solomon escribe que durante este período Mozart creó "una conexión armoniosa entre un ejecutante-compositor impaciente y una audiencia encantada, que dieron la oportunidad de atestiguar la transformación y la perfección de un género musical principal".

Con las sustanciales ganancias de sus conciertos y otras actuaciones, el matrimonio Mozart adoptó un modo de vida más bien lujoso. Se trasladaron a un apartamento caro, con un alquiler anual de 460 florines.Mozart también compró una excelente fortepiano de Anton Walter por aproximadamente 900 florines y una mesa de billar por unos 300.Mozart envió a su hijo Karl Thomas a un internado caro y contrataron sirvientes. Con este modod de vida, el ahorro era, por lo tanto, imposible y el corto período de éxito financiero no hizo nada para amortiguar las dificultades que más tarde Mozart experimentaría.

El 14 de diciembre de 1784, Mozart se convirtió en francmasón y fue admitido por la logia Zur Wohltätigkeit.[49] La francmasonería jugó un papel importante en el resto de la vida del compositor, ya que acudió a muchas reuniones, muchos de sus amigos eran masones y en varias ocasiones compuso música masónica.

Vuelta a la ópera
Libreto del estreno de Las bodas de Fígaro en Praga en 1786.
Véase también: Mozart y Beethoven y Mozart y Praga

A pesar del gran éxito obtenido con la ópera El rapto en el Serrallo en 1782, Mozart compuso poca literatura operística en los siguientes 4 años, produciendo únicamente dos obras inconclusas y un acto de Der Schauspieldirektor. Se centró fundamentalmente en su carrera como pianista solista y como compositor de conciertos. Sin embargo, alrededor de 1785, Mozart abandonó la composición de obras para teclado[50] y comenzó su famosa colaboración operística con el libretista Lorenzo da Ponte.

En 1786 tuvo lugar en Viena el exitoso estreno de la ópera Las bodas de Fígaro, basada en la obra homónima de Pierre-Augustin de Beaumarchais y que no estuvo exenta de polémica debido a su contenido político. Sin embargo, Mozart y Da Ponte se las arreglaron para excluir de ésta todo aquello que pudiese "poner nerviosas" a las autoridades vienesas y logró pasar la censura. La preocupación del Emperador residía en que la obra sugería la lucha de clases y en Francia ya había generado algunos disturbios a su hermana María Antonieta. En el aria de Fígaro "Se vuol Ballare" se nota parte de ese contenido que quiso minimizarse (Fígaro, con fina pero intensa ironía, entona una cavatina dirigida a su patrón el Conde de Almaviva).

Su recepción en Praga más tarde en el mismo año fue aún más cálida y esto condujo a una segunda colaboración con Da Ponte: la ópera Don Giovanni. Fue estrenada en Praga en octubre de 1787 con un rotundo éxito, al igual que sucedió en su estreno en Viena en 1788. Esta obra, que narra las aventuras de Don Juan, había sido un tema recurrente en la literatura y el teatro y, por lo tanto, Da Ponte no se basa en un texto particular, sino que recoge información de múltiples fuentes. La ópera fue catalogada por Mozart como un "dramma giocoso" y su título original era Il dissoluto punito o sia Il D. Giovanni. El contenido dramático de esta obra está presente desde el comienzo, con la muerte del comendador, hasta el final, y contiene algunos de los pasajes más hermosos de la obra de Mozart.

Las dos óperas se encuentran dentro de las obras más importantes de Mozart y son básicas en el repertorio operístico actual, aunque en sus estrenos su complejidad musical causara dificultades tanto para los oyentes como para los intérpretes. El padre del compositor, Leopold, no pudo ser testigo de estos acontecimientos, ya que falleció el 28 de mayo de 1787. Esto lo sume en una gran aflicción, ya que su padre había sido su mejor consejero y amigo (hecho documentado en la numerosa correspondencia entre ambos).

En diciembre de 1787 Mozart finalmente obtuvo un puesto estable bajo el patrocinio aristocrático. El emperado José II lo designó como su "compositor de cámara", un puesto que había quedado vacante el mes anterior tras la muerte de Christoph Willibald Gluck. Este era un nombramiento a tiempo parcial, recibiendo solamente 800 florines por año y sólo requirió que Mozart compusiera obras para los bailes anuales en el palacio imperial. Mozart se quejó a Constanze sobre que la paga era "demasiado para lo que hago, demasiado poco para lo que yo podría hacer".[51] Sin embargo, a pesar de que este ingreso era modesto fue importante para Mozart cuando los tiempos duros llegaron. Los expedientes judiciales muestran que el objetivo del Emperador era impedir que su estimado compositor abandonara Viena en la búsqueda de mejores perspectivas.

En 1787, el joven Ludwig van Beethoven pasó dos semanas en Viena, esperando estudiar con Mozart. Los documentos existentes sobre este encuentro son contradictorios y existen al menos tres hipótesis en vigor: Mozart oyó la interpretación de Beethoven y lo elogió; Mozart rechazó a Beethoven como un estudiante; y que ellos nunca se encontraron.

Dificultades económicas
Véase también: Viaje de Mozart a Berlín
Mozart en 1789, por Doris Stock.

Hacia el final de la década, la situación económica de Mozart empeoró. Alrededor de 1786 dejó de aparecer frecuentemente en conciertos públicos, por lo que sus ingresos se redujeron. Esa época fue de grandes dificultades para todos los músicos de Viena a causa de la guerra entre Austria y Turquía y que el nivel de prosperidad y estatus económico de la aristocracia, que los financiaba, había reducido.

La ciudad de Viena iría perdiendo el interés musical por Mozart debido al advenimiento de otros pianistas con una técnica mucho más aguerrida que Mozart, como en el caso de Muzio Clementi, con escalas en terceras y acordes más sonoros, ideales para los pianos de construcción inglesa de una sonoridad más robusta, al contrario de los de sonoridad delicada vienesa, aptos para las escalas y sutilezas del pianismo mozartiano. Sus Academias o conciertos por suscripción, que habían sido en toda su estadía en Viena una de las mejores fuentes de ingreso (además de inspiración y motivo de composición de sus conciertos para piano y orquesta a partir del n.º 11, KV 413), comenzaron a perder audiencia, por lo que ya no le reportaban beneficios económicos.

A mediados de 1788, Mozart y su familia se trasladaron desde el centro de Viena a un alojamiento más barato en el barrio periférico de Alsergrund.[52] Mozart comenzó a pedir prestado dinero, cada vez más frecuentemente a Johann Michael Puchberg, un amigo y hermano de la misma logia masónica. Existe una "lamentable secuencia de cartas suplicando préstamos". Maynard Solomon y otros autores han sugerido que Mozart estaba sufriendo una depresión y que parecía que ralentizaba su recuperación económica.[55] Las principales obras de este periodo incluyen las tres últimas sinfonías (número 39, 40 y 41), todas ellas de 1788, y la última de las tres óperas en las que colaboró con Da Ponte operas, Così fan tutte, estrenada en 1790.

Aproximadamente en esa época, Mozart realizó una serie de largos viajes con la esperanza de incrementar sus ingresos: a Leipzig, Dresde y Berlín en la primavera de 1789 y a Francfort, Mannheim y otras ciudades alemanas en 1790. Los viajes sólo produjeron éxitos aislados y no mitigaron los sufrimientos económicos de la familia.

En 1789 recibió una oferta del empresario inglés Johann Peter Salomon, quien le propone a él y a Haydn realizar una gira de conciertos por Inglaterra. Se acordó que Haydn fuese el primero en ir (pasando allí la temporada 1791-1792) y Mozart iría a la vuelta de éste (aunque no tuvo ocasión de realizar este viaje, ya que falleció en 1791 antes de que Haydn volviese).

Último año de vida

El último año de vida de Mozart, 1791, fue, hasta su enfermedad final, un tiempo de gran productividad y, en cierto sentido, un tiempo de recuperación personal.[56] Realizó numerosas composiciones, incluyendo algunos de sus trabajos más admirados: la ópera La flauta mágica, el final del Concierto para piano n.º 27 en si♭ (K. 595), el Concierto para clarinete K. 622, el último de su gran serie de quintetos de cuerda (K. 614 en mi♭), el motete Ave verum corpus K. 618 y el inacabado Réquiem K. 626.

La situación financiera de Mozart, una fuente de ansiedad extrema en 1790, finalmente comenzó a mejorar. Aunque las evidencias no sean concluyentes[57] aparecen patrocinadores ricos en Hungría y Amsterdam prometiendo anualidades a Mozart, a cambio de composiciones ocasionales. Probablemente también se benefició de la venta de música de baile compuesta en su papel como compositor de cámara imperial.[57] Mozart más volvió a pedir dinero prestado a Puchberg y empezó a hacer frente al pago de sus deudas.

Experimentó una gran satisfacción por el éxito público de algunos de sus trabajos, destacando La flauta mágica (representada en numerosas ocasiones en el corto período entre su estreno y la muerte del compositor)[58] y la Pequeña cantata masónica K. 623, estrenada el 15 de noviembre de 1791.[59]

En marzo de 1791, Mozart ofreció en Viena uno de sus últimos conciertos públicos; tocó el Concierto para piano n.º 27 (KV 595). Su último hijo, Franz Xaver, nació el 26 de julio.

Enfermedad final y fallecimiento [editar]
Artículo principal: Muerte de Wolfgang Amadeus Mozart
Mozarts letzte Tage ("Últimos días de Mozart") de Hermann von Kaulbach (1873).

La salud del compositor empezó a declinar y su concentración disminuía. Mozart se sintió enfermo durante su estancia en Praga durante el estreno el 6 de septiembre de su ópera La clemenza di Tito, compuesta en esa año como un encargo para los festejos de la coronación de Leopoldo II como emperador.[60] La obra fue acogida con frialdad por el público. Al regresar a Viena, Mozart se puso a trabajar en el Réquiem y preparó, en compañía del empresario teatral y cantante Emanuel Schikaneder, los ensayos de la ópera La flauta mágica. Ésta se estrenó con enorme éxito el 30 de septiembre, con el propio Mozart como director.

Por entonces Mozart escribió el Concierto en la mayor para clarinete (KV 622), compuesto para el clarinetista Anton Stadler. En octubre su salud empeoró; caminaba con su esposa por un parque cuando de pronto se sentó en un banco y muy agitado comentó a Constanze que alguien lo había envenenado. El 20 de noviembre la enfermedad se intensificó y cayó postrado en cama, sufriendo hinchazón, dolor y vómitos.
Tumba de Mozart en el cementerio de St. Marx en Viena.

Mozart recibió los cuidados de su esposa Constanze y su hermana menor Sophie durante su enfermedad final y fue atendido por el doctor Thomas Franz Closset. Es un hecho probado que estaba mentalmente ocupado en la finalización de su Réquiem. Sin embargo, las evidencias de que realmente dictara pasajes a su discípulo Franz Xaver Süssmayr es muy remota.

El 5 de diciembre de 1791, aproximadamente a las doce de la madrugada, llegó el doctor Closset de la ópera y ordenó que se pusiesen compresas frías sobre la frente para bajarle la fiebre (a pesar de que Sophie se mostró reacia a hacerlo, puesto que pensaba que no sería bueno para el enfermo el cambio tan brusco de temperatura), lo que hizo tanto efecto en él que perdió el conocimiento, que no volvió a recuperar hasta su muerte. Según Sophie, los últimos suspiros de Mozart fueron "como si hubiera querido, con la boca, imitar los timbales de su Réquiem".

Alrededor de la una de la madrugada, Mozart falleció en Viena a la edad de 35 años y su funeral tuvo lugar en la Catedral de San Esteban (donde también se casó con Constanze), el día 6 de diciembre. Fue amortajado según el ritual masónico (manto negro con capucha).

El entierro de Mozart fue de tercera categoría, con un coste de ocho florines con cincuenta y seis kreutzer, lo usual para miembros de la burguesía media. Fue enterrado al anochecer, siendo trasladado el féretro en coche de caballos hasta el cementerio de St. Marx en Viena, en el que recibió sepultura en una tumba comunitaria simple (no en una fosa común). El tiempo que hacía aquella noche era suave y tranquila, no tormentosa como se ha pensado erróneamente. Según el biógrafo Otto Jahn afirmó en 1856, al entierro asistieron Antonio Salieri, Süssmayr, Gottfried Van Swieten y otros dos músicos.

La escasa afluencia de público al entierro de Mozart no reflejó su categoría como compositor, ya que los funerales y conciertos en Viena y Praga contaban con mucha afluencia.[65] Ciertamente, en el período inmediatamente posterior a su muerte la reputación de Mozart se incrementó considerablemente: Solomon lo describe como "una ola de entusiasmo sin precedentes" por sus obras. Varios escritores redactaron biografías sobre el compositor, como Friedrich Schlichtegroll, Franz Xaver Niemetschek y Georg Nikolaus von Nissen, entre otros; y los editores compitieron para publicar las ediciones completas de sus obras.[65]

Hipótesis sobre su muerte
Artículo principal: Muerte de Wolfgang Amadeus Mozart

La inesperada y misteriosa muerte de Mozart ha suscitado gran interés desde el principio. En el acta de defunción oficial constaba que el compositor austríaco había fallecido a causa de una "hitziges Frieselfieber" ("fiebre miliar aguda", refiriéndose a una erupción cutánea parecida a semillas de mijo), una descripción que no basta para identificar la causa en la medicina moderna y que es demasiado amplia e inexacta, ya que no se llevó a cabo la autopsia debido al avanzado estado de descomposición en que se encontraba el cadáver.

Se han propuesto multitud de teorías sobre la muerte del compositor, incluyendo triquinosis, gripe, envenenamiento por mercurio y un extraño achaque en el riñón. La práctica de sangrías en los pacientes era común en la época y también se cita como un posible factor que contribuyera a su muerte. Sin embargo, la versión más ampliamente aceptada es la muerte por una fiebre reumática aguda. Es conocido que que tuvo tres o incluso cuatro ataques desde su infancia y esta enfermedad es recurrente, con un consecuencias incrementalmente más series en cada ataque, como una infección descontrolada o daño en las válvulas cardiacas.

Aspecto físico y personalidad
Véase también: Mozart y la viruela y Mozart y la Iglesia católica
El llamado "Mozart de Bolonia" fue copiado en 1777 en Salzburgo (Austria) por un autor desconocido a partir de un retrato original perdido para la galería de compositores de Giovanni Battista Martini en Bolonia (Italia).

El aspecto físico de Mozart fue descrito por el tenor Michael Kelly, en sus Reminiscencias: "un pequeño hombre notable, muy delgado y pálido, con una prominente cabellera de cabellos claros, por la que era muy vanidoso". Como uno de sus primeros biógrafos, Franz Xaver Niemetschek, escribió "no había nada especial en [su] físico. [...] Era pequeño y su semblante, excepto sus ojos grandes e intensos, no mostraba ningún signo de su genio". Su tez facial estaba picada, una secuela de la viruela que sufrió en su niñez. Le gustaba la ropa elegante. Kelly lo recordó en un ensayo: "Estaba sobre la etapa con su pelliza carmesí y su bicornio con encajes de oro, dando el tempo de la música a la orquesta". Por su lado, Constanze escribió más tarde que "era un tenor, bastante suave en la oratoria y delicado en el canto, pero cuando algo lo excitaba, o era necesario ejercerlo, era tan poderoso como enérgico".

Mozart por lo general trabajaba durante mucho tiempo y con fuerza, terminando composiciones a un gran ritmo debido a los ajustados plazos. A menudo hacía bosquejos y esbozos aunque, a diferencia de Ludwig van Beethoven, no se han conservados ya que Constanze los destruyó después de su muerte.

Fue criado según la moral católica y fue un miembro leal de la Iglesia en todas las etapas de su vida.

Mozart vivió en el centro del mundo musical vienés y conocía a un gran número y variedad de gente: músicos de todo tipo, intérpretes teatrales, salzburgueses de todo tipo y muchos aristócratas, incluyendo algún conocido del emperador José II. Solomon considera que sus tres amigos más cercanos pudieron haber sido a Gottfried Janequin, el conde August Hatzfeld y Sigmund Barisani. Muchos otros incluyeron entre sus amistades a su viejo colega Joseph Haydn, los cantantes Franz Xaver Gerl y Benedikt Schack y el trompa Joseph Leutgeb. Leutgeb y Mozart mantuvieron un curioso tipo de burlas amistosas, a menudo con Leutgeb siendo el objeto de las bromas pesadas de Mozart.

Disfrutaba jugando al billar y el baile y tenía varios animales domésticos: un canario, un estornino, un perro y también un caballo para equitación lúdica. En particular en su juventud, Mozart tenía un cariño asombroso para el humor escatológico (no tan insólito en su tiempo), que se aprecia en sus muchas de sus cartas que sobreviven, especialmente aquellos escritos a su prima Maria Anna Thekla Mozart alrededor de 1777-1778, pero también en su correspondencia con su hermana Nannerl y sus padres.[72] Mozart incluso escribió música escatológica, como el canon Leck mich im Arsch K. 231 (literalmente "Lámeme el culo", a veces idiomáticamente traducido como "Bésame el culo" o "Atáscate").

Mozart aparece hoy como uno de los más grandes genios musicales de la historia. Era capaz de concebir mentalmente obras enteras hasta en sus más mínimos detalles para escribirlas después tranquilamente en medio de la conversación y el bullicio. Fue excelente pianista, organista, violinista y director y destacaba por sus improvisaciones, que solía realizar en sus conciertos y recitales.

La música de Mozart, al igual que la Joseph Haydn, es presentada como un ejemplo arquetípico del estilo clásico. En la época en la que comenzó a componer, el estilo dominante en la música europea era el estilo galante: una reacción contra la complejidad sumamente desarrollada de la música del Barroco. Pero cada vez más, y en gran parte en las manos del propio Mozart, las complejidades del contrapunto del Barroco tardío surgieron una vez más, moderado y disciplinado por nuevas formas y adaptado a un nuevo entorno estético y social. Mozart fue un compositor versátil y compuso en cada género principal, incluyendo la sinfonía, la ópera, el concierto para solistas y la música de cámara. Dentro de éste último género, realizó composiciones para diversas agrupaciones de instrumentos, incluyendo el cuarteto y el quinteto de cuerda y la sonata para piano. Estas formas no eran nuevas, pero Mozart realizó avances en la sofisticación técnica y el alcance emocional de todas ellas. Casi sin ayuda de nadie desarrolló y popularizó el concierto para piano clásico. Compuso numerosas obras de música religiosa, incluyendo una gran cantidad de misas; pero también muchas danzas, divertimentos, serenatas y otras formas musicales ligeras de entretenimiento. También compuso para cualquier tipo de instrumento.

Los rasgos centrales del estilo clásico están todos presentes en la música de Mozart. La claridad, el equilibrio y la transparencia son los sellos de su trabajo, pero cualquier noción simplista de su delicadeza enmascara el poder excepcional de sus obras maestras más finas, como el Concierto para piano n.º 24 en do menor K. 491, la Sinfonía n.º 40 en sol menor K. 550 y la ópera Don Giovanni. Charles Rosen hace hincapié en este punto:
Es sólo por el reconocimiento de la violencia y la sensualidad en el centro de la obra de Mozart que podemos encaminarnos hacia una comprensión de sus estructuras y hacernos una idea de su magnificencia. De un modo paradójico, la caracterización superficial de la Sinfonía en sol menor de Schumann puede ayudarnos a ver al demonio de Mozart más regularmente. En todas las expresiones supremas de sufrimiento y terror de Mozart, hay algo terriblemente voluptuoso.

Sobre todo durante su última década, Mozart explotó la armonía cromática hasta un extremo desconocido hasta entonces, con una notable seguridad y un gran efecto artístico.
Una sección de una página del manuscrito del Réquiem de Mozart, K 626. (1791), mostrando el encabezamiento de Mozart en el primer movimiento. Austrian National Library, Codex 17561a, folio 1 (recto).

Mozart siempre tenía un don para absorber y adaptar los rasgos más valiosos de la música de otros compositores. Sus viajes seguramente le ayudaron a forjarse un lenguaje compositivo único.En Londres siendo niño, tuvo lugar un encuentro con Johann Sebastian Bach y escuchó su música. En París, Mannheim y Viena encontró muchas otras influencias compositivas, así como las capacidades de vanguardia de la orquesta de Mannheim. En Italia conoció la obertura italiana y la opera buffa, las cuales afectaron profundamente en la evolución de su propia práctica. Tanto en Londres como Italia, el estilo galante estaba en auge: música simple, brillante con una predilección por la cadencia; un énfasis en la tónica, dominante y subdominante y la exclusión de otro tipo de acordes; frases simétricas; y particiones claramente articuladas en la forma total de los movimientos.[76] Algunas de las primeras sinfonías de Mozart son oberturas italianas, con tres movimientos que penetrando unos en otros; muchas son homotonales (cada movimiento en la misma armadura de clave, con el movimiento más lento en el tono relativo menor). Otras obras imitan a las de Bach y otras muestran las simples formas binarias redondeadas escritas habitualmente por los compositores vieneses.